Selecteer een pagina

Inzendingen

In een tijd waarin een fysieke tentoonstelling voor publiek onmogelijk was,
waren (en zijn) 90 inzendingen hier online te zien. Van 31 oktober tot en met 28 november
zijn de 12 meest spannende, inspirerende en bijzondere kunstwerken live voor publiek
te bewonderen in de tentoonstelling NIEUWE AARDE: 12 visioenen in de Westerkerk Amsterdam.

Caspar Noyons Maquette voor een nieuwe aarde

CASPAR NOYONS

Maquette voor een nieuwe aarde

Materiaal en afmetingen

mixed media

50 x 700 x 80 cm

Korte beschrijving

In mijn werk verbeeld ik mijn visioen van een wetenschappelijke mythologie. Ik toon de maquettes van 6 grootschalige projecten, 6 podia, waar theatervoorstellingen, wetenschappelijke lezingen, dans en muziek elkaar afwisselen en zo rituelen vormgeven voor de “nieuwe aarde”. Het doel is om te trachten de kloof te overbruggen die sinds de Verlichting is ontstaan tussen onze spirituele binnenwereld gemaakt van visioenen, gevoel en intuïtie, en de praktische wetenschappelijke en technologische buitenwereld. Hier vinden ze een plek om elkaar te ontmoeten en zich in elkaar te spiegelen. Ze laten zich hiervoor inspireren door de rijkheid aan wijsheden en tradities uit het verleden.

De eerste maquette is de kosmografie van Dante’s Goddelijke Komedie die zelf ook weer een combinatie is van de kosmografie van Johannes in de Openbaringen en het Griekse wereldbeeld. Dante’s wereldbeeld spreekt nog een volledig mythologische taal, vol van poëtische kracht en vormt zo ook de inspiratie van alle overige projecten. Geleid door een audiotour, zoals Vergilius Dante leidde, reist de bezoeker via Einstein’s relativiteitstheorie (maquette twee), naar de DNA-molecuul en de virussen (maquette 6). “We are talking to ourselves. (…) We have broken the great conversation and (…) we have shattered the universe”, schreef Thomas Berry. Laten we opnieuw het grote gesprek aangaan.

Over de kunstenaar

Caspar Noyons (1988) is een Nederlands / Franse kunstenaar gevestigd in Amsterdam. Na het afronden van zijn bachelor architectuur aan de TU Delft vestigde hij zijn eigen kunstpraktijk op het gebied van tekenen, beeldhouwen, installatie, performance en video.

 

Artist statement:

Mijn kunstwerken hebben één gemeenschappelijk doel: “Mythologizing Science”. Als kunstenaar kijk ik naar de wetenschap met de ogen van een dichter, en ik wil deze grote wetenschappelijke feiten metaforisch tot ons laten spreken. Ik wil dat ze levend worden en ons meer vertellen over wie we zijn en waar we vandaan komen . Dit is een werk van het vertalen van feiten naar verhalen en het betekenis geven. Het is geen wetenschap meer, maar een soort bijproduct van deze grote ontdekkingen die iets zullen worden waarmee we ons emotioneel kunnen verbinden en waarmee we ons psychologisch kunnen identificeren, zowel als individu als als samenleving. In deze gedeelde ervaringen worden de geboorte en dood van sterren, de evolutie van het leven en de vorming van bergen en oceanen onderdeel van ons collectieve verhaal, onze collectieve identiteit. 

 

Niet-westerse kunst inspireert mij daarbij bijzonder. Kunstenaars zijn voor mij de myth makers, verhalenvertellers, sjamanen: door middel van kunstwerken zijn we in staat om op afstand naar onze wereld en ons leven te kijken en te zien hoe het allemaal in een groter geheel past. We nemen deel aan wat Tomas Berry noemde “Het geweldige gesprek”: het gesprek tussen de mensheid en al het andere. Het probleem met onze huidige samenleving is dat we gestopt zijn met dit ‘geweldige gesprek’. Ik zie het als mijn taak om een moderne taal te vinden om er weer mee bezig te zijn. 

 

Terwijl ik probeer dit geweldige tijdloze verhaal over mythologie na te vertellen, raak ik ook enorm geïnspireerd door het werk van Joseph Campbell en zijn uitgebreide studie van vergelijkende mythologie en religie. Hoe meer ik mythologieën bestudeer, hoe meer ik verbaasd ben te zien hoe poëzie, muziek, architectuur, schilderkunst en beeldhouwkunst niet omwille van zichzelf werken, maar samen om een transformatieve ervaring te creëren . Ik denk dat onze samenleving zulke ervaringen enorm mist en het is de taak van kunstenaars om ze in een taal van vandaag te bieden.

 

www.casparnoyons.com

Marian Bijlenga

Universum

Materiaal en afmetingen

Mixed Media, 2020

193 x 210 cm

Korte beschrijving

Op het oog hebben haar tekeningen in textiel een vrij zwevend aanzien voor de wand. Door de stof in draden, strepen, stippen en vlekken te verstevigen maakt ze composities die voor de wand een tweedimensionale verschijning aannemen. Alle los ogende elementen brengt ze met onzichtbare draden in een zonderling onderling verband. Door het werk op afstand van de wand te plaatsen ontstaat een schaduw die deel uitmaakt van het totale werk. Licht is daarom van wezenlijk belang.

Het uiteindelijke resultaat is een samenhang van verschuivende en interfererende structuren die los voor de achtergrond bewegen. Je blik schiet in die dynamische texturen heen en weer tussen lijnen, stippen en de leegte ertussen. Voortdurend volg je een onderling verband tussen de onderdelen van een compositie, in feite zoals je naar de nachtelijke hemel kijkt door met denkbeeldige lijnen tussen de hemellichamen de figuren van oplichtende sterrenbeelden te tekenen. Haar ruimtelijke tekeningen vormen een door haarzelf ontdekte en tot stand gebrachte zodiak.

(Tekst: Alex de Vries)

Over de kunstenaar

Marian Bijlenga ( Loenersloot, 1954) woont in Landsmeer en werkt in Amsterdam.

Ze volgde haar opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam 1977-1982.

 

Marian Bijlenga Universum

Caroline Waltman

Traan

Materiaal en afmetingen

Digitale foto, geprint, 2019

Verhouding 2:3, grootte is flexibel

Korte beschrijving

De nieuwe aarde die ik voor me zie. Bij Openbaring 21 denk ik aan de symboliek van het huidige transformatiemoment.

Dit is een foto van een boom met smeltende sneeuw. Het lijkt zo net een traan. Een eenzame traan op zo’n groot oppervlak. De traan van God misschien?

Ik heb wel eens horen zeggen dat die ook huilt. Om hoe wij omgaan met elkaar en onze grondstoffen, soms als onuitputtelijke inwisselbare bronnen.

Vroeger zou Corona gezien worden als een straf van God. Nu wordt dit virus in de Westelijke wereld wellicht eerder gelezen als het verdriet van de Onnoembare. Of als kans om naar aanleiding van dit vreselijke virus de toekomst ten goede te wenden. Richting een groen visioen waarin welvaart eerlijk verdeeld is. Waarin de bodem van de bodem gezien en gerespecteerd wordt. En er voldoende is van alles.

God hier en nu heeft tenslotte een steeds meer menselijke gedaante aangenomen in de hoofden van veel (jonge) mensen. Openbaring 21 vraagt erom het visioen hoog te houden. En tegelijk vraagt het om menselijke proportie. Ik zie woorden als God en Nieuwe aarde als werkwoorden.

Beide vragen om actieve transformatie naar een betere wereld. Ik heb een foto ingestuurd van een vrij alledaags (winter)tafereel. Juist om het menselijke karakter van God te benadrukken. En de Goddelijkheid van de aarde waarop wij wonen.

Over de kunstenaar

Kunstenaar Caroline Waltman beweegt zich tussen fotografie, sculptuur, tekst, film en grafiek. Haar werk is meerdere malen geëxposeerd, in binnen- en buitenland. In haar werk onderzoekt Waltman verschillende aspecten van genezing, in grote en kleine verbanden.

“Ik ben aangetrokken tot grote verbanden maar wordt gedreven door mijn liefde voor het detail.”, aldus Waltman. Het Bijbels Museum werkte eerder met Waltman samen in de tentoonstelling Zie mij. De Bijbel in 609 foto’s.

www.carolinewaltman.nl

Henk heideveld

God’s First Name is Art

Materiaal en afmetingen

Scheerzeep, poeder, 2020

18 tekstwerken van 30 x 30 cm

Korte beschrijving

De nieuwe mens die straks door ‘Het Nieuwe Jeruzalem’ wandelt zal geen uniforme mens zijn. Onderlinge verschillen in voorkeuren, smaak, talent, maar ook levensbeschouwing en levensfilosofie zullen de liefdevolle omgang met elkaar verrijken en veraangenamen.

‘GOD’S FIRST NAME IS ART’ bestaat uit 18 ‘tekstenwerken’, teksten die goed op de stoepen van de hemelse stad kunnen worden aangebracht. Ze nodigen uit tot beschouwing, reflectie en interpretatie. De nieuwe stedelingen zullen immers naast een blakend fysiek bestaan ook graag een zinvol geestelijk leven willen leiden. Geplaatst in de Westerkerk verwijzen zij in een doorlopende volgorde op de vloer tevens naar de kloostergang waar monniken en monialen een rondgang maken van fysieke- of meditatieve aard.

De tekstwerken vormen inhoudelijke vertrekpunten die een BEELDENDE werking beogen bij de beschouwer.  Vertrekpunten die verwijzen naar een veld van zin en zodoende met name een in hedendaagse kunst geïnteresseerd publiek tot interpretatie uitnodigen.

Het woord GOD in dit werk refereert aan de gehele monotheïstische traditie. De teksten staan in de internationale taal van het nieuwe Jeruzalem, het Engels.

Over de kunstenaar

Henk Heideveld, woont en werkt in Zwolle. Hij volgde tekenlessen bij Cees Graswinckel in Zwolle en bezocht kunstacademie Minerva in Groningen. Ook volgde hij privélessen van Arie Stronks, Maarten Binnendijk en Henk Schuring, docenten Aki Enschede. Heideveld is sinds 1977 fulltime beeldend kunstenaar. Hij tekent, schildert, fotografeert en maakt performances. Heideveld exposeert veel, publiceert regelmatig en geeft lezingen en workshops. 

www.henkheideveld.nl

Harry knopperts

Bron

Materiaal en afmetingen

olieverf op doek, 2013

200 x 280  cm

Korte beschrijving

De verhouding van de mens tot de natuur is een leidend thema voor Knopperts omdat hij bezorgd is over de toekomst van de aarde. Bron is een visionair schilderij uit een serie over de gelijktijdige verantwoordelijkheid van de mens voor de vernietiging en het in standhouden van flora en fauna. Zoveel is duidelijk: Corona is mede een gevolg van de destructie want daardoor komen te veel dieren te dicht bij de mens.

 

Het landschap is desolaat; door een bom, verontreiniging? Is de figuur met de ladder een engel, afgedaald om te straffen? Hij kan ook gewoon een man zijn die gaat redden wat te redden valt of naar de hemel wil klimmen. Die opties bieden een toekomst, hier of hierna. Het hoopvolle roze van de bron contrasteert met de sombere context en wordt gespiegeld in een aureool tegen de donkere lucht. Een ander werk uit dezelfde serie verwijst naar de kruisiging toen de aarde duister werd. Christus’ kruisdood staat bij uitstek voor een nieuw begin. Zo is de dood een levensbron en duidt de titel Bron niet ook op nieuw leven? Welke rol hebben de vrouwen? Mogelijk zijn zij ontzet over wat zij zien, maar zij reiken naar elkaar met tederheid.

 

Knopperts laat de interpretatie aan de beschouwer. Een schilderij is voor hem pas geslaagd als het voor elke kijker anders kan zijn.

Over de kunstenaar

Henk van Os noemde de serie schilderijen waarvan Bron er een is: ‘verbluffend’. Knopperts (Zutphen 1955) werd toegelaten tot de Academie voor Beeldende Kunsten in Arnhem toen hij vijftien was, wegens uitzonderlijk talent. Direct na zijn afstuderen won hij in Frankrijk de eerste prijs van de Salon International Jeune Peinture, Jeune Photo. Werk is opgenomen in de collecties van musea en de Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed en in particuliere verzamelingen in Nederland en het buitenland. De Deventer Musea voorzien een retrospectieve tentoonstelling, gepland voor zomer 2020. Die is door Corona afgelast. Naar een alternatief wordt gezocht. Bij die expositie verschijnt een monografie.  

Foto: Marcel Hoes

 

Agatha van amEe

just as real events are forgotten

Materiaal en afmetingen

houtskool op papier

240 x 370 cm

 

 

Korte beschrijving

In mijn werk overheerst een wereld waarin de erfenis van menselijke aanwezigheid nog zichtbaar is, maar waarin natuurlijke elementen de achtergebleven voorwerpen en bouwsels opnemen in een nieuwe orde. Als mens geven wij betekenis aan de dingen om ons heen. We verzinnen verhalen en maken onszelf belangrijk. De natuur lijkt voor ons ondergeschikt en vooral dienend voor ons nut of vermaak. Vol ideeën over een maakbare toekomst waarin de mens centraal staat gebruiken wij de aarde alsof wij altijd zullen bestaan. Maar wat als de mensheid slechts een toevallige passant is op de aarde? Als natuurkrachten ons wakker schudden om stil te staan bij onze vergankelijkheid en wij beseffen dat we slechts te gast zijn, zijn wij dan zo sterk dat we een stap terug doen en in harmonie kunnen samenleven met onze aarde en ons verhaal kunnen blijven vertellen. Of rest straks een nieuwe wereld waarin onze erfenis wordt opgenomen in de natuur en ons in vergetelheid achterlaat?

Over de kunstenaar

Rob Schrama (1951) zet zijn kunst in als motor voor veranderingsprocessen. Meer dan 40 jaar lang organiseert hij in binnen- en buitenland acties, performances, happenings en festivals. Hij ontwikkelt concepten voor een hoopvolle toekomst en betrekt bij de uitvoering daarvan zo veel mogelijk mensen. Hij richt zich daarbij ook op Jeruzalem. Van 2007 t/m 2015 organiseert hij rondom het oude stadscentrum jaarlijks de vredesmanifestatie “Jerusalem Hug”, waar Palestijnen en Israëliërs zich verbinden in hun liefde voor Jeruzalem en hun wens naar vrede. Naast al deze activiteiten maakt Rob Schrama ook beeldend werk:  wandplastieken van polyester en olieverf.

 

gerdien van delft

Er zal geen verdriet meer zijn

Materiaal en afmetingen

Installatie, mixed media op papier en canvas, papierclay

46 cirkels in een vlak van 220 x220 cm; kleinste werk 10 x 10 cm, het grootste 50 x 50 cm

 

 

Korte beschrijving

De 46 cirkels van Gerdien van Delft vormen innerlijke portretten, los van elkaar gemaakt in de periode 2013-2020. Ze komen voort uit een verlangen naar het tot rust brengen van de ziel: “Ik begon met deze serie vanuit een herstel van overspannenheid in 2012. Er bleken parallellen te lopen tussen de organische cirkelvorm waar ik me tot aangetrokken voelde en mijn persoonlijke ontwikkeling, in het bijzonder mijn behoefte aan geborgenheid. Van daaruit ben ik verder gaan werken. Het tekenen, experimenteren, schilderen is voor mij therapeutisch. Ik streef ernaar zo min mogelijk na te denken over wat ik aan het doen ben, maar intuïtief te werken.”

Inmiddels heeft Gerdien meer dan 500 cirkels gemaakt in vele maten, technieken en materialen. Meestal op papier met acryl, grafietpoeder en potlood. Elke afzonderlijke cirkel is getiteld naar de datum waarop hij gemaakt is.

Thema’s als verlangen naar geborgenheid, troost en heelheid, ruimte geven en ontvangen, zijn heel belangrijk. Emotie is een wezenlijk component in de werken, het verlangen naar zachtheid, vriendelijkheid en aanraking komt tot uitdrukking komt in het handschrift, de huid en vorm. Zoals Gerdien schreef: “Het universele verlangen om geliefd te willen worden sluit aan bij de bijbelse toekomst waar we altijd bij God zullen zijn. Hij zal dan onze tranen drogen. We vinden ons echte thuis in God.”

Over de kunstenaar

Gerdien van Delft Rebel (1978) is geboren in Hilversum en woont en werkt in Veenendaal. Ze werd opgeleid als beeldmaker aan de Willem de Kooning Academie Rotterdam en volgde diverse trajecten om haar autonome werk verder te ontwikkelen. Na haar afstuderen won ze in 2003 ‘De Zilveren Kei’ prijs.

Haar werken bestaan uit tekeningen, schilderijen, objecten, textiel, installaties en mixed media. Ze komen voort uit een verlangen naar geborgenheid, troost en heelheid. Deze thema’s vormen een startpunt om vanuit te werken. Het werk wordt regelmatig opgenomen in exposities door het hele land. Naast autonoom werk is ze actief als illustrator en vormgever onder de naam Studio Rebel.


www.gerdienvandelft.nl

Rob schrama

Holy Land (2004)

Materiaal en afmetingen

olieverf op polyester

230 x 270 x 20 cm

Korte beschrijving

“Holy Land” is een feminien landschap en verbeeldt de Nieuwe Aarde. Het land is in harmonie, vol groen en koperen kleuren. Het midden heeft de contouren van de Dode Zee. Maar de zee is niet meer. Hij is leeg; een vrouwelijke leegte. Pas als de laatste druppel van de Dode Zee is verdampt, zal er vrede zijn. Dan kan een Nieuwe Aarde ook in het echt ontstaan: een heilig en veilig land voor 2 volkeren, verenigd in één land zonder grenzen. Een land waar het vrouwelijke regeert en waar geluk en voorspoed zal heersen.

Na mijn terugkeer uit Jeruzalem
Pak ik klei en begin te kneden
De tafel is groot maar mijn armen zijn kort
Waar ik klei, ontstaat een landschap
Erachter blijft een leegte
Zo maak ik een mal
Voor een kunstwerk
Een paradijselijke kleurenpracht

Ik hang het op in een galerie
Een vriend uit Jeruzalem zegt bij de opening:
“Dat gat heeft de contouren van de Dode Zee”
Ik zie dat ook en weet ineens de titel voor dit kunstwerk:
“Holy Land” En een stemmetje in mijzelf zegt:
“Pas als de laatste druppel zee is verdampt, zal er vrede zijn”

Dit kunstwerk is daarna niet meer in het openbaar verschenen
En nooit onder deze titel tentoongesteld.

Over de kunstenaar

Rob Schrama (1951) zet zijn kunst in als motor voor veranderingsprocessen. Meer dan 40 jaar lang organiseert hij in binnen- en buitenland acties, performances, happenings en festivals. Hij ontwikkelt concepten voor een hoopvolle toekomst en betrekt bij de uitvoering daarvan zo veel mogelijk mensen. Hij richt zich daarbij ook op Jeruzalem. Van 2007 t/m 2015 organiseert hij rondom het oude stadscentrum jaarlijks de vredesmanifestatie “Jerusalem Hug”, waar Palestijnen en Israëliërs zich verbinden in hun liefde voor Jeruzalem en hun wens naar vrede. Naast al deze activiteiten maakt Rob Schrama ook beeldend werk:  wandplastieken van polyester en olieverf.

 

Josefien Alkema

Tuin (2019) 

Materiaal en afmetingen

inkt op papier

142 x 125 cm

Korte beschrijving

Voor Nieuwe Aarde is door kunstenaars inspiratie geput uit zeer diverse bronnen en teksten. Josefien Alkema deed haar inzending, ‘geschilderd’ met natuurlijke materialen – gras, planten en takjes zijn als kwast gebruikt om structuren te maken – vergezeld gaan van een tekst, vrij naar de Perzische soefi-mysticus Jalal ad-Din Rumi:

Afscheid van het paradijs
Reis door de wildernis
Daarachter ligt een tuin
Ik zie je daar

 

Over de kunstenaar

Voor Josefien Alkema is de ervaring met de natuur is een mystieke ervaring; het gevoel opgenomen te zijn in iets groters en dat dit iets te zeggen heeft.

Een diepere laag van de zichtbare werkelijkheid; alledaagse dingen kun je met andere ogen bekijken. Een beeld kan het onzichtbare met zichtbare verbinden, het moment met de oneindigheid.

In haar werk laat zij iets zien van deze manier van leven en kijken. Dit maakt dat het werk verstild is, of juist de dynamiek laat zien die je in de natuur ziet in groei, wind en licht. Alkema werkt van waarneming naar abstractie, er blijft een associatie met de landschappelijke ruimte, de figuratie verdwijnt en de nadruk komt op structuren, ritme en compositie.

Josefien Alkema gebruik verschillende tekentechnieken en -materialen; houtskool, krijt, inkt en potlood. Daarnaast maakt zij collages en papiersculpturen van haar eigen oude tekeningen.

www.josefienalkema.nl

ilona & danielle willemse

MobiLE

Materiaal en afmetingen

Materiaal waarvan het gemaakt moet worden: Staal, staalkabel, zand, keien, hondenkoekjes, tennisballen, spijkers, schroeven, nep bont, petflessen, servies, bubbelplastic, afvalmaterialen en acrylverf

 6 x 4 x 8,5 meter

Korte beschrijving

Voor de nieuwe aarde hebben wij ons laten inspireren door de creatie van het leven tot op celniveau.

Wij zien alle elementen en organismen in de wereld als gelijkwaardig. Ze houden elkaar in balans, als een soort Mobilé. Alleen als mens voelen we ons dominant op deze wereld. We cultiveren en industrialiseren de aarde en grijpen in om deze naar onze hand te zetten. Als reactie op ons ingrijpen, reageert de natuur – soms exponentieel – en raakt uit evenwicht. Wij zijn vergeten dat we met elkaar verbonden zijn. Elke actie zet de Mobilé in beweging.

De kern van de natuur, zowel goed als kwaadaardig, zit in ons en schetst een toekomstbeeld. De wijze waarop wij met de natuur omgaan, bepaalt hoe de nieuwe aarde eruit gaat zien. Door de overconsumptie, de hoeveelheid afval, de uitputting van de natuur en de vervuiling krijgen kwaadaardige virussen en bacteriën de overhand. Welke geven wij de kans? Het is een wankel evenwicht. Als we zien dat alles tot op microniveau leeft en beweegt, dan kunnen we werkelijk gelijkwaardig met de natuur een samenleving vormen. Deze zoektocht naar eenheid van mens en natuur, hebben wij verbeeld.

Over de kunstenaar

Ilona Willemse is kunstenaar/social artist en jarenlang werkzaam als conceptdesigner. Haar inspiratie vindt ze in dagelijkse materialen en massaproducten als kleding en huishoudelijk afval. Ze geeft haar fascinatie hiervoor een nieuwe vorm en rol, waarbij de oorspronkelijke functie vervalt. De interactie tussen autonome vormen en beeldtaal staan daarbij centraal. Danielle Willemse heeft jarenlange ervaring als conceptontwikkelaar en heeft haar werk sinds kort uitgebreid met 3D visualisaties. Ze maakt ideeën en ontwerpen concreet en vertaalt deze naar belevenissen of artist impressions. Het werk van Ilona en Danielle gaat over het creëren van verhalen en beelden waarmee de werkelijkheid herschapen wordt.

Jaap kamsma

sterrenschip

Materiaal en afmetingen

gouache op doek

340 cm x 340 cm

Korte beschrijving

Sterrenschip van Jaap Kamsma bestaat uit negen doeken. Het gaat over een gigantisch sterrenschip dat zijn eigen biotoop heeft en door rotatie zwaartekracht simuleert. Kamsma maakte het beeld naar aanleiding van een boek van de science fiction schrijver Arthur C. Clark “Rendez-vous met Rama” dat over zo’n soort schip gaat.

Over de kunstenaar

Kamsma tekent en schildert al van kinds af aan in de dierentuin. Op de HKU pakte hij dat onderwerp weer op. Het gaat hem daarbij niet alleen om het dier, de contouren van diens leefruimte zijn eveneens van belang. Vaak zijn het gesloten ruimtes met veel doorkijken. De verbinding tussen de architecturale ruimte en de natuur zijn elementen die mij inspireren.  

“In mijn recente werk zijn de dieren ontsnapt uit hun omgeving en verschijnen ze op daadwerkelijk bestaande plaatsen, in beelden die vanuit mijn fantasie komen. Geïnspireerd door science fiction boeken van onder anderen Arthur C. Clark, Frank Herbert en Isaac Asimov, creëer ik in mijn gedachten visualisaties. De dieren zijn ook daar prominenter aanwezig en dragen bij aan het verhaal. Ook de vormen van hun leefruimte spelen een belangrijke rol: gesloten ruimtes met kleine openingen die je de mogelijkheid geven om een ​​kijkje te nemen in hun wereld.”

 

Ron van de Ven

Minderwinst

Materiaal en afmetingen

Hout

185 X 800 X 80mm

Korte beschrijving

Plotsklaps

zetten we een stap

terug

en dan ontstaat er

ruimte …

Winst

als gevolg van

minder.

 

Over de kunstenaar

Ron van de Ven, beeldend kunstenaar uit Tilburg, maakt (monumentale) sculpturen en twee dimensionaal werk. Hij tracht vooral een samenspel uit te drukken tussen ‘kracht’ en ‘kwetsbaarheid’, elementaire begrippen die hij terugziet in de architectuur, de natuur en het leven van de mens.

Zo vormen de romaanse kerken in het begin van zijn carrière de belangrijkste bron van inspiratie: de aanwezigheid van één lichtbundel die de gesloten ruimte doet ontluiken. Zijn toenmalige werk is veelal geometrisch, enigszins massief, maar kent ook altijd een opening.

Vanaf het nieuwe millennium begint Van de Ven in de natuur een soortgelijk samenspel te herkennen. Zo tracht het fragiele sneeuwklokje zich een weg te banen uit de harde wintergrond naar het licht. Zijn toenmalige organische en lineaire werk bestaat grotendeels uit rijzende groeivormen. Achter hun trotse façade onthullen deze figuren vaak een zekere melancholie of neergang.

De afgelopen jaren richt Van de Ven zich op het weergeven van de mens. Het archaïsch afgebeelde individu dient ons te herinneren aan zijn elementaire behoeften, zoals liefde, vrijheid en vriendschap. Deze wenselijke aspecten van de menselijke conditie bieden betekenis en hoop, maar zijn nooit een vanzelfsprekendheid.

www.ronvandeven.nl

Boukje Janssen

Nt. (I don’t need to see your face to know who you are) 

Materiaal en afmetingen

aquarel, kleurpotlood, grafiet en pastel op aquarelpapier

50 x 65

Korte beschrijving

I don’t need to see your face to know who you are is de titel van een serie portretten waar ik al geruime tijd aan werk. Ik gebruik hiervoor diverse media op papier: grafiet, kleurpotlood, pastel, aquarel en gouache.

Deze serie vond zijn oorsprong rond mijn twaalfde toen ik een documentaire zag over een man die door een ongeluk zijn gezicht was verloren. Ik was onder de indruk van de beelden toen de man het masker, zijn gezicht afdeed. De donkere holte die zichtbaar werd maakte me duidelijk dat de mens dus een ‘zijn’ moest zijn dat in een lichaam huist, …veel meer dan een gelaat of een buitenkant. Deze ervaring veranderde mijn kijken naar een mens. Naar een gezicht.

In de loop der tijd heb ik mijzelf geoefend in het waarnemen van een realiteit achter het zichtbare. Ik noem dit ‘energie lezen’. Door dit vaak te hebben gedaan (nog steeds) denk ik de wereld als eenheid te begrijpen. Als een geheel waar iedereen deel van is en zorg voor draagt. Naar mijn idee hoort het van nature bij de mens om zich met dit bewustzijn tot de wereld te verhouden en ik verwacht dan ook dat het in de toekomst steeds meer geaccepteerd zal zijn deze kwaliteit toe te passen.

Gaandeweg zal er een onvoorwaardelijk empathische en zorgzame samenleving ontstaan. Het hart van het individu wordt het hart van de samenleving.

I don’t need to see your face to know who you are – zijn notities van de lagen die ik achter het gezicht waarneem wanneer ik iemands energie lees.

Over de kunstenaar

Boukje Janssen (1971, Eindhoven) is kunstenaar – energy reader/healer. Ze woont en werkt in Amsterdam, waar ze haar opleiding volgde aan de Rietveld Academie en de Rijksakademie in Amsterdam. Voor meer beeldend werk zie haar Instagram-account: boukjebjanssen

Susan delsing

Nu te zien (2020)

Materiaal en afmetingen

Foto

Korte beschrijving

 De foto is gemaakt naar aanleiding van een beeld dat ik kreeg toen ik aan het mediteren was en is het middenstuk van een drieluik. Ook de ontwerpen van de twee andere delen van het drieluik zijn gemaakt naar aanleiding van meditaties. 

De stukken kunnen aanzetten zijn tot vergroting van bewustzijn. Op energetisch niveau zijn we verbonden met elkaar of we er ons van bewust zijn of niet. Als we ons hiervan van bewust worden zullen we andere keuzes kunnen maken en kunnen we stoppen met elkaar te beconcurreren en ons juist richten op het ontwikkelen van nieuwe vormen van samenwerken.

 

Over de kunstenaar

Susan Delsing: creatief met leven. Ik ben opgegroeid in een kunstenaarsgezin en kunstenaar zijn was toch echt wel een doel. Gaandeweg leerde ik dat veel vormen van leven kunst zijn. Het gaat er niet om wat je doet maar hoe je vorm geeft aan alles wat je doet. Zo ben ik moeder, docent Afrikaanse dans en docent Nt2. Ik fotografeer en mediteer al lang. Dit is het eerste werk waarmee ik naar buiten kom. Als er een rode draad is in mijn leven dan is dat intense nieuwsgierigheid naar het grote geheel en de blijdschap en verwondering wanneer hier iets van, even zichtbaar wordt. 

 

Pavèl van Houten

PAVÈL VAN HOUTEN

De andere wereld

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 7 panelen (ingelijste collages) van 70 x 100 cm
Materiaal: mixed media collages

Korte beschrijving

In Openbaringen wordt een nieuwe wereld geschetst. Deze nieuwe wereld is echter niet voor iedereen bedoeld. Voorafgaand wordt er een scheiding gemaakt tussen zij die ‘juist’ of ‘onjuist’ handelden. De ongelukkigen worden in een vuurzee geworpen. De “nieuwe wereld” heeft dus ook een andere kant, zoals vaak, ook nu, de fortuinlijke wereld een keerzijde kent. Van Houten richt zich met zijn collages op deze keerzijde van de nieuwe wereld.
In de serie van 7 collages heeft hij zich laten inspireren door de 12de-eeuwse theologe en mystica Hildegard Von Bingen die levendige visioenen had over Openbaringen en deze optekende. Monniken schilderden daar prachtige miniaturen bij. Deze levendige beeldtaal heeft Van Houten in de collages overgenomen in een poging hiermee vorm te geven aan de keerzijde van deze nieuwe wereld.

Over de kunstenaar

Pavèl van Houten (1984) studeerde aan de Gerrit Rietveld Academie (BA) en het Sandberg Instituut (MA). Zijn projecten vinden plaats in de (semi)openbare ruimte, zoals in een kerk, dierentuin, ziekenhuis, bordeel, park, op een camping of begraafplaats. Zijn projecten bevinden zich vaak op de scheidslijn tussen mystiek en wetenschap. Zo reist hij Nederland rond met de Waardeloze Winkel, een winkel waar men bijzonder waardeloze objecten kan kopen en verkopen, en zette hij Data Tours op – een stadswandeling langs triviale zaken die dwars door het historische centrum van Amsterdam liep. Tevens exposeerde hij in het Stedelijk Museum Amsterdam, Museum de Hallen, Mediamatic, Museum voor Religieuze Kunst, Frans Hals Museum, TENT Rotterdam, Art Rotterdam en won hij de Dutch Design Award voor het behang dat hij ontwierp met datavisualisaties van boomblaadjes voor de dierentuin Artis. 

www.pavelvanhouten.nl

Margriet van Breevoort

Pangoled in its natural habitat

Materiaal en afmetingen

afmetingen: 120x100x60cm

materiaal: siliconen, kunststof, zand, elektronica

Korte beschrijving

Pangoled in its natural habitat De pangolin staat bekend als het meest illegaal verhandelde dier ter wereld, waardoor het met uitsterven wordt bedreigd. Ergens in de toekomst slaagde deze pangolin erin zich aan de bedreigingen aan te passen en onderging een technologische evolutie. Hij werd Pangoled. Hij wierp zijn schubben af en deze hebben plaatsgemaakt voor duurzame led-lampen die aan en uit flikkeren om vijanden af te schrikken. Wanneer een mens nadert rolt hij zich op tot een bal en doet hij alsof hij een energie besparende sfeerlamp is. Dit beeld is het eerste in een nieuwe serie werken die een karikaturale schets van de toekomst zal weergeven waarin de grens tussen natuur en technologie niet meer bestaat. In deze nieuwe wereld is de natuur aangepast aan de mensheid en aan zijn ‘bijproducten’. Technologie werd de bodem en het voedsel voor nieuw leven en werd een inherent onderdeel van al het leven op aarde.

Over de kunstenaar

HARRIE NIJHOF

Nieuwe Aarde

Materiaal en afmetingen

glasverf en spuitbus op gelamineerde plaat, 2020

70 x 60 cm

Korte beschrijving

Een engel liet mij een rivier zien van water dat levend maakt.

Het water was zo helder als kristal.

Aan beide kanten van de rivier stonden levensbomen.

Daar groeien twaalf keer per jaar vruchten aan.

De bladeren genezen de volken.

Niemand zal nog verdrietig zijn, treuren of pijn hebben.

Er zal geen nacht meer zijn.

En ze hebben geen lamp of zon meer nodig,

want God zal hun licht zijn.

 

Over de kunstenaar

Harrie Nijhof studeerde kunst aan de AKI in Enschede en theater aan de HKU in Utrecht. Hij noemt zijn schilderijen, tekeningen en objecten verbeeldingskaders. Ze duiden zelden, maar geven de kijker de mogelijkheid om binnen het gegeven kader, via de verbeelding, een eigen invulling te geven. De werken krijgen daardoor een eigen dynamiek die blijft boeien. Ze zijn dan ook nooit “gezien”.

Esli Tapilatu

Openbaring 19:11-16

Materiaal en afmetingen

Gerondbreid / geborduurd, 2019

195 x 330 cm

Korte beschrijving

Eind 2018 droomde ik over Openbaring 19:11. In mijn droom zag ik heel helder het beeld dat Jezus terug komt op zijn paard. In het beeld zag ik als het ware een illustratie. Ik ervoer heel sterk dat ik deze afbeelding mocht realiseren in een wandkleed.

 

Mijn ontwerp werd geselecteerd om uitgevoerd te worden in het TextielLab van het TextielMuseum in Tilburg. ‘Openbaring 19:11-16’ is de eerste van een reeks van 12 uit de serie ‘Revelation-project’. In deze serie verbeeld ik 12 Bijbelboeken in de vorm van kleurrijke wandkleden die uiteindelijk samen geëxposeerd worden. Het is mijn verlangen dat elk van de wandkleden daarna terecht zal komen in een andere provincie van Nederland.

 

Over de kunstenaar

Esli Tapilatu studeerde Grafisch ontwerpen aan de Kunstacademie in Groningen. Op dit moment werkt Esli aan het realiseren van De Bloeiplaats, een veilige plek van creatieve aanbidding. Esli is ook initiator van Capital of Happiness ( creatieve projecten). Onder deze noemers werkt Esli als projectmaker en samen met zijn vrouw als pionier.

www.capitalofhappiness.com

 

Hanna van doornum

De Engel en de Kunst van de Natuur

Materiaal en afmetingen

spuitverf, acrylverf, O.I inkt, oliepastel, kleurpotlood en grijs potlood, 2018

32 x 32 cm

Korte beschrijving

Op de tekening ‘De Engel en de Kunst van de Natuur’ is een Renaissance figuur zichtbaar op en tussen verschillende vormen. De vormen zijn organisch en hebben hun oorsprong in de natuur (jaarringen van een boom, golven, rotsen, (nerven van) bladeren, wolken).

 

Een utopie zal voor mij een wedergeboorte van een wereld zijn waarin de natuur het terug wint van de mens en met de mens samenleeft op een manier die wij nu niet kennen. De mensen kunnen klimmen, zweven (hebben we daar vleugels voor nodig en zijn we een soort engel-mensen?), meevliegen met de gevleugelde insecten en de vogels. Onderdelen uit de natuur pakken en ordenen, plakken, neerzetten in de lucht en daar zijn. Zee en water in de lucht en open stukken in de zee. Gangen, slierten en kronkels, alles mengt en is terug te vinden op plekken waar je het niet verwacht. Het verrast, groeit en gaat altijd door, waardoor de verrassing elke keer een verrassing is.

 

Mijn oma had vroeger een tekst in haar kamer hangen: ‘Natuur gaat boven alle kunst’. Tijdens het maken van dit werk moest ik regelmatig aan die tekst denken.

 

Over de kunstenaar

Hanna van Doornum (Borger, 1983) woont en werkt in IJsselmuiden. In 2004 is ze afgestudeerd aan de eerste graads docentenopleiding tekenen aan de Hogeschool voor de Kunsten Constantijn Huygens in Kampen (het huidige Artez in Zwolle). In haar tekeningen en schilderijen ligt de nadruk op relaties tussen kleuren en vormen van elementen uit een reële wereld, (zoals (delen van) planten, (water)dieren, grassen, knoppen, schelpen, etc. ) ondergebracht in een gecreëerde wereld.

Naast haar werk als kunstenaar is Van Doornum werkzaam als docent tekenen en kunstgeschiedenis in het voortgezet onderwijs en geeft ze teken- en schilderlessen vanuit haar atelier.

www.hannavandoornum.nl

Karin van der Molen

Een wereldwijd web

Materiaal en afmetingen

mixed media, 2020

ca. 200 cm x 200 cm x 200 cm

Korte beschrijving

Een nieuwe hemel, een nieuwe aarde, het zijn visioenen in een toekomst waar we op mogen hopen. Een glanzende kubus, van zuiverheid en eenvoud. Mijn schets voor een nieuw te realiseren werk in de Westerkerk is geïnspireerd op een verbeelding van de wereld als weefsel van verbindingen. Het visioen van een nieuwe aarde wil ik vormgeven in een zwevende grote vierkante vorm, die bestaat uit vele lagen geknoopt (vis)net, verbindingen die tot in het oneindige door lijken te lopen. Van dichtbij beschouwd vangen touwtjes van andere kleuren in het binnenste van het beeld de aandacht. Het is een beeld van verbinding, relaties, resonantie. In deze (nieuwe) wereld staat niets of niemand op zichzelf en zijn alle deelnemers zich daarvan bewust.

 

De metafoor van de wereld als weefsel komt uit het mythische verhaal van ‘Het web van Indra’. Daar wordt de kosmos verbeeld als een soort multidimensionaal spinnenweb, geweven door Indra. Het web bestaat uit draden, met op ieder knooppunt een glanzende parel. Alle parels op hun beurt weerspiegelen elkaar. Zo is alles in het universum in elkaar gespiegeld en met elkaar verbonden. Elke individuele schakel bevat de hele werkelijkheid en is tegelijkertijd onlosmakelijk verbonden met alle andere schakels.

 

www.karinvandermolen.nl

Over de kunstenaar

Karin van der Molen studeerde aan de Vrije Academie voor Beeldende Kunst in Den Haag (1992-1994). Sinds 1995 werkt zij als onafhankelijk kunstenaar. Karin is professioneel lid van Arti et Amicitiae, Nederlandse Kring van Beeldhouwers, Yatoo-i en AININ.

Recent exposeerde Karin van der Molen in (2018 in) Green Body, Sonahmo Gallery, South-Korea / Pulchri Studio, Den Haag / Cultural Capital of Europe, Leeuwarden / Sense of Place, Leeuwarden / L’Art par la Nature, Grande Synthe, France / Echigo Tsumari Triennial, Niigata, Japan / Art in Bosco, Capriasca, Switzerland / Huis als Museum, Amersfoort / Arti et Amicitiae, Amsterdam.

 

In 2017 was haar werk te zien in X-Sites, Gothenburg, Sweden / Gallery Dat Bolwerck, Zutphen / Artroute IJhorst (Grensloos Kunst Verkennen), Nederland / Artborne, Oosterbeek / Tsukuba Art Center, Tsukuba, Japan / The Story of Space, Panjim, India / MOG Museum of Contemporary Art, Goa, India

 

www.karinvandermolen.nl

Winfred Evers

‘Angles / Angels’

Materiaal en afmetingen

fotoprint (geconstrueerde fotografie), 2020

82 x 112 cm

Korte beschrijving

In Openbaring 21:1 wordt onder meer gesproken over een zuiverheid als van kristallen. ‘Het kubieke element’ staat voor mij symbool voor ‘zuiverheid / bewustzijn van handelen’. De zuiverheid waarover gesproken wordt, overstijgt mijns inziens de egocentrische stem in de mens.

 

Trekt de omnipotente intelligentie in deze crisis plotseling aan de rem? Om de mens zijn eigen handelen voor te spiegelen, iets dat wij hiervoor, in onze maatschappelijke hectiek, nooit zouden zien? Staan wij in onze menselijke / maatschappelijke evolutie niet voor een ontwakend besef van een alternatieve intentie? Een nieuwe ‘intentie van handelen’, een bewustzijn van wel overwogen collectief belang, voorbij een overwegend persoonlijk belang.

Misschien volgt er een toekomst van ingehouden handelen en onthaasting die ruimte biedt aan een alternatieve voldoening. Een intelligente krimp tegenover almaar woekerende groei, waarbij we als alternatief de blik naar binnen richten in een meer tevreden Nu.

 

Het fotowerk toont ‘verheffing’ richting éénpuntige focus; de kubus, die met een kwetsbaar punt verbonden is. Een punt verbonden met een vleugelachtig element, dat zich in de breedte ontvouwt. De centrale éénpuntigheid in het beeld is een punt van verstilling en contemplatie; de meest innerlijke kern verbonden met het Al.

 

www.winfredevers.nl

Over de kunstenaar

Winfred Evers (1954, Haarlem) schikte in de vroege jaren ‘80 objecten tot kleine stillevens en maakte installaties. Hij experimenteerde daarbij net zo lang met vormen, texturen en schaduwen tot een sterke compositie ontstond, die hij met zijn

technische camera registreerde en na de sessie vernietigde. Nadat Evers – van meet af aan veeleer scheppend kunstenaar dan volbloed fotograaf – in 1992 digitaal ging werken, namen niet alleen zijn mogelijkheden om beelden te monteren en te manipuleren exponentieel toe, ook inhoudelijk deed zich een verschuiving voor: van spannende objets trouvés naar eigenzinnige stadsbeelden en collages met een soms nadrukkelijk symbolische lading.

Het werk van Winfred Evers kreeg een prominente plaats in vooraanstaande tijdschriften zoals European Photography, Perspektief, Camera Austria en American Photographer en is opgenomen in belangrijke collecties in binnen- en buitenland.
Eric Min kenschetste het werk van Evers: ’een parallel universum in het grensgebied tussen herkenbaarheid en

abstractie – hoogst individueel en universeel tegelijk’.
(Bron: Utopia of Light, 2019)

Judith Scholte en Jet van Helbergen

Auditief visioen ‘A Glimpse of Heaven, DIY in 20 minuten’

Materiaal en afmetingen

Hybride van filosofisch hoorspel, college en geleide meditatie  
Duur: 20 minuten

Korte beschrijving

De zoektocht naar de hemel op aarde is van alle tijden. En die hemel ligt altijd buiten ons, tenminste, dat denken we. Ook Judith en Jet zijn op zoek. Na een half leven vol seks, drugs en rock & roll komen ze tot het besef dat de hemel van buiten naar binnen halen een bodemloze put aan ontevredenheid voortbrengt. Is het hopeloze romantische motto ‘Dort wo du nicht bist, dort ist das Glück’ dan toch de slotsom? Een perpetuum mobile aan onvervulde verlangens, uitzichtloze luchtkastelen en prangend onvermogen? Daar nemen Judith en Jet geen genoegen mee.  Er moet een andere manier zijn.  Een radicale omkering van 180 graden lijkt de enige uitkomst.  Niet eenvoudig.  Wel biedt het een geheel nieuw palet aan mogelijkheden.  Met licht aan het eind van de tunnel. In het auditieve visioen ‘A Glimpse of Heaven’ word je op speelse en uitdagende manier, op grond van Westerse wetenschappelijke en eeuwenoude Oosterse kennis, uitgenodigd de blik naar binnen te keren, waar je een glimp kunt opvangen van een hemel op aarde. 

Ga lekker zitten, maak het jezelf gemakkelijk, doe de koptelefoon op en trek het oogmasker over je ogen. De rest wijst zich vanzelf.

Over de kunstenaars

Judith Scholte
Op jonge leeftijd ontdekte Judith het boek ‘Een einde aan de tijd’, een gesprek tussen spiritueel leraar Jiddu Krishnamurti en quantumfysicus David Bohm, over ‘de grond’ van ons bestaan. Dit was het begin van een levenslange zoektocht die haar naar bijzondere plekken leidde en bijzondere ervaringen bracht, waaronder 5 jaar als praktiserend Boeddhist.

Ondertussen bekwaamde ze zich in de podiumkunsten o.a. op Codarts Rotterdam, jazz zang, en ontwikkelde zich als dichter en later librettist. Judith schrijf, zingt en maakt theatervoorstellingen in een poging het onachterhaalbare te achterhalen, vaak geïnspireerd door beeldende kunst en vormgegeven binnen een actueel maatschappelijk thema. In deze producties werkte ze samen met o.a. componist Paul van Brugge (Gouden Kalf, 2005), jazzpianist Jeroen van Vliet (Boy Edgar Award, 2014) en theatermaker Martin van Waardenburg. 

www.judithscholte.com

 

Jet van Helbergen
Toen ze drie jaar oud was had Jet van Helbergen een ervaring van lichaamsuittreding die haar altijd is bijgebleven en heeft geleid in de zoektocht naar de vraag ‘Wie ben ik?’. Het zingen en de kunsten zijn hier altijd sterk aan verbonden geweest. Vanaf haar achtste zong ze in kinderkoren.

Later studeerde zij kunstgeschiedenis (Universiteit Leiden) en klassiek zang (Codarts Rotterdam). Na het afronden van haar studies werd zij gecoacht door mimespeler/acteur en regisseur Luc Boyer.

Jet van Helbergen is zangeres-verteller, sopraan en theatermaker. Haar programma’s zijn ‘muzikale vertellingen’ die gaan over het spanningsveld tussen het klassiek vocale repertoire en de belevingswereld van vandaag de dag. In haar projecten werkte zij samen met o.a. Marjolijn van Heemstra, Marien Jongewaard, Anoek Nuyens en Lizzy Timmers. 

www.jetvanhelbergen.nl

Judith Scholte en Jet van Helbergen
Zindzi Zwietering

Zindzi Zwietering

Solastalgia

Materiaal en afmetingen

Afmetingen: 9x40x50 cm
Materiaal: installatie van 9 foto-print op aluminum, ingelijst achter museumglas

Korte beschrijving

Het project Solastalgia neemt de drastisch geologisch veranderende wereld (het antropoceen) als gegeven en onderzoekt het menselijk perspectief hierbinnen. Solastalgia is een term die in 2005 uitgevonden is door filosoof Glenn Albrecht en betekent ‘heimwee’ hebben naar een plek waar je nooit bent weggegaan, maar die onder je voeten voor altijd is veranderd’. Toen ik hoorde van de term trof het me, dat deze ‘aan-doening’ wereldwijd waarschijnlijk epidemische proporties zal aannemen door klimaatverandering. Mijn doel is om deze vorm van heimwee visueel voelbaar te maken. Het project is in ontwikkeling en het proces van het project maken, is tentoongesteld in Voxpop (Uva) en het ISS (Institute for Social Studies, Den Haag).

Over de kunstenaar

Zindzi Zwietering (1992, Amsterdam) is fotograaf. In haar werk onderzoekt ze middels fotografie, hoe stadsbewoners zich tot de klimaatverandering verhouden. Haar werkterrein is de metropool en ze fotografeert dagelijkse, stedelijke situaties die vaak iets tijdelijks in zich hebben. Als kunstenaar voel zij het als haar missie om het onzichtbare te visualiseren.

In 2016 studeerde Zwietering af aan de KABK, Den Haag. Het boek van haar afstudeerproject, 160.000m2, An eerie calm, werd verkocht in o.a. het Stedelijk Museum en werd het boek onderdeel van de O.M.A. bibliotheek. Haar project Bron (2018) gaat over de watercrisis in Zuid Afrika. Het project werd tentoongesteld in o.a. WG-kunst en ISS Den Haag. Het project werd gefeatured door o.a. Paper-Journal en Broad Magazine. Afgelopen jaar werkte Zindzi aan een nieuw project onder de titel Solastalgia waarvoor zij geselecteerd werd als artist in residence door NARS Foundation, Brooklyn, New York.

Naast eigen projecten werkt Zwietering veel in opdracht en aan samenwerkingen, o.a. voor Kaltblut Magazine, The Independent Daily, Muze magazine en de Volkskrant. Zindzi is voor komend jaar geselecteerd voor de Werkbijdrage Jong Talent van het Mondriaan Fonds.

www.zindzizwietering.com

Helene Min

Wat in de lucht hangt

Materiaal en afmetingen

installatie, vissenhuiden, 2020

230 cm x ca. 120 cm

Korte beschrijving

De stormen in dit voorjaar gingen voorbij, gevolgd door de invallende stilte. Verlangend te begrijpen wat er in de lucht hing dat zo voelbaar werd, ontstonden wolkenvormen van vissenhuid als lichte en transparante ‘stemmen’, hoorbaar wanneer we luisteren naar wat de natuur ons zeggen wil. Aankondigers van een tijd waarin de aarde vraagt om hersteld te worden en wij de samenhang weer kunnen verstaan.

Dit werk is een verzameling ruimtelijke vormen die een geheel zijn. Als materiaal gebruik ik vissenhuiden, tongen, die in het vroege voorjaar gevangen worden. Deze worden nat tot een vorm gedroogd. Het geschubde oppervlak herinnert aan het water en de zee. Net als de wolken water dragen verbinden de wolken-huiden in mijn installatie beide elementen. 

 

Fotografie: Cees Hin

https://www.mediamatic.net/en/page/157208/helene-min

 

Over de kunstenaar

Helene Min, Bergen, 1948

 

Opgegroeid aan de kust werk ik sinds de Academie in Gent, in havengebieden;

IJmuiden, en de NDSM in Amsterdam Noord, waar de grenzen diffuus zijn en het licht inspireert.

Hier ontstaan projecten die vaak tijdelijk van aard zijn en die ik in tekeningen en filmpjes vastleg.

Ninette Koning

Grondgedachte

Materiaal en afmetingen

Boterbloemgeel-geverfde wilgentenen en gele tie rips

250 x 250 x 90 cm

Korte beschrijving

Ninette Koning stuurde een ontwerp in, zoals zij zelf omschreef “Een brug tussen hemel en aarde. Stevig geworteld in de grond, met een ontvankelijke, open kelk die zich richt naar het universum.” Ze reflecteert daarmee op de relatie tussen mens, medemens, aarde en hemel. De mensheid maakt deel uit van de natuur. Het lot van de individuele mens is verbonden met het lot van de gehele mensheid. De mens kan verandering op gang brengen door zichzelf te helen. Een levensstijl die zijn menselijkheid niet aantast noch die van de natuur. ‘Aangespoord door de verontwaardiging over de rücksichtslose wijze waarop wereldwijd bossen worden gekapt en dierensoorten worden uitgeroeid uit louter winstbejag, komt de bezinning op de relatie mens en aarde veel meer op scherp te staan. Deze verhouding is niet los te zien van de relatie mens-medemens. Daarbij kan dan ook de vraag op tafel komen hoe de universele levensenergie betrokken is bij de wereldwijde worsteling om een nieuwe verhouding tussen mens, medemens, natuur en kosmos te leven en te denken.’ (vrij naar: Bas van den Berg)

Over de kunstenaar

De kracht van de eenvoud binnen een chaos aan mogelijkheden.

De natuur heeft mijn interesse vanwege de talloze contrasten die zich hierin bevinden en die in directe verbinding staan met de mens. Contrasten als integratie en scheiding, chaos en orde. Deze zijn aan constante veranderingen onderhevig. De natuur is altijd in beweging. Om mijn kunstwerken te intensiveren onderzoek ik deze contrasten. Achter de chaos van contrasten schuilt sereniteit in eenheid.

Er is vaak een charisma van natuurlijke sereniteit en soberheid in mijn werken, een evenwicht verkregen door de contrasten.

Margriet van Breevoort

Totem

Materiaal en afmetingen

per los mensfiguur ca. 70 x 40 x 40 cm, per toren van drie 210 x 40 x 40 cm
Materiaal: siliconen, kunststof/hout

Korte beschrijving

De mens heeft zich in de toekomst in zoverre geëvolueerd dat hij door alle regels en organisatie structuren daadwerkelijk vierkant is geworden. Efficiënter kan niet. Hij is zelf het product geworden van zijn moderne maatschappij, ingekapseld door de technologische samenleving. We zijn onderdeel geworden van een groter organisme. Bijna als een soort Huxley-achtige dystopie, waar elk mens als product een eigen functie krijgt en niet meer leeft om te leven maar om deze functie te vervullen voor het grotere geheel. Tegelijkertijd verafgoden we onszelf. Wij zijn de climax van de evolutie. We kunnen alles. Wij zijn god. De losse rechthoekige mensfiguren staan als totempalen opgestapeld om zo deze futuristische mens te kunnen aanbidden.

Over de kunstenaar

Margriet van Breevoort werd geboren in Amsterdam in het jaar 1990. Ze studeerde aan de Hogeschool voor de kunsten Utrecht en behaalde in 2013 haar diploma.
Haar werk betreedt een dunne scheidslijn tussen het uitzonderlijke en het onmogelijke en laat de kijker een buitengewone wereld ervaren door het gebruik van hyperrealistische beeldhouwtechnieken.
Met haar werk probeert ze een netwerk van tegenstellingen te benadrukken, waaronder de dialectiek tussen mens en natuur, het organische versus het technische, en de schuld en onschuld.

Ze verwondert zich over een natuur die enkel onder voorwaarde van de mens kan bestaan en probeert deze twijfel over wat men de natuur in het Antropoceen noemt weer te geven in haar werk. Vragen over authenticiteit drijven daarom de totstandkoming van veel van de werken die ze maakt. Kunnen we nog wel spreken van het ‘natuurlijke’ als alles wat de mens als natuur beschouwt, is beïnvloed door en bestaat bij de gratie van de mens zelf?

 

 

 

cissy van der Wel

Where the light is

Materiaal en afmetingen

Albast en Esdoorn

50 x 30 x 15 cm

Korte beschrijving

Dit werk is gemaakt in de eerste weken van de corona crisis. Het vloeide als het ware uit mijn handen. De kolommen van albast had ik liggen in het atelier en ook het stuk esdoorn. Dus de materialen waren voorhanden. 

Het werk vloeit voort uit een thema waar ik al een tijdje door gefascineerd ben: “wortelen” en het “ontworteld” zijn in een land, een cultuur, een maatschappij, op een plek.

Wat betekent het voor een mens om geworteld te zijn? En het ontworteld zijn dan? Hoe ervaren mensen dit?

Where the light is.

De wortels steken met hun kopjes boven de aarde uit.

Albast heeft de eigenschap dat het transparant is. De kopjes geven daardoor als het ware licht.

In deze tijd van verwarring en onzekerheid is het belangrijk om geworteld te zijn. Om terug te kunnen vallen op bepaalde zekerheden als een plek, werk en jouw specifieke sociale omgeving. 

De twee kolommen van albast zijn verbonden met esdoornhout dat op dezelfde manier bewerkt is als de steen.

Om dit beeld een corona – beeld te noemen gaat me te ver. Maar zou ik het ook zo uitgevoerd hebben in een andere, meer normale, tijd? 

Het beeld mondt uit in transparante toppen en daar heb ik helemaal naar toe gewerkt, zodat het als het ware “licht” geeft.

Naar het licht is mijn visioen.

 

Over de kunstenaar

Het materiaal dat Cissy van der Wel gebruikt is voornamelijk natuursteen. 
De processen in de natuur zijn een belangrijke inspiratiebron. Denk bijvoorbeeld aan de vorm van een spiraal in een groei- en transformatieproces.
In deze tijd waarin men de termen snel en vluchtigheid maar al te goed kent, is het werken in steen net als de natuur van een andere orde. Het gaat bij beiden langzaam. Beelden in steen stralen rust uit en nodigen uit tot bezinning. Beeldhouwen is voor Van der Wel spelen met licht en donker, ruimte en massa, om zo al ordenend tot een evenwichtig en helder beeld te komen.

  

www.cissyvanderwel.nl

 

Hans Stapel

Nieuwe hemel en aarde

Materiaal en afmetingen

Gemengde technieken op doek

100 x 70 cm

Korte beschrijving

Het schilderij verbeeldt de huidige wereld op de voorgrond die zucht in de barensweeën. Ondanks de verbrokenheid gaat God met zijn wereld door en zijn en ontstaan er telkens weer nieuwe openbaringen van Gods werk en aanwezigheid (het goud op de voorgrond). Echter de nieuwe wereld waar we zo naar verlangen, komt er aan. Thans nog verhuld maar de contouren tekenen zich al af (de tweede wereld op de achtergrond). Witte plekken maskeren die nieuwe aarde nog maar die wereld zal vol zijn van zijn heerlijkheid. Die nieuwe hemel en aarde zijn alleen mogelijk gemaakt door het lijden en sterven van Jezus aan het kruishout (de donkere, horizontale dwarsbalk). Het kruis dat verbinding gemaakt heeft met de wereld waarin we nu leven en straks wat we in volheid zullen ervaren: de nieuwe hemel en de nieuwe aarde.

www.hansstapel.nl

Over de kunstenaar

Na een vijfjarige kunstschildersopleiding op De Werkschuit te De Bilt is Hans in 1996 zelfstandig bij het schilderscollectief Austerlitz gaan schilderen.

Hans werkt met acrylverf. Hij richt zich met zijn schilderijen (panelen en doeken) hoofdzakelijk op abstracte kunst, vanwege de vrijheid die deze kunstvorm biedt. Het gaat er bij hem niet om wat er is afgebeeld maar hoe dit is gebeurd. Hans gebruikt aardetinten, organische lijnen en -vormen, en combinaties van materialen. Een deel van zijn werken over het ontstaan van het leven en de toekomst van de wereld komen tot stand door Bijbelse inspiratie.

 

hansstapel.nl

 

Margreet Sweerts en Saskia van Drimmelen

Tabledress/

Tablespeech Aruba

Materiaal en afmetingen

Video / mixed media, 2011

Korte beschrijving

 

Het werk verbeeldt een vrouwelijk alternatief voor de vele tafels waaraan voorheen formele en informele zaken werden gedaan, waar vaak machtige mannen een tafelspeech hielden. Het gaat over generositeit en wederkerigheid, over de cyclus van voeden en gevoed worden. Uitgangspunt voor Tabledress is altijd de overvloedige rijkdom van wat aanwezig is, aan talent en technieken, en wat de natuur ter plaatse biedt. Het roept op tot een toekomstig handelen gebaseerd op vertrouwen, overvloed en zorg.

Tabledress/Tablespeech Aruba kwam tot stand op Aruba op uitnodiging van UNOCA en SALON; een kunstwerk van Margreet Sweerts en Saskia van Drimmelen i.s.m. een bonte verzameling lokale ontwerpers en borduurliefhebbers vanuit collectief Painted Series.

Over de kunstenaar

Eveline Boonstra-Nieboer

Nieuw Jeruzalem

Materiaal en afmetingen

Mixed media op doek

100 x 140 

Korte beschrijving

Het nieuw Jeruzalem wordt ons gegeven. Het komt vanuit de hemel naar ons toe, als een bruid mooi gemaakt voor haar bruidegom. Met paarlen poorten en straten van goud.

 

Over de kunstenaar

Eveline Boonstra-Nieboer (1967, Groningen) woont en werkt in Huizen (Noord Holland). Ze schildert zowel landschap- en met name zeegezichten als ook portretten. Naast deze onderwerpen maakt ze ook schilderijen met een voorstelling geïnspireerd op de bijbel. Als echtgenoot van een predikant, is ze goed thuis in de bijbel. Ze werkt met verschillende materialen, meestal op doek. Eveline heeft lessen gevolgd aan de Gooise Academie voor beeldende kunsten, met name bij Lex Goes. Voor het maken van (semi)abstract werk heeft ze lessen genomen bij Ivan Mijatovic. Eveline exposeert regelmatig. Haar portret van Willem-Alexander is aangekocht door de gemeente Huizen.

www.evelinenieboer.exto.nl

 

Iris Box 

Fragments of life

Materiaal en afmetingen

mixed media: glas, hout, mos, haar, lava steen, vissengraatjes, bot, klei, bladeren en nog veel meer

6 x 2,5 x 3,10

Korte beschrijving

 Fragments of life is een ruimtelijke installatie die multidisciplinair kunstenaar Iris Box in eerste instantie ontworpen heeft voor de oude Engelmunduskerk in Velsen december 2019.

Box begon het ontwerp op basis van de contrastwerking tussen architectuur van een kerk en die van een ‘zwerm’ van zo’n tweeduizend kleine voorwerpen die aan bijna onzichtbare draden geknoopt zijn. Van de strenge lijnen is alleen het ‘dakwerk’ overgebleven waaraan hangende draden van aflopende lengte bevestigd zijn.

De vorm van het werk is geïnspireerd op een spreeuwenzwerm en zweeft los in de ruimte. Aan elke draad zijn vele en veelsoortige voorwerpen geknoopt die allemaal met de natuur te maken hebben.

Het werk is persoonlijk omdat elk onderdeel verzameld is tijdens zwerftochten of betrokken is uit de directe omgeving van de kunstenaar. De voorwerpen variëren dan ook van stukjes lavasteen tot rozenbottels en van hertenbot tot visgraat. Het geheel is een -letterlijk en figuurlijk- licht geheel waarin op een elegante manier het leven net zo goed gevierd wordt als de vergankelijkheid ervan.

De nieuwe wereld van kunstenaar Box is een wereld waarin alle onderdelen van de wereld, mens, natuur en dier op een evenwichtige manier samenleven.

https://vimeo.com/373932456

 

Over de kunstenaar

Iris Box is een multidisciplinaire kunstenaar die is geboren in Amsterdam, Nederland (1987).  Van 2006 tot 2010 studeerde ze fotografie aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag. Na het starten van een eigen fotostudio besloot ze van 2015 tot 2017 haar master te gaan doen aan het Sandberg Instituut (Materialisatie in kunst en Design). 

Box onderzoekt in haar werk de relatie tussen de mens en zijn natuurlijke omgeving. Door natuurlijke objecten te herschikken en opnieuw te construeren, probeert ze de kijker een idee te geven over de tijdelijke en kwetsbare toestand van de aarde.  Onderliggende thema’s in haar werk zijn chaos versus orde en natuur versus cultuur.

Haar werk is gepubliceerd in Hollands Diep en Volkskrant Magazine. Ze heeft opdrachtwerk gedaan voor reclamebureaus en organisaties als Nederlands Dans Theater, Pakhuis de Zwijger, Kessels Kramer, Cloudfactory, Rituals en kleinere gezelschappen. 

Haar werk is tentoongesteld in kunstruimtes zoals Looiersgracht 60, EYE Amsterdam, Burgerweeshuis, Vishal, Projectspace Lauriergracht 160, Zoete-Broodjes, Tijdelijk Kunstcentrum, Antiekbeurs ’s Hertogenbosch en & Foam.

www.iribox.org

Felipe van Laar

Narthex

Materiaal en afmetingen

Afmeting: circa 2,5 x 1 x 3 m (LxBxH – ovb)

Materiaal: gips, balkhout, plaatmateriaal

Korte beschrijving

De narthex is de voorhal of het portaal van een kerkgebouw. Het is een overgangsruimte waarin de bezoeker gevraagd wordt de dagelijkse beslommeringen van zich af te laten vallen en zich te richten op het ontastbare en het onbekende; waarin het menselijke verlangen naar iets dat buiten haar ligt zichtbaar wordt. Het werk dat Felipe van Laar zal maken voor NIEUWE AARDE is een ode aan deze overgangsplek.

 

“In mijn werk onderzoek ik bouwwerken waarin het kantelpunt tussen materialiteit en betekenis voelbaar is. Ik vind dit moment vaak terug in werken die nog in opbouw of juist in verval zijn: bouwwerken die nog niet, of niet meer, zijn geabsorbeerd door hun betekenisgevende functie. Ze zijn er simpelweg. We zien hoe de ontwerper zocht en de bouwers zoeken, maar weten nog niet hoe het werk eruit komt te zien. Een bouwwerk in ontwikkeling is een plaats voor onderzoek en twijfel, hoopgevend en kwetsbaar tegelijk.

 

Narthex kan worden gezien als een onaf monument voor de eeuwige menselijke zoektocht naar betekenis. Het werk is een bewerking van mijn eerdere werk Apsis (2020; zie foto). In plaats van horizontaal, plaats ik de afbrokkelende gipsen curve nu verticaal – in de richting van de hemel, als een portaal in opbouw. De boog zal ik verder doortrekken, waarbij ik losjes de vorm van een roosvenster volg.”

Over de kunstenaar

Felipe van Laar (1988) woont en werkt in Utrecht. Hij studeerde bouwkunde en ontwikkelde zich na zijn afstuderen tot beeldend kunstenaar. Met deze architectonische achtergrond als uitgangspunt creëert hij grote ruimtelijke installaties en sculpturen die de kwetsbaarheid van architectuur benadrukken.

 

Zijn werken tonen transparantie en proberen anderen te wijzen op de rust en rijkheid van onbewerkt bouwmateriaal, een half afgebroken constructie, de zorgvuldige verbindingen tussen materialen of de achterkant van een façade. Hij is gefascineerd door het precieze ogenblik waarop sacraliteit in architectuur ontstaat, of verdwijnt. Zijn werken tonen zich dan ook vaak onbepaald en onaf, als momentopnamen van deze zoektocht naar iets hogers, vastgelegd in de tijd.

www.felipevanlaar.nl

Peter van Loon

On sonne | Muziekmachine

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 110 x 100 x 40 cm
Materiaal: Betonijzer, diverse bronzen bellen, vergrootglazen

Korte beschrijving

Peter van Loon waarschuwde bij zijn inzending: “Er wordt geen deuntje afgespeeld.” Zijn werk On sonne refereert wel aan geluid: sonner (Frans) (aan) bellen, luiden, klinken, een teken geven. Degene, die aan de slinger draait brengt een keur van bellen aan het klinken. Dat klinkt natuurlijk sprankelend en helder, maar het is ook een moment van aandacht. Attentie, voor wie de klok luidt, alarm of waarschuwing. Blijven de muren overeind?
Sonner. Het is ook het carillon dat in stille land weerklinkt en een dromerig verlangen oproept. Als er rustig aan gedraaid wordt. Iets om over na te denken?

Over de kunstenaar

Het motto van Peter van Loon, een Haagse kunstenaar die z.g. muziekmachines maakt, is “Ik bouw tot het beweegt en klinkt.” “Kenmerkend voor mijn werk is een behoefte aan participatie van de toeschouwer. Zonder de actieve handeling van het publiek is er geen geluid, geen beweging; de tijd staat stil, het werk is onvolledig. Mijn muziekmachines zijn gelaste constructies. Het hoofdmateriaal is betonijzer; ik heb dit materiaal verkozen omdat: – het een grote grafische kwaliteit heeft, dankzij de vorm en structuur; – het soepel verwerkbaar is; – het grote consequente toepassingsmogelijkheden heeft; – in veel verschillende diktes verkrijgbaar is; – het een opvallend mooie klank heeft; – en het de toegepaste techniek inzichtelijk maakt, waardoor de bewegende onderdelen de dynamiek van de beweging accentueren.”

Claudia De Vos

Atmos Spheres

Materiaal en afmetingen

Keramiek met wit bladgoud (13,6 kr), vijf natuurlijke geuren, perspex, sokkels, tafel, stof, 2019

Korte beschrijving

Geur roept associaties op, generale en super persoonlijke. Het huis waar je woonde, de partner die je liefhebt, de oma op wie je zo dol was. De geurkunst installatie ‘Atmos Spheres’ bevat geuren en symbolen die precies dat doen: je uitnodigen om in gesprek te gaan, om verhalen te delen en op zoek te gaan naar verbinding en samen ‘nieuwe rituelen’ te introduceren. Een inzending die wel echt de Westerkerk nodig heeft om tot zijn recht te komen….. Half juli weten we meer!

Video

 www.geurambassadeur.nl

Over de kunstenaar

Claudia de Vos, geurambassadeur: “Na het voltooien van de kunstacademie (HKU) ben ik met name bezig geweest met beeldende kunst en de commerciële toepassingen daarvan in de media. Door de jaren heen heb ik een steeds grotere interesse gekregen in de werking van zintuigen, waarbij de reukzin, natuurlijke geuren en geurbeleving mijn grootste fascinatie had. Inmiddels is dit het hart geworden van de beeldende kunst die ik maak. Installaties en objecten met geur waarin de psychologische werking en symboliek van geur steeds een prominente plaats inneemt.


Master of Arts (MAP-D) | HKU  Hoge school voor de kunsten Utrecht ‘89”/ Natuurgeneeskundige Aromatherapie | SBA Cum laude ’06 / Jungiaanse psychologie | Odrerir  ’07 / Lid van kunstenaarsvereniging  ‘De Onafhankelijken’  te Amsterdam

 

www.geurambassadeur.nl

Moniek Westerman

Bladgoud

Materiaal en afmetingen

Duizenden bladeren, goudverf

Doorsnee ca 250 cm

Korte beschrijving

In de veel te droge zomer van 2018 zag ik de bladeren voortijdig droog en verschrompeld op de grond vallen. ‘Het klimaat is aan het veranderen: what the hell?’ De blaadjes, eerst pakte ik een paar, waren bijzonder gekruld, aangevreten, vervormd. Om hun tijdelijke vorm, tussen groen blad en compost, te behouden, bewerkte ik ze met metaalverf, in alle varianten goud, maar ook staalgrijs, zilver en koper. Het goud overheerst – het goud is wat glans geeft, glimmer, vuur, licht en hoop. Goud hoort vanouds in de hemel en in een kerk, zij het niet in de bedompte, protestantse kerk van mijn jeugd. Goud verbijzondert. Elk blad is stuk voor stuk met de hand geschilderd of gespoten. Door mijn handen gegaan, allemaal even mooi. De veelvormigheid van de natuur verbeeld.

Over de kunstenaar

Moniek Westerman is een beeldend kunstenaar uit Groningen. Ze is afgestudeerd aan de Academie Minerva Groningen en lid van de Nederlandse Kring van Beeldhouwers: “Materie, door de mens aangeroerd, fascineert mij. Hoe verhouden wij ons met de dingen? In de grofstoffelijke wereld zoek ik – tussen de veelheid – naar beelden. Van bouwwerken tot onooglijke dingen, ‘spulletjes” en voorwerpen: materie kent een enorme dynamiek, vandaag de dag. Het één is nuttig, het ander totaal zonder bestaansrecht. Alles is altijd onderhevig aan de sterke menselijke drang naar verandering en vernieuwing. Er is een continue ‘kringloop’ van materie, waarbij alleen uitverkoren (veelal oude) dingen, de dans ontspringen. Maar niet alleen die ‘antiquiteiten’ vertellen een verhaal. Ik ben gek op ‘alles’ dat afgedankt is. Een favoriet rijtje: ‘zolder, rommelwinkel, e-bay, vrijmarkt en vuilstort’. Verontwaardiging over de zinloosheid van iets, kan raken aan ontroering over hetzelfde ding. Dit ‘kijken en beleven’ èn het verzamelen is een belangrijk deel van mijn beeldende kunst. Vanuit deze belangstelling voor ‘materie’ is het maar een kleine, logische stap naar ‘materialisme’ en hebzucht. Daardoor ontstaat er veelal een maatschappij-kritische ondertoon in het werk. “Wat wordt nog gekoesterd?” is mijn vraag. Containerschepen meren dagelijks aan. Vuilcontainers vullen zich net zo frequent met overcomplete spullen. Oude dingen werd de tijd gegund om een plek te veroveren, om ‘sporen’ te krijgen als markeringen van gebeurtenissen. Maar heeft een ‘oude’ I-Pod (type ‘vorig jaar’) dat ook, als het afgeschreven naast de nieuwste versie ligt? Misschien. Als een rode draad in mijn werk loopt de vraag: “Does it matter?” Méér, en eindeloos alles.

moniekwesterman.nl

Pat van Boeckel

En de zee was niet meer

Materiaal en afmetingen

Video

Korte beschrijving

‘Mijn’ nieuwe aarde is somber, donker en het regent. We zien bijna niets en horen in de verte de zee en het tikken van de regen op het dak van de auto. Veel somberder kan een nieuw Jeruzalem er bijna niet uitzien. De waarschuwing van Johannes lijkt mij niet om ons te laten weg zweven naar een stralende toekomst die er sowieso wel gaat komen. Maar in plaats van passief te worden de hoop levend te houden dat we ‘de aarde trouw’ kunnen blijven. De zee met andere ogen en oren zullen ontvangen.

Over de kunstenaar

Als filmmaker had Pat van Boeckel zich al in het documentaire filmgenre gespecialiseerd, toen hij zijn eigen pad in videokunst ontwikkelde. Het merendeel van zijn documentaires is uitgezonden op de Nederlandse  televisie en vertoond op internationale festivals. Zijn onderwerpen hebben vaak een social geëngageerde,  filosofische achtergrond, en lopen uiteen tussen kunst, ecologie, inheemse volkeren en spiritualiteit.

Zijn video-installaties onderzoeken de relatie tussen mensen en hun (natuurlijke) omgeving. Hij spiegelt in zijn werk aspecten van het hedendaagse leven met waarden die verloren zijn gegaan door een voortrazende ontwikkeling. Over het algemeen wordt zijn werk gekenmerkt door een schijnbare eenvoud, terwijl hij bewust speelt met symbolen en de verwachtingen van de kijker. Het trage tempo contrasteert het met de snelheid en de vluchtigheid van de moderne visuele cultuur.

In plaats van zijn werk op een scherm te projecteren, prefereert Pat van Boeckel projectie op objecten of delen van een gebouw, waardoor nieuwe lagen aan het bewegende beeld worden toegevoegd. In zijn laatste videowerken zoekt hij combinaties en samenwerking met hedendaagse gedichten en dichters.

Patvanboeckel.nl

rieteke hoogendoorn

Mijn Visioen

Materiaal en afmetingen

Katoen

155 x 155 cm

Korte beschrijving

Rieteke Hoogendoorn maakte met de hand een quilt van 155 x 155 cm, uit katoenen stoffen. ‘Mijn visioen’ heet het werk, duidelijk geïnspireerd door Openbaring 21. Haar visioen is opgebouwd uit een gouden kubus, met een fundament van edelstenen: het nieuwe Jeruzalem. De hemel omringt de aarde en heeft een open verbinding met haar. Cirkels zijn het symbool van eeuwigheid en geborgenheid, de gouden cirkel een uitbeelding van Gods aanwezigheid onder de mensen. De groene cirkel symboliseert de levensboom bij de rivier, de blauwe baan de rivier waaraan de boom staat geplant. Het paars in het visioen verwijst naar ons leven van nu, dat beschenen wordt door lichtstralen vanuit de hemel. We zijn op weg naar het grootste feest, met de hemel in ons hart.

Over de kunstenaar

Rieteke Hoogendoorn (1955) maakt al bijna 30 jaar quilts, waarin niet alleen de kleuren- en patronenpracht voorop staat, maar ze ook graag iets van Gods liefde doorgeeft. Met de symbolen van geloof, hoop en liefde maakte ze haar eerste ‘Bijbelquilt’. In de loop van de jaren werd ze door zelfstudie expert in de symboliek van kleuren, bloemen, getallen en vormen. In elke Bijbelquilt is er iets van deze symboliek terug te vinden. Het quilten is ondertussen uitgegroeid tot haar dagelijks werk. Ze krijgt opdrachten van particulieren, kerken en instellingen. Ook geeft Rieteke lezingen, workshops en exposeert ze regelmatig. De quilts worden allemaal met de hand gemaakt, met gebruik van zoveel mogelijk traditionele technieken. Ze werkt zowel abstract als figuratief, maar een combinatie van deze twee spreekt haar het meeste aan.  

www.quiltkapel.nl

sophie thedinga

“Wat kan zijn, dat is. En wat was, is nog steeds.”

Materiaal en afmetingen

Glas, collages (papier)

 24 x 31, 15 x 47 en 30 x 44 cm

Korte beschrijving

Versnipperde fragmenten klinken door elkaar en wat geweest is, galmt na. Het ligt achter ons, maar is met ons. Ook de afwezigen bewandelen deze wereld. Zij bewegen zich door alle tijd en ruimte. Dat wat eerder niet waarneembaar was, heeft zijn plek gevonden en gekregen. De aardse wereld in een kosmisch bestaan, ze zijn niet langer te onderscheiden.

Over de kunstenaar

Sophie Thedinga (1997) is afgestudeerd als docent Beeldende Kunst & Vormgeving. Ze houdt zich bezig met vragen als ‘Wat denk ik te kennen en wat ken ik echt?’, ‘Wat bevindt zich buiten wat ik direct kan waarnemen?’ en ‘Kan ik met mijn aardse bestaan iets van het mystieke ervaren of kan ik het slechts vermoeden?’. Verwondering en bevragingen over de wereld (zowel waarneembaar als niet) zetten haar aan tot maken: het ontastbare, voelbare vorm geven. 

www.sophiethedinga.com
Instagram: @fietjefietje

marloes Moraal 

De omhelzing

Materiaal en afmetingen

Fotoprint in baklijst

80 x 60 cm

Korte beschrijving

De nieuwe wereld ontstaat van binnenuit, vanuit liefdevolle zelfcompassie kunnen we pas echt oog hebben voor de rest van de wereld. Daarvoor moeten we wel eerst naar binnen kunnen kijken. Dit is niet altijd even makkelijk. Daarbinnen zijn ook pijnlijke en moeilijke stukken te vinden.

Dit recente werk gaat over die zoektocht naar binnen. Wie ben ik en hoe kan ik mezelf liefhebben en liefdevol omhelzen. Er zit ook veel pijn maar doordat te zien en te voelen kunnen we weer verder.

Door uiteindelijk echt naar onszelf te kunnen kijken en onszelf lief te hebben, ontstaat het nieuwe goud en kunnen we de nieuwe wereld gaan vormgeven.

 

Over de kunstenaar

Opgeleid als bioloog en onderzoeker heb ik verschillende jaren op dit gebied gewerkt. Nadat mijn tweede kind was geboren, begon ik met fotografie te experimenteren. Mijn werk gaat over vragen als; wat is zelfbewustzijn en zelfacceptatie en waar kun je dit in jezelf vinden? Ik manipuleer in meer of mindere mate de lichaamshouding van de geportretteerde, wat resulteert in een vervreemding en zekere eenzaamheid. Dit helpt om beter te kijken en contact te maken met de emotionele laag van de foto. Mijn afbeeldingen bestaan uit tientallen foto’s en lagen die zorgvuldig digitaal zijn gemanipuleerd. Mijn werk is meerdere malen geëxposeerd.

Balta (Anne-Marie Durand)

“The average color of paradise”

Materiaal en afmetingen

print op papier, standaard in principe plexiglas

 210 x 280 cm

Korte beschrijving

In dit werk wordt een visioen verbeeld waarin de mens zich op een wezenlijk ander bewustzijnsniveau blijkt te bevinden. De toekomstige mens komt steeds meer los van de aardse geneugten, de zoektocht naar zogenaamde paradijselijke oorden, en verwezenlijkt daarentegen een steeds verdergaande spirituele transcendentie. De mens treedt binnen in een mentale ruimte en ervaart de kracht van het meest kostbare onderdeel van zijn existentie: zijn geestelijk leven. 

“Het werk heeft tijdens de coronacrisis vorm gekregen. Ik heb – binnen de geldende restricties voor fysieke verplaatsingen al ‘surfend’ op internet – beelden verzameld van toeristische oorden. Van 100 geselecteerde foto’s heb ik voor elke afbeelding een gemiddelde kleurwaarde (average color) berekend. De getoonde installatie bestaat uit miniaturen van die foto’s (op de standard) en de daarmee corresponderende ‘average color’.

Over de kunstenaar

Anne-Marie Durand is geboren in Frankrijk en werkt onder de naam Balta. Voor haar is de vanzelfsprekendheid van (moeder)taal, omgangsvormen, gewoonten, nationale geschiedenis etc. doorbroken. Deze persoonlijke plaatsbepaling levert een nieuwe kijk op haarzelf en de wereld op. Anders benoemen betekent anders kijken. In haar werk onderzoekt ze elementen die verband houden met de culturele identiteit van samenleving en individu. De thematiek waar zij zich de laatste tijd op concentreert gaat over fictie en werkelijkheid, beeldvorming en manipulatie.

marieke thomassen

Sensing consistancy, an ode to the sea nr.3

Materiaal en afmetingen

krijt op doek

130 x 120 cm

Korte beschrijving

In dit beeld heb ik twee werelden door elkaar geschoven. Enerzijds de zichtbare wereld (in dit geval lucht, zee en de skyline van Terschelling), anderzijds suggesties van patronen en ordeningen die door het beeld lopen.

Suggesties, vermoedens van samenhang en zinvolle organisatie. Een beleving van eenheid in beeld. Dat is voor mij de nieuwe aarde. Niet als utopie in een verre toekomst maar als  mogelijkheid nu – om verbonden te zijn en je onderdeel van het geheel te weten.

 

Over de kunstenaar

Ik ben Marieke Thomassen, schilder en tekenaar. Ik ben gefascineerd in kantelmomenten in de waarneming en de beleving. Het moment waarop tegenstellingen samen iets nieuws creëren en hun inwisselbaarheid laten zien. Ik zoek graag het midden, wat is het raakvlak tussen orde en chaos, tussen toeval en sturen, tussen beweging en verstilling ?

Een paar keer per jaar ga ik naar de wadden om te werken. Ik houd van het fysieke aspect  van tekenen te midden van wind, water, lucht en beweging.  Ik maak stapels snelle studies die in het atelier weer inspiratie zijn voor werken die ontstaan in een veel langzamer proces om de essentie van de beleving te laten rijpen en vorm te laten aannemen op het doek.

Carla Emmink

Roze Sterren

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 70 x 90 cm
Materiaal: Acryl op doek

Korte beschrijving

Mijn nieuwe wereld heb ik op het doek getracht te verbeelden. Mijn schilderij ‘Roze Sterren’ gaat over het feest om te vieren wie je bent en te houden van wie je wilt: vrouwen die van vrouwen houden, mannen van mannen, travestie en andere uitingen van liefde. Het zijn en samenzijn van de vrienden is ongecompliceerd en geaccepteerd. De vrouw met de baard vraagt of dit altijd en overal zo kan zijn en blijven. Het regenboogsymbool zweeft als een heilige geest boven de tafel met gasten.
De hond geeft aan: “blijf van hen af, laat hen met rust”.

De nieuwe wereld is een wereld van vrijheid, acceptatie en tolerantie.

In mijn schilderij zijn te zien de Roze Sterren, Roze Sterren die stralen. ‘Roze Sterren’ is vanwege mijn liefde voor het schilderij van Leonardo da Vinci en de gevoeligheid van het thema geïnspireerd op diens ‘Het laatste avondmaal’

Over de kunstenaar

“Verwondering voelde ik op het moment dat ik me er van bewust werd dat ik als kunstenaar alles mag uitbeelden wat in mijn gedachten komt en mag uitbeelden hoe ik mijn ontwikkeling beleef en mijn eígen wereld kan creëren.

Vanuit mijn streng protestants-christelijke opvoeding was er geen plaats voor mijn seksuele geaardheid. Dit gegeven heeft mij jarenlang bepaald en geblokkeerd tot het moment dat ik inzag dat het niet verkeerd is om als vrouw van vrouwen te houden en dat ik van mijn God wel homoseksuele gevoelens mag hebben. Over deze ontdekking van vrijheid voor mezelf wil ik tekenen en schilderen.”

 

Gígja Reynisdóttir

Tamar amar

Materiaal en afmetingen

Schetsontwerp uitgeknipt in papier. Het daadwerkelijke kunstwerk wordt uitgesneden in messing

144 x 40x 9 cm

Korte beschrijving

Het muurobject Tamar Amar ( in het Hebreeuws: de palmboom spreekt) is een roep om verbroedering in een nieuwe en rechtvaardigere wereld. Het kunstwerk, een palmtak met daarop een stoet menselijke figuren, verbeeldt een toekomstdroom. Een toekomst waar we mensen elkaars onderlinge verschillen niet meer zullen verguizen maar zullen waarderen. Waar we de tweedeling in ons maatschappij, Wij versus Zij, van ons af zullen werpen om samen een Nieuwe Aarde te creëren, waar saamhorigheid, verbondenheid en verbroedering het ultieme sterven zal zijn.

Zoals de feniks vernieuwt uit zijn as stijgt, stijgen wij op naar een nieuwe wereldorde en een nieuwe aarde. De legende leert ons dat de feniks om de 500 jaar een nest boven in de top van een palmboom bouwt. Vandaar dat de Griekse naam voor palmboom Phoinix is. De twee zijn verbonden. Evenals, in de Bijbel, is de palmboom een symbool voor de Boom des Levens en is de palmtak een symbool voor de overwinning en vreugde.

Door deze symboliek samen te voegen, met de roep om verbondenheid, hoop ik een blik te kunnen geven op het vermogen, van ons mensen, om samen een nieuwe en rechtvaardigere wereld te stichten.

 

Over de kunstenaar

Gígja Reynisdóttir is een IJslandse kunstenaar die al ruim 25 jaar in Nederland woont en werkt. Ze behaalde haar MFA aan het Sandberg Instituut in het jaar 2000 en is sindsdien werkzaam als kunstenaar in haar woonplaats Bergen, Noord-Holland. 

Het werk van Gígja Reynisdóttir bestaat zowel uit driedimensionale objecten, die zij knipt uit papier, metaal of plastic folie, als uit fijne potlood- of krijt tekeningen op gedroogde plantenbladeren. 

De inspiratie voor haar werk haalt Gígja Reynisdóttir uit natuurlijke vormen en vegetatie, die zij vervolgens verweeft met de contextuele onderwerpen die haar haar bezig houden. Dat wil zeggen: de menselijke conditie.

Als kunstenaar onderzoekt zij de lichamelijke en psychologische ervaring van het mens zijn en de complexiteit van menselijke emoties, relaties en de maatschappij.

 

Petra Moes

Stilleven met Bermbloemen

Materiaal en afmetingen

Foto op dibond

100 x 75 cm (of groter)

Korte beschrijving

Over het werk In de beperkingen rondom Covid-19, nam de actieradius af en zijn op die vierkante meters veel ‘gewone’ dingen herontdekt. De buren, de planten in de tuin, de relaties met huisgenoten. Het leven dichtbij kwam onder een vergrootglas. De kunstmatige situatie creëerde een herwaardering van het gewone. Het gewone heeft alles in zich om genoeg te hebben en gelukkig mee te zijn.

In dit stilleven spelen alledaagse bermbloemen de hoofdrol. Ik zie een nieuwe wereld waarin het bijzondere in het gewone geleefd en gevierd wordt. Op de vierkante meter. Net als de stillevens in de Gouden eeuw bevat het werk iconografische elementen die mogelijk tot de verbeelding spreken.

 

Over de kunstenaar

Rode draad in de fotografie van Petra Moes zijn botanische, culinaire én verhalende stillevens. De visuele weergave van haar onderzoek naar donker en licht vindt zijn aard in het verlangen de Donkere Nacht van de Ziel te doorgronden. Petra Moes is geschoold in psychosynthese en autodidact in de kunst.

 

Inge van Heerde

Floating in thin air

Materiaal en afmetingen

Foto, stift, mes
60 x 90 cm

Korte beschrijving

Drijven
zonder zee
zonder zwaartekracht
Drijven
in een wereld van niet-weten
niet zelf bewust
maar zelf liefde
zijn

De basis van dit werk is een lichaam vastgelegd op de foto. De foto is bewerkt met stift en een mes. Door nieuwe lagen toe te voegen en oude lagen te verwijderen onderzoek ik mijn beeld van de mens en zijn gedragspatronen.

De nieuwe en aangetaste lagen zijn metaforen voor de mens die zich nieuwe patronen eigen maakt en oude patronen moet vernietigen om te kunnen groeien als mens.

Over de kunstenaar

Inge van Heerde studeerde in 2009 af aan de Hogeschool van de Kunsten in Utrecht. Residenties en exposities volgden in binnen- en buitenland, waaronder de Arte Laguna Price Exhibition in Venetië, een residentie bij het Casa dell’Arte Residency Program in Bodrum Turkije, het Gemeentemuseum in Den Haag, Utrecht Down Under en Opium van AvroTros.

‘Ik ben gefascineerd door gedragspatronen van de mens. Mythes en mythologische verhalen leren mij deze patronen beter te begrijpen. Vaak gaan ze over basisemoties als angst en verlangen, die onze gedragingen sturen. Met mijn werk richt ik me op het magische en tragische levenspad van de mens. Ik zoek daarbij naar het moment waar het gevoel van vliegen over gaat in vallen en het gevoel van vallen overgaat in vliegen. Zijn dit niet de momenten waarop we angst en verlangen beter leren begrijpen?’

www.ingevanheerde.nl

annemie Bogaerts

Archeologie van een Nieuwe Aarde

Materiaal en afmetingen

Installatie, wit zand, objecten papier. Grootte afhankelijk van locatie.

Korte beschrijving

In archeologische sites over de gehele wereld worden oude beschavingen zichtbaar – in Mesopotamië, Griekenland en Turkije, Midden- en Zuid-Amerika … Deze nederzettingen geven een inkijk in het leven van weleer, maar wekken zelfs nu nog een vitale indruk. Een bezoek aan bijvoorbeeld Efese (Romeins) of Palenque (Inca’s) roept het beeld op van een markt, spelende kinderen … 

Ik wil de archeologie van de Nieuwe Aarde vorm geven. Hier, op deze Nieuwe Aarde, zijn de bewoners niet verdwenen – zij moeten de site nog in bezit nemen.

In het verleden maakte ik naast grote installaties van zaden en granen ook een aantal kleine installaties. Op een verhoogd grondvlak van wit zand, soms met toevoeging van pigmenten, plaatste ik kleine objecten, gemaakt van in stroken versneden wit restpapier, verlijmd en handmatig gerold. De nog zichtbare sporen uit de oorspronkelijke documenten, de herkomst van de tekst, voegen een extra en conceptuele betekenis toe aan de objecten. Ook ontwierp ik objecten van kleurrijk lithografisch bedrukt en versneden Japans papier. Het zijn architectonische bouwsels op klein formaat; zij verwijzen naar stupa’s, torentjes, minaretten. 

In een aaneenschakeling van een aantal kleine installaties verbeeld ik in één grote installatie de Archeologie van een Nieuwe Aarde.

Over de kunstenaar

Annemie Bogaerts volgde Århus Academy of Arts (DK) en AIVE (Dutch Design Academy) te Eindhoven. Zij woont en werkt in Eindhoven. 

Haar werk vormt een eenheid binnen het gebruik van diverse disciplines en technieken. Het omvat installaties, objecten en grafiek. Het ambachtelijke in haar werk is belangrijk. In de tactiele en gevoelige omgang met het materiaal is het werk herkenbaar. 

Zij laat zich inspireren door diversiteit van materialen en door het hierbij passende werkproces. Haar beeldtaal is overwegend abstract. 

  • Installaties zijn meestal monumentale vloerinstallaties in situ, gemaakt van natuurlijke materialen. De installaties zijn plaatsgebonden. 
  • Haar driedimensionaal werk bestaat uit objecten van papier, hout, brons en natuurlijke materialen. Natuurlijk organisch materiaal wordt verwijderd uit de context. Het wordt gecomponeerd en geassembleerd, vaak als uitgangspunt voor het maken van objecten van brons. 
  • In haar grafisch werk hanteert ze voornamelijk steendruk. Een van de werkwijzen bestaat uit het doubleren van diverse beelden, gedrukt op semi-transparant Japans papier, in meerdere lagen verlijmd op beschilderd hout. Deze werkwijze geeft een textiele uitstraling. 

www.amiebo.eu 

Luca Andrea Stappers, Jan Pieter Koch, Constant Brinkman

Mobiel voor een nieuwe tijd

Materiaal en afmetingen

Afmeting: diameter 6 meter, hoogte 2,5 meter
Materiaal: staal, kussens, touw, elektronica

Korte beschrijving

Samen
Welke lessen trekken we uit deze pandemie? Waarheen kunnen deze ons dan brengen? Luca Andrea en Jan Pieter vatten hun eigen lessen samen door middel van een interactief beeld en een interactieve compositie. Samenhorigheid, evenwicht en tijd zijn de elementen die ze gebruiken.

Wat hebben we dan geleerd?
Nou: het levensritme vertraagde. Er ontstond extra tijd. En plotseling kon die tijd ingezet worden om elkaar te helpen, of naar elkaar te luisteren.
Ogenschijnlijk werden er ook evenwichten hersteld. Tussen werk en huis, tussen natuur en consumptie. Kortom de extra tijd bracht de hoop met zich mee dat we, later, nog steeds solidair aan elkaar zullen zijn, dat we meer evenwicht zullen brengen tussen plicht en pracht, tussen lonen en verdien modellen. Tussen het individu en moeder aarde….

Het idee
Het publiek wordt uitgenodigd om, met andere publieksleden, een evenwicht te vinden in een mobiel van hangstoelen. Een compositie in 4 delen begeleidt de handeling. Een deel voor de uitnodiging, een deel disbalans, een deel climax en harmonie, een deel stilte. Door middel van sensoren wordt gemeten of het evenwicht gevonden is, als dat zo is zet de finale van de compositie in. De dwarsstangen lopen over autovelgen waardoor de schommels verder of dichter bij centrum kunnen komen (om verschillende gewichten in balans te brengen).

Luca Andrea Stappers: idee/ontwerp mobiel
Jan Pieter Koch: compositie
Constant Brinkman (Colibri/ABC sites): software/techniek


Over de kunstenaars

Luca Stappers, visueel theatermaker, studeert Objecttheater aan de Amsterdamse theaterschool en behaalt ook aldaar bij DasArts (tegenwoordig DAS) zijn Master of theatre.
Vanaf  ’95 is hij vast lid van het Monsterverbond, alwaar hij naast aan alle voorstellingen, ook deelneemt aan talloze openingsspektakels. Daarna gaat hij verder als freelancer en maakt hij o.a. ‘De slag om vrede’, ‘Caravane d’Utrecht’, ‘Lampedusa’, en ‘de Victorie’ (de laatste twee samen met componist Jan Pieter Koch). Zijn werkwijze kenmerkt zich door aandacht voor de fysieke aanwezigheid van de toeschouwer en het stapelen van verschillende informatie lagen.

www.lucastappers.nl

Jan Pieter Koch studeert Muziekwetenschap en klassiek gitaar in Utrecht en Hilversum. Daarnaast studeert hij compositie bij Daan Manneke en Ruud Bos. Na zijn studies begint hij als muzikaal assistent van Jurriaan Andriessen te werken bij de Haagse Comedie. Daarna werkt hij jarenlang als componist voor verschillende theatergroepen zoals de Appel, Het Nationale Toneel, De Trust en Growing Up in Public. Hij componeert filmmuziek (o.a Robert Jan Westdijk), balletmuziek (o.a. NDT), muziektheater (o.a. Don Duyns, Luca Stappers).
Naast educatieve projecten voor scholen en volwassenen  ontwikkelt hij speciale projecten voor het orkest zoals o.a. ‘Soul Symphonic’, ‘Alice’ en de met 4 musical Awards bekroonde  ‘De terugkeer van Hans en Grietje’ (in samenwerking met Orkater), ‘In de Ban van Bannink’ en ‘Souk’

www.janpieterkoch.nl

Constant Brinkman is een digitale duizendpoot. Als internetondernemer en programmeur is hij gespecialiseerd in op maat gemaakte software voor de muziekindustrie, festivals als Oerol, De Parade, Eurosonic Noorderslag en architectenbureaus. Hij begon zijn carrière als drummer van diverse bands op de Nederlandse podia. In zijn vrije tijd deed hij diverse studies als micro-elektronica en informatica. Door de jaren heen bouwde hij op maat gemaakte geluids- en lichtinstallaties en besturingen voor 2D en 3D freesmachines en snijplotters, o.a. voor Karlheinz Stockhausen en Joep van Lieshout.

Ubaldo Sichi

Dans voor een nieuwe mens

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 150 x 110 cm
Materiaal: acryl op doek

Korte beschrijving

Nieuwe aarde
Naar mijn mening is er geen nieuwe aarde nodig maar een nieuwe mens.
Een mens die anders met de aarde omgaat. Een mens die zijn hebzucht opzij kan zetten en andere doelen voor zichzelf kan stellen dan het steeds meer.

Een mens die niet meer de economie als nummer een ziet maar het leven zelf en niet alleen maar zijn eigen leven maar ook al het leven op aarde. Een mens die in harmonie wil leven, met elkaar en met de natuur. Om dit te bereiken is heel veel nodig. De danseres in mijn schilderij die danst om een nieuwe mens te doen ontstaan is maar een prille en bescheiden poging in die richting.

Over de kunstenaar

Ubaldo Sichi (1952) vestigde zich vanuit Florence in Amsterdam waar hij in 1982 aan de Rietveld Academie afstudeerde. Hij ontwikkelde een bijzondere eigen techniek waarbij transparante reliëfs van tevoren gegoten zijn in een wassen mal. De uit de mal losgetrokken transparante figuur wordt op het doek geplakt en kan daarna niet meer veranderd worden. De figuur wordt geïntegreerd met het schilderij, een niet makkelijk zichtbaar onderdeel, dat de toeschouwer verrast en uit balans kan brengen.

Uit balans wordt je waarneming scherper en de belevenis intenser. Transparante figuren kun je associëren met gedachten, herinneringen of zelfs met geesten. Ondanks dat het ontastbare elementen zijn maken ze wel deel uit van je leven. Het werk van Sichi heeft dus geen eenduidige betekenis, maar is een wereld van poëzie die op verschillende manieren tot je innerlijk kan doordringen. 

Corinne Vorwerk-Smaal

Wat er eerst was is voorbij

Materiaal en afmetingen

Afmetingen: Aarde doorsnede 30cm, hoogte 17cm.

Materiaal: Porselein, glazuur en Indisch blauw pigment, metaal 

Korte beschrijving

Geen grote zee waar elke traan stilletjes in oplost, maar individuele verhalen. 

Losse druppels dood, rouw, jammerklacht en pijn (Openbaring 21:4b). Ze blijven verstild achter, waar de nieuwe aarde verschijnt. 

Met handen geformeerd uit het zuivere witte goud. Glanzend in het licht, zweeft het uit boven wat was. Wie zijn oog laat rusten op de glans is even deel van de nieuwe aarde. 

Over de kunstenaar

Corinne Vorwerk-Smaal (1974) werkt vanuit haar eigen atelier in Elst(Ut). Ze volgde haar opleiding

aan de Academie voor Beeldende Vorming, Tilburg (1993-1998).

“Sinds 2017 heb ik porselein als materiaal ontdekt. De zuiverheid en kwetsbaarheid, maar ook de daarin gelegen uitdaging weten mij iedere keer weer te verleiden. Iedere aanraking wordt zichtbaar in het kwetsbare materiaal. Het porselein laat me focussen op het moment. Porselein als het witte goud.  Mijn werk is verhalend en poëtisch. Ik laat mijn verbeelding zien door het materiaal te transformeren en te bezielen.” (Assmann, 2018)

Natascha Hagenbeek

Heel de Aarde

Materiaal en afmetingen

Catalogus, 36.5 x 27.5 cm, 33 pagina’s, 2020

Korte beschrijving

Met Whole Commons Catalog Heel de stad, heel de Aarde duid ik het huidige tijdsgewricht en laat ik zien hoe commons met hun ideeën en oplossingen een andere wereld aan het vormgeven zijn.
In antwoord op de veelsoortige crises die onze samenlevingen treffen, klinkt steeds vaker en luider de roep om systeemverandering. Wereldwijd ontstaan lokale initiatieven waarin burgers zichzelf organiseren rondom een gedeeld maatschappelijk goed. Deze commons zijn aanjagers van verandering. Zij ontwikkelen, buiten overheid en markt om, en op basis van het gezamenlijk beheer van goederen of hulpbronnen, in de praktijk oplossingen voor bijvoorbeeld een gezond en duurzaam voedsel- of energiesysteem. 

De Whole Commons Catalog is geïnspireerd op de Whole Earth Catalog, waarin een halve eeuw geleden, vanuit een vergelijkbare filosofie en mentaliteit als die van de huidige commons, ideeën en oplossingen werden aangereikt om een andere wereld vorm te geven.

Over de kunstenaar

Ik speel in op ontwikkelingen in de samenleving die van belang zijn voor onze toekomst. Al jaren zie ik het van het grootste belang om een vrije geest te behouden. Daarom zoek ik naar waarachtigheid, autonomie en de vrije ruimte binnen het gangbare systeem. Ik vind het bij authentieke mensen, in ongedefinieerde (openbare) ruimte, en in de natuur.

Naast kunstenaar, ben ik ook werkzaam als trendonderzoeker. Mijn vermogen om toekomstige ontwikkelingen aan te voelen vormt een krachtige connectie tussen mijn werk als kunstenaar en als trendonderzoeker. De wisselwerking tussen die twee komt sterker dan ooit tot uiting in de Whole Commons Catalog. 

Het signaleren van ontwikkelingen in de samenleving blijft niet bij theorie. Voordat ik tot de ontwikkeling kwam van de Whole Commons Catalog, ben ik met ecologisch kunstproject I can change the world with my two hands 9 jaar in het veld bezig geweest met commoning, vanuit de visie dat de commoning essentieel is voor het vormgeven van een andere wereld.

 

Grady van den Bosch

A Song of Fragility and Shelter

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 12 x A4, excl passe-partout en lijst (30 x 40)
Materiaal: Installatie van 12 Monoprints: Acryl, soms oilbar, waarin soms getekend met houtskool of Posca verfstift, op mixed media papier, ingelijst

Korte beschrijving

In mijn beleving is kwetsbaarheid een prachtige eigenschap, het is verbindend en een onmisbaar kenmerk van eigenheid. Maar kwetsbaarheid moet worden beschermd en gekoesterd. In onze oude wereld raken veel mensen en kwetsbaarheden (zwaar) beschadigd. De vrede in ons leven is vaak ver te zoeken. In de Nieuwe Hemel en de Nieuwe Aarde zie ik voor me dat de kwetsbaarheid volkomen veilig is. Opgenomen in een grote, beschermende liefde.

In mijn serie “Fragility-Shelter” ben ik het samengaan van kwetsbaarheid en geborgenheid gaan onderzoeken. Elke print is een klein onderzoek naar een wereld waarin kwetsbaarheid geborgen is. Het zijn enigszins minimalistische, abstracte verbeeldingen die elk een wereld in zichzelf zijn. Vorm, kleur, beweging, stilte en sereniteit, vertellen hun eigen verhaal in elk beeld, met steeds een buitenkant en een binnenkant. Ik heb gebruik gemaakt van verschillende printtechnieken. Zoals uitsparingen wegvegen of met stukjes papier afdekken.

Streken, vlakken, lijnen, lagen, vormpjes, soms verdund. Hele kleine vormpjes heb ik getekend. De drager van de verf waren stukjes plastic zak die ik op het papier drukte. “A song of fragility and shelter” is een selectie uit een doorgaande serie, die nu meer dan 80 prints beslaat. Het is een beeldend lied over de Nieuwe Hemel en de Nieuwe Aarde. Het aantal van 12 is niet toevallig gekozen. Het is een getal met een grote (Bijbelse) symboliek.

 

 

Over de kunstenaar

Grady van den Bosch (1966) is kunstenaar en kunsteducator in haar eigen bedrijf STUDIO GRADY Art & Art Education. Naast beeldende lessen bij verschillende kunstenaars, heeft zij artistieke scholing gehad tijdens de master Kunsteducatie, met projecten op de NDSM-werf in Amsterdam. De thematiek van haar werk is vaak religieus en qua stijl (semi) abstract of conceptueel. Haar werk bestaat uit schilderijen, monoprints, mixed media, fotografie, video en poëzie. De uitspraak van Dr. van der Leeuw: “Kunst en religie ontspringen beiden uit de diepten des levens” verwoordt voor haar haar voorliefde voor het samenbrengen van kunst en geloof.

www.gradyvandenbosch.nl

Jaap de Jonge

Bronnen van inspiratie

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 58 x 40 cm
Materiaal: Rubber stempels op paper

Korte beschrijving

Visioen van een nieuwe wereld waarin de mens leeft in harmonie met de natuur.

Over de kunstenaar

De laatste 2 jaar maakt Jaap de Jonge grafiek; houtsnedes, tekeningen en linosnedes en experimenteert met zelf gesneden rubber stempels.

De meeste bekendheid in zijn lange carrière als kunstenaar en vormgever verwierf De Jonge met zijn videokunst en kinetische kunst in de jaren 90 waarmee hij internationale successen behaalde. Zijn werken werden o.a. aangekocht door het Stedelijk Museum en waren te zien in veel grote buitenlandse musea. Iets minder bekend is hij voor een latere periode waarbij hij veel kunstwerken voor de openbare ruimte realiseerde, voornamelijk in Nederland. Techniek, licht, geluid en beweging waren voertuig van zijn concepten. Het tekenen en het grafische, waar zijn kunstenaarschap ooit mee begon, is al die jaren blijven bestaan zoals te zien was in het maken van de boekillustraties en in het visualiseren van grote kunstopdrachten. 


www.jaapdejonge.nl

We sell reality

We Sell Reality

De laatsten zullen de eersten zijn

Materiaal en afmetingen

Afmetingen: 200 x 300 cm
Materiaal: Digitaal bedrukt en bewerkt textiel

Korte beschrijving

Voor ‘Nieuwe Aarde’ wil We Sell Reality graag een wandkleed vervaardigen. Dit wandkleed zal ontworpen worden op basis van een workshopsessie met ongedocumenteerde vluchtelingen. De bijbeltekst uit Mattheüs 20 dient ter inspiratie: “De laatsten zullen de eersten zijn.”

De mensen die in realiteit geen invloed kunnen uitoefenen op de inrichting van de wereld, komen aan het roer en zetten de richtlijnen uit. Tijdens het proces zullen we uitgaan van het doorbreken van de beperkingen die vluchtelingen in limbo ervaren doordat ze altijd buiten de maatschappij worden geplaatst. Daarnaast zullen we ook refereren aan religieuze symbolen omtrent het hiernamaals – daar waar alle aardse problematieken zijn opgelost.

Over de kunstenaar

We Sell Reality is een sociaal tegendraads label. Het team bestaat uit gedocumenteerde en ongedocumenteerde kunstenaars die kunst maken met als doel inzage te geven in het leven van ongedocumenteerde vluchtelingen: “Wij geven uiting aan een teleurstellend Europa, een falend asielbeleid, het overleven, het ontwricht zijn, maar ook aan trots, liefde en kracht. We reflecteren op de paradox van de gesloten grenzen voor migranten die geen rijkdommen bezitten. Diezelfde grenzen zijn voor iemand in het bezit van een Europees paspoort gemakkelijk fysiek, of door middel van handel, te overschrijden. We maken de effecten van deze paradox, zichtbaar.”

Sarah van der Lijn

Gelijke enkelen blauw

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 74,3 x 114,9 cm / buitenmaat lijst 80,5 x 121,1 cm
Materiaal: potlood op glasvliespapier

Korte beschrijving

Het werk van Sarah van der Lijn draagt het karakter van dichte mist in zich. De eindeloze aandacht en tijd die nodig is om een beeld te scheppen dat zich niet laat duiden. Het vraagt structuur, discipline en overgave om het werk te laten ontstaan. Terugkijken naar de maker heeft geen zin. De eindeloze minutieuze herhaling van het plaatsen van streepjes, rondjes, vierkantjes, gaatjes, gemaakt met verschillende materialen en methoden, zijn nodig om het beeld zichzelf te laten zijn.

De werken kennen geen focuspunt, wel een kader. Er is een vlak om in te stappen, op voort te drijven. De bestemming is onvoorspelbaar. Een uitnodiging om je over te geven aan het onbekende, het ongeformuleerde. Associaties dienen zich aan, de kleuren, het materiaal en de vormen roepen deze als vanzelfsprekend op. Meer geduld en aandacht is nodig, we zijn er nog niet, er is meer. Voorbij de eerste associaties dienen zich nieuwe werelden en structuren aan. We kijken niet alleen naar het wateroppervlak, we kijken er doorheen.

Onder het oppervlak ligt een wereld die zich onttrekt aan onze kennis en duiding. We hoeven het ons niet toe te eigenen om de schoonheid ervan te ervaren. (Tekst: Rob Leijdekkers)


Over de kunstenaar

Sarah van der Lijn (NL 1988) studeerde in 2012 aan de St. Joostacademie af. Zij kopieerde de 1159 bladzijden van de Statenbijbel 1637 in inkt op papier en gebruikt in andere werken op abstracte wijze eigen lichaamsmateriaal – bloed en haar. Zij heeft een uiterst minutieuze werkwijze.

“Ik werk altijd langdurig en toegewijd aan een werk. Daarbij gebruik ik materialen waar ik mijzelf van kan voorzien, zoals eigen bloed en eigen haar. In mijn werk ben ik op zoek naar wat ik het “nulpunt” noem. Of beter gezegd naar de oorsprong van leegte. Zo dicht mogelijk naar de stilte. Waardes gelijk getrokken tot een handeling, het ontwaarden. Ik zoek hiernaar in het herhalen van een eenvoudige handeling. In de abstractie.

Het waardeloze krijgt voor mij een nieuwe waarde die gebaseerd is op de oorsprong van de leegte.

In mijn werk word ik, ook door mijn meditatieve manier van werken die veel geduld en tijd vereist, regelmatig geassocieerd met de monnik.

De noodzaak in mijn werk is dat het geheel bestaat uit elementen die gelijk zijn aan elkaar. Deze elementen plaats ik in een zowel humaan als een mathematisch systeem.

Zo bestaat mijn werk uit tweedimensionale monochrome kleurvlakken die zich op drie-dimensionale objecten kunnen bevinden. Er zijn werken op papier, die geen tekeningen zijn. En er zijn objecten die een zelfstandigheid hebben en eveneens efemeer zijn en in enkel een herinnering of registratie verdwijnen. Objecten die vluchtig zijn en morgen en nieuwe tijdelijke kleur aannemen.”

Sarah van der Lijn

bert van santen

Mirantibus

Materiaal en afmetingen

Foto op aluminium, oplage 4, nr 1

60 x 80 cm

Korte beschrijving

Het beeld Mirantibus bestaat ​​in een gebied tussen immaterialiteit, object, optische verschijnselen, schoonheid en ongemak.  Het zichtbare maakproces omvat een uitgebreid onderzoek naar de aard en mogelijkheden van zien en waarnemen, waardoor we de omstandigheden van deze wereld leren kennen.  Even belangrijk is de creatieve exploitatie van digitale artefacten en glitches, die natuurlijke elementen worden in de creatie.  In het werk zijn toegepaste reacties op observatie, maar ook een streven naar duur, herhaling, variatie en hun effecten op de perceptie.

Werken met licht is als bouwen en beeldhouwen in de tijd, en het transformeren van de ervaring van licht in de fysieke ruimte; terwijl het ook de nuances van zowel licht als ruimte activeert. Om licht te benaderen ontstaan ​​lijnen, vlakken, kleuren die voortkomen uit empirisch onderzoek naar analoog handelen en digitale wetmatigheid (als een  gebied van visuele puin) en denkbeeldige opbouw van technologische voorzieningen. Deze worden dan instrumenteel om processen te informeren die beeldemissie produceren.

Mirantibus, creatie van illusie van bewegend beeld, zowel conceptueel van oorsprong als experimenteel, belichaamt het nieuwe leven als een gefilterd proces van liefde. Het benadrukken en verkennen van oneindig leven, als een fenomenale gebeurtenis en als een futuristisch ‘er zijn’, die vervolgens de materiële bron transformeert in een abstracte belichaming van licht dat beweegt en verandert in de tijd.

 

Over de kunstenaar

Na een studie aan de Hoge School voor de Kunsten in Arnhem (ArtEZ) vestigde Bert van Santen (Ermelo, 1966) zich als beeldend kunstenaar in Zwolle in 1991. Sinds juli 2017 woont en werkt van Santen in Krommenie. Bij zijn expositie in De Koornmarktspoort, Kampen, 2017 werd geschreven: “Van Santen speelt een visueel spel, waarbij het proces van kijken en zien onderzocht wordt. De stapeling van lijnen en vlakken die Van Santen toont is niet zomaar een ruimtelijke illusie. Hij construeert zijn werken zo dat onze geest het niet helemaal kan vatten en verschillende pogingen moet doen om het werk te doorgronden. De toeschouwer wordt onderworpen aan het langzame bewustwordingsproces van het zien. Zijn ‘Ruimtelijke Ongerijmdheden’ laten zich steeds opnieuw bevragen en interpreteren van wat we eigenlijk zien. Het oog zoekt al dan niet naar houvast in de gezichtseinder en zoekt naar betekenissen om het wezen der dingen te doorgronden. (…)

www.bertvansanten.com

 

Annemiek Punt

Zonder titel

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 200 x 50 cm
Materiaal: glaskunst en RVS

Korte beschrijving

Dit kunstwerk is door Annemiek Punt gemaakt in haar kenmerkende glasversmeltingstechniek. De metershoge afmeting maakt het tot een monumentaal kunstwerk. Reikend naar de hemel, maar toch stevig op de aarde. De grillige vormen van het glas worden zorgvuldig ondersteund door een stevige basis. 

In het versmolten glas vloeien de heldere kleuren in elkaar over. Het bonte palet laat ogenschijnlijk alle denkbare kleuren zien. Van licht tot donker, van transparant tot ondoorzichtig. In deze diversiteit aan kleurschakeringen is de diversiteit van de mensheid terug te zien. Het licht speelt een belangrijke rol. Hoe sterk of zwak het omgevingslicht ook is, het kunstwerk ziet er altijd anders uit. In weinig licht treden de donkere banen meer naar voren, in het volle licht ontstaat een intens en kleurrijk schouwspel. De abstracte voorstelling staat de toeschouwer bovendien toe een eigen, persoonlijke invulling te geven aan het kunstwerk. Ieders eigen verbeelding maakt het kunstwerk als het ware ‘af’. Geen twee mensen zien precies hetzelfde.

Over de kunstenaar

Annemiek Punt (1959) is glaskunstenaar, meesterglazenier en kunstschilder. In haar 41-jarig kunstenaarschap heeft ze internationaal erkenning gekregen als grondlegger van de experimentele glaskunst. Haar kunstwerken bevinden zich over de hele wereld. In Nederland heeft Annemiek Punt op meer dan 90 locaties monumentale kunstwerken mogen maken, met als imposant hoogtepunt het gebrandschilderde glas-in-loodraam in de Nieuwe Kerk in Delft. Haar jarenlange ervaring resulteerde in een geheel eigen beeldtaal die zichtbaar is in alles wat ze maakt. De kunstwerken van Annemiek zijn zowel figuratief als abstract, maar altijd even boeiend en tijdloos. Een echte ‘Annemiek Punt’ herken je aan de dynamiek van het lijnenspel, het kleurgebruik en de bezieling die haar kunst uitstraalt. 

In 1979 begon Annemiek Punt al op 19-jarige leeftijd haar atelier voor gebrandschilderd glas-in-lood. De opleiding voor het glazenieren en brandschilderen heeft Annemiek gevolgd in Duitsland. Daarna volgde ze tevens een vijfjarige HBO studie aan de AKI (kunstacademie) in Enschede. 

 www.annemiekpunt.nl

Jeanne Rombouts

Transparante tekening Moeder aarde

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 110 x 165 cm
Materiaal: Houtskool, krijt, pastel, grafiet  op calque papier

Korte beschrijving

En de zee bestond niet meer.

Een belangrijke inspiratiebron voor mijn werk (monumentale tekeningen op papier) is mijn directe betrokkenheid met de kleigrond van de IJsselmeerpolders. Mijn vader was een van eerste agrariërs in Oostelijk Flevoland. Het nieuwe land op de bodem van de voormalige Zuiderzee.

De herinnering aan dit landschap speelt een belangrijke rol in mijn werk. De kracht van de enorme kleivlakte en de lucht die de aarde raakt en tekent. In de tekeningen bewegen en krioelen krijt en houtskoollijnen en vlekken binnen de gegeven context. Vormen organische stelsels waarin natuurkrachten een belangrijke rol spelen.

De gehurkte figuur, en dit landschap ondergaan een wisselwerking, overlappen elkaar en versmelten.  

De moeder van de nieuwe aarde

Over de kunstenaar

“Jeanne Rombouts voelt met haar tekenstiften voorzichtig naar de vibrerende huid van een transparant oer-lichaam

(Oscar Schrover)

 Jeanne Rombouts, geboren inRoosendaal en opgegroeid in Dronten Oostelijk Flevoland, is een Rotterdamse tekenaar van monumentale tekeningen in houtskool, krijt en pastel op papier.

Ze volgde haar opleiding aan de Willem de Kooning Academie.

Een belangrijke inspiratiebron voor haar werk, abstracte landschappen, bodemprofielen, torso’s en transparante figuren, is haar directe betrokkenheid met de kleigrond van de IJsselmeerpolders.

Haar vader was een van eerste agrariërs in Oostelijk Flevoland.

www.jeanne.rombouts.kunstinzicht.nl


 

Masaru +O

Yuragi

Materiaal en afmetingen

Polymer / caulking

45 × 45 x 75 cm

Korte beschrijving

I created this art piece YURAGI with image of a chaotic world with asymmetry.

YURAGI is an existence of emotions and soul spring up from the chaotic world.

Over de kunstenaar

Masaru+O is a Japanese artist, Amsterdam-based. He has been active as make-up artist in Paris, London and Tokyo especially for fashion industry  and art performance. He has made Art pieces for art performance as well. Currently he creates art by polymer, caulking, latex.

Masau+O gets inspiration from nature, artificial, and my favorite author / Kenji Miyazawa.

Michiel frederik huijse 

Naamloos

Materiaal en afmetingen

Olieverf op doek 

80 x 135 cm

Korte beschrijving

In tijd en plaats van overvloed en de leegte die dat meebrengt zit de enige openbaring in jezelf. Zoek en je zult vinden. Zoek diep en kijk goed om je heen.

Over de kunstenaar

Frederik (Michiel Frederik Huijse, Amsterdam, 1984) studeerde Industrieel Ontwerpen in Delft. Al  snel na het afronden hiervan wist hij dat hij voltijd beeldend kunstenaar wilde worden.

Opgegroeid op een steenworp van het museumkwartier is de liefde voor de Nederlands schilderkunst er met de paplepel ingegoten. In zijn voornamelijk figuratieve stijl tracht hij om verder te bouwen op de plek waar zijn idolen zijn gestopt. Schilderen is verkennen en onderzoeken. Hij spiegelt contemporaine thema’s en zoekt naar poëtische zeggingskracht om de toeschouwer positief te stemmen en te inspireren.

Nelson Carrilho

Wachten op God

Materiaal en afmetingen

Materiaal: steen

Korte beschrijving

Wij zijn aanhoudend op zoek naar verbinding; naar het menselijke deel in het Goddelijke. Maar hoe kunnen instituten die zelf voor apartheid en verscheurdheid hebben gezorgd binnen volkeren, nu vragen om een nieuwe, herstelde aarde?

 

Het lege wachten

Ik denk aan twee verhalen uit de Bijbel: De toren van Babel en Het verhaal van Cham. Verhalen, gekozen en misbruikt om volkeren te scheiden en gescheiden te houden. Apartheid en knechtschap worden gerechtvaardigd met beroep op de Bijbel.

Ze krijgen als ideologie een religieuze dimensie waardoor de mens in God voor altijd van het toneel verdwijnt.

Als ik mij onophoudelijk door anderen laat beschrijven, vervormt dat mijn beeld over mezelf.

Als ik anderen steeds toesta mij te onderwijzen, zullen ze me leren mezelf te haten.

 

Epiloog

Een kleine aanraking is maar nodig,

om de brug in jezelf te openen,

het schitterende in de ander te zien,

de mensheid verder te dragen.

Fragment gedicht van Caroline Kramer bij mijn wensbeeld in Slowakije.

In 2021 wordt mijn wensbeeld onthuld bij de Maria Valeria brug over de Donau, tussen Slowakije en Hongarije. Het beeld, bevestigd aan Slowaakse zijde, komt recht tegenover de Hongaarse Basiliek van Eszterghom te staan, aan de andere kant van de rivier.

Een kleine aanraking is maar nodig, om de mens weer te zien. Dat geldt zeker voor nu, in deze tijden van opkomend fascisme in Europa, daar aan de andere kant van de brug.

 

Over de kunstenaar

De maatschappelijke betrokkenheid van Nelson Carrilho (Curacao/Nederland, 1953) is terug te vinden in werk dat onder andere in Nederland een plek heeft gevonden in de openbare ruimte. In het Vondelpark in Amsterdam staat een groot bronzen beeld dat hij maakte na de moord op de jonge zwarte Kerwin Duinmeijer, het anti-racisme monument Mama Baranka (Moeder Rots, 1984).

 

In het Westerpark, eveneens in de hoofdstad, staat het bronzen beeld Dragers van Verre, 1989 als symbool voor een constant veranderende samenleving en hoe wij daarmee kunnen omgaan.

 

In 2019 werd Nelson genomineerd voor het Herman Divendal Award. Deze prijs wordt uitgereikt aan een geëngageerde cultuurdrager of kunstenaar die zich actief en zichtbaar inzet als bruggenbouwer tussen verschillende culturen. De kandidaten zijn dragers van menselijkheid en vervullen een voorbeeldfunctie door mensen met uiteenlopende culturele en etnische achtergronden samen te brengen. Voor het AVRO/TROS programma Close Up volgt filmmaker Robin van Erven Dorens de reis van Nelson Carrilho langs zijn verschillende projecten in binnen en buitenland. Uitzenddatum winter 2021.

Roaming the unknown Rinske van Dijk 2020

Rinske van Dijk

Roaming the unknown

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 253 x 63 x 1 cm

Materiaal: linnen, verbandgaas, wol- en zijdevezel, borduurzijde (roedes van koper)

Korte beschrijving

Waar blijven wij mensen nu nieuwe tijden lijken aan te breken? Nu in deze buitengewone tijd zonder uitwijkmogelijkheden en houvast, stilte en het onbekende “ineens” in ons leven zijn gekomen? Met een luchtige, ‘ruimtelijke’ constructie wil Rinske van Dijk een plaats maken voor verbinding van het alledaagse en het universele.

Haar visioen verbeeldt een nieuwe mens die, voorbij de angst aan zichzelf te gronde te gaan, durft dóór te veren naar een nieuwe balans. Het gaat om transparantie, zich openstellen naar elkaar.

Het gaat om kwetsbaarheid van het leven zelf, in al haar kleuren. Dit doek, Roaming the unknown, hangt vrij in de ruimte, door een ademtocht in beweging gebracht.

“Mola” is een techniek van weghalen: een intiem binnenste wordt blootgelegd (zeer fragiel verbandgaas, gekleurd door verdichte wol- en zijdevezels). Zo tekent een gebaarsilhouet van schaduw en licht zich af (soms in de omgeving rondom het doek). Een kans om in de toekomst anders te zien dan tot nu toe. Hoop blijft een noodzaak – evenals voorbij de eigen grenzen voorzichtig tasten in veerkracht, optimisme en compassie.

Over de kunstenaar

In beeld verkent Rinske van Dijk de onlosmakelijke band tussen mens en natuur, in interactie met een steeds veranderende wereld om ons heen.

Hier zoekt zij naar waarachtig contact en vraagt ze aandacht voor een kant die magisch is. Op een randje van verschijnen en verdwijnen – altijd speelt er meer dan je ziet of weet. Daar is een soort tussengebied – als een denkbeeldig, spiritueel of fysiek landschap – dat zij in beeld probeert te benaderen.

De keuze voor de toepassing van bepaalde materialen of technieken dient als metafoor voor de vele kanten van ons bestaan. Transparante lagen textiel bijvoorbeeld laten licht door en brengen de voorstelling als het ware in beweging.

 Ruimtelijkheid, in of om de werken, is drager van veerkracht.

Corine Buskop

Bijzonder Gewoon

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 2.35 m breed, 3.00 m hoog
Materiaal: doek, gesso, houtskool, olieverf.

Korte beschrijving

Een nieuwe hemel en een nieuwe aarde. Tijd en ruimte zijn opgeheven scheidingen,
Dood is niet weg maar erbij zijn, geruisloos en onmerkbaar vertoeven we als lichtend bewegen in andere werelden. Er zijn er zovelen.

Er zit geen randje meer aan iets, er is alleen beleven en meemaken wat niet begint en ook niet eindigt.

De wereld laat zich zien als een explosie van miljoenen stukjes ervaring die niet meer worden beperkt door lichaam of tijdsspanne. Het ontlaadt zich in de eenvoud van genieten, in niks nodig hebben en alles hebben. Er zó op uit gaan dat alleen het onontdekte gezien is en verwondering de continue staat. Beperking stroomt weg, want je bent altijd en nooit her en der overal en nergens.

Vertrouwen is geen waarde meer,  het leeft. We hoeven het nergens over te hebben, we zijn erin. Dit alles, wat ons hoofd wist, maar niet kon bevatten, wist de oude aarde uit en behelst de nieuwe aarde.

Over de kunstenaar

Inspiratiebronnen voor Corine Buskop zijn natuur en de daarin levende wereld. Daarbij onderscheidt ze de mensen niet van de dieren, voor haar is de natuur een samenwerkend- en met elkaar in verband staand organisme. Er bestaat een continue uitwisseling.

En net als in de natuur is er ook bij haar een doorgaande ontwikkeling zichtbaar, tekende ze eerst alleen met houtskool, nu brengt ze met olieverf kleur aan waardoor er meerdere lagen ontstaan en het werk vollediger wordt.

Buskop studeerde af op tekenen en schilderen aan de Rietveld academie te Amsterdam. Ze heeft haar atelier bij het kunstenaarscollectief ”De School” in Hillegom.

www.corinebuskop.com

 

Shahaila Winklaar

La Trinité

Materiaal en afmetingen

Michiel de Ruyter 160 cm hoog, 60 cm breed, 45 cm diep / Elmina 125 cm hoog, 60 cm breed, 45 cm diep / Handelsboot 170 cm, 60 cm breed, 45 cm diep
Materiaal: berkenhout, plexiglas, floodlight

Korte beschrijving

De nieuwe aarde is een wereld die teruggaat naar de kern, naar de essentie, naar het wezenlijke en het universele. Ons gemeenschappelijke weten staat centraal. Onze blik naar het verleden beschouwt een geschiedenis, een representatie van helden, van forten, van winsten, van het gepolijste, stuttend op de pilaren van de Drie-Eenheid: lucratieve handel, macht en ongebreidelde expansie.  

Het egale, strak geschuurde en gelakte beeld werpt een schaduw op de toekomst, op het heden. Herkennen en erkennen van de gebeurtenissen, van de uitbuiting, van de pijn, van het menselijk leed. De oude wereld durven benoemen, in de ogen durven kijken.  

De essentie. Na vergeving, onderweg naar de nieuwe morgen… een nieuwe aarde.

Over de kunstenaar

Shahaila Winklaar (Zwijndrecht, van Curaçaose en Arubaanse afkomst) werkte eerst tien jaar als fractiemedewerker in de Tweede Kamer waar zij zich bezighield met de hoofdlijnen van uiteenlopende portefeuilles.

Zij rondde de Willem de Kooning Academie (Rotterdam, 2008) af met een serie abstraherende lijntekeningen met kenmerkende contouren van lichaamshoudingen van machtige personen. Sindsdien werkt zij als beeldend kunstenaar en als museumdocent in diverse grote musea. In het afgelopen decennium neemt haar rijke culturele erfgoed een steeds prominentere plaats in in haar beeldend werk. Ook varieert de dimensionaliteit van haar beeldend werk van 2 –dimensionaal naar 3-dimensionaal.

Kenmerkend aan Winklaar’s kunstwerken is de minimale lijn die de essentie aftekent van herkenbaar of minder herkenbaar nationaal erfgoed. Winklaar pleit voor een grotere diversiteit aan perspectieven op ons gedeelde erfgoed in het Koninkrijk der Nederlanden en voor een grotere rol voor het perspectief van (de nazaten) van slaaf gemaakten.

Shahaila Winklaar exposeert voornamelijk in Nederland en heeft verschillende prijzen gewonnen.

Saskia van Kampen

Confessions

Materiaal en afmetingen

Afhankelijk van de beschikbare ruimte

Mixed media experience

Korte beschrijving

Mother earth welcomes her children to her womb to confess. Confess her what you have done wrong and let her know what behaviors, thoughts and patterns you want to let go off and want forgiveness for. Share with her the actions you are going to take to birth a new earth. Together we can let go of the old and welcome the new. Are you ready to let go? Are you ready to look in the mirror and confess your own sins? Are you ready to step into the new world? Come and visit mother earth now, you are invited.

Over de kunstenaar

Saskia Liselotte van Kampen (1989) is maker van intuïtieve authentieke processen en creaties. 

Ze gebruikt voor haar werk wat er om haar heen beweegt. Van de ruimte waar ze in staat, tot wat er onder de grond leeft. Ze graaft tunnels onder de olifanten in de kamers en gaat met ze wandelen. Met haar werk als maker geeft ze de toegang tot een diepere werkelijkheid, voorbij het voorspelbare, onder het zichtbare. Ze nodigt haar publiek graag uit tot interactie met zichzelf en het werk. Het doel is altijd het ontmoeten van jezelf en de wereld waar je in leeft.

 

Caroline Kos

Randfiguur

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 100 x 140 cm
Materiaal: papier-maché, acryl en krijt op linnen

Korte beschrijving

Terwijl het leven zich ontvouwt kan er een proces van transformatie op gang komen omdat het eens zo passende leven wringt en schuurt. Soms komen keerpunten uit de lucht vallen, als donderslag bij heldere hemel en heb je het er ongevraagd mee te doen. Het resultaat is hetzelfde; er volgt een ontdekkingstocht waarin een nieuw evenwicht wordt gevonden om door te kunnen gaan. Zo zijn we nu terecht gekomen op het randje van een nieuw tijdperk waarvan we de vorm nog niet kennen en niet weten hoe we het gaan doen. Aarzelend staan we daar……..wikkend en wegend…… Is het slechts een flinke afstap of een hele sprong in het diepe? We weten het niet…

We zijn in enen allemaal randfiguren…….

Over de kunstenaar

De bron van inspiratie van Caroline Kos is het gevoelsleven; de kwetsbare menselijke kant. Zij laat dit zien in vaak grote verstilde werken met een diepere laag. Zij werkt vaak met gemengde technieken: papier-maché, krijt en acryl.

Caroline ging naar de Mode Academie Charles Montaigne in Amsterdam, volgde de opleiding tot Kunstzinnig Dynamisch Coach aan de Kleine Tiki in Breda en was leerling van Ger Zijlstra.

Vanaf 2016 exposeert zij regelmatig en sinds 2019 is zij lid van de kunstenaarsvereniging ‘de Onafhankelijken’ in Amsterdam. Haar werk is aangekocht door particulieren en bedrijven.

Lego Lima

Chuva de Consciência; Regen van Bewustzijn

Materiaal en afmetingen

Afmetingen: 400 x 200 cm

Materiaal: Multimediaal project in 3D; Een digitale print op canvas; gespannen op frame; op de grond voor de print wordt een installatie van menselijke figuren geplaatst.

Korte beschrijving

We leven allemaal in een ‘global village’ en Moeder Aarde – in mijn moedertaal Mae Terra – is ons gemeenschappelijk huis. We ontvangen vrijwel iedere dag signalen dat ons huis in gevaar is; signalen dat het klimaat verandert en dat de toekomst van onze kinderen en kleinkinderen in gevaar is. Korte termijn-belangen, kortzichtigheid en egoïsme zijn op dit moment de grote ‘vijanden’ van Moeder Aarde. Dé manier om die vijanden te bestrijden ligt in bewustzijn, of bewustwording.

Voor mijn gevoel is dat proces van bewustwording een proces van (kleine) stappen. Stapsgewijs leren wij ons aan te passen aan een nieuwe werkelijkheid. Stap voor stap realiseren wij ons dat we ons op een andere manier moeten verhouden tot Moeder Aarde, in het belang van onze kinderen en kleinkinderen. Ik studeer momenteel filosofie en las ideeën die mij aanspraken en inspireerden: Het bewustzijn van jezelf (een proces van praten, creëren, bevestigen, voorstellen en innoveren) en het bewustzijn over de ander (luisteren, absorberen, herformuleren, herzien en innoveren) moeten in harmonie samenkomen: reflectie over jezelf en reflectie over de wereld.

In mijn werk richt ik me al jaren op begrippen als Vrijheid en Bevrijding. Als metafoor gebruik ik vaak vogels en druppels. Die metaforische beelden heb ik vertaald naar mijn werk ‘Regen van Bewustzijn’. We ontvangen half bewust, half onbewust druppeltjes van bewustwording, die neerdalen op ons hoofd, en die ons stap voor stap het bewustzijn geven dat nodig is om de Nieuwe Aarde te creëren.

Over de kunstenaar

Lego Lima is een Braziliaans-Nederlandse kunstenares, die sinds 1992 in Nederland woont en werkt. Haar zeer herkenbare en expressieve werk ontving al veel lovende kritieken, en werd meermalen onderscheiden. Zo won ze de meest prestigieuze grafiekprijs van haar geboorteland, de prijs van de biënnale van Curitiba. Lego Lima exposeerde onder meer in Brazilië Nederland, België, Slovenië, de VS en Japan. Recente hoogtepunten waren onder andere exposities in het Museum voor Moderne Kunst in Campinas, Brazilië, en in Museum de Wieger in Deurne, Nederland.

De grote expressieve kracht én het unieke lijnenspel in haar gravures zijn de twee elementen die in bijna alle beschouwingen over haar werk terugkeren.

Het eerste, de expressieve kracht, is een direct gevolg van de gepassioneerdheid waarmee Lego Lima werkt. Het lijnenspel – grillig, onverwacht, speels en uiterst oorspronkelijk – is dé handtekening van Lego Lima. Aan de lijnen ontlenen Lego’s gravures hun dynamiek en beweeglijkheid en hun wonderlijke, robuuste schoonheid.

www.legolima.nl

Maria Es

De verwondering

Materiaal en afmetingen

glas in lood

Toepassing: glas-in-loodraam / glas-in-beton / lichtobject.

 267 cm x 60 c

Korte beschrijving

“Het lijden biedt ons een nieuwe kans, het schudt ons wakker uit onze droom van onschendbaarheid waarin wij enkel voor onszelf bestaan. Mijn kwetsbaarheid doet mij verlangen naar de zorg om anderen.” Het zijn deze woorden van de filosoof Levinas die Maria Es dierbaar zijn en ons kunnen helpen om aan het lijden van de mens tijdens deze mondiale coronacrisis, betekenis en richting te geven. 

Met haar glas-in-loodontwerp ‘De Verwondering’ wil Maria een nieuw licht scheppen in de hoop dat de schoonheid van het licht ons de weg wijst naar dankbaarheid en zorg om alles wat ons omringt. De lucht, het water, de dieren, de bomen, de vruchtbare aarde; een lijdende schoonheid die zal sterven aan onze onzorgvuldigheid als wij niet bereid zijn te veranderen:  “Ik wil een nieuw licht laten schijnen over het begrip samenleven – door de mens volledig voor zichzelf opgeëist –. Samenleven betekent immers samen LEVEN! De dieren, de bomen, het water, de lucht, onze onbaatzuchtige vruchtbare aarde en de mens. Waarom dan een ontwerp zonder mensen? De mens verdient een tweede kans.

Mijn verwondering en grote passie voor het leven was de inspiratiebron voor mijn glas-in-loodontwerp ‘De Verwondering’. Jarenlang bewaarde ik het ontwerp als een kostbaar document voor mijzelf. Niet eerder was er een dringender noodzaak dan nu om het te willen tonen en ‘De Verwondering’ een definitieve plek te geven onder de mensen. Met het verlangen te willen troosten en te zeggen: ‘Het is niet te laat! Wees niet bang’.”

 

Over de kunstenaar

Maria Es groeide op in Itteren, een kleine zelfvoorzienende boerengemeenschap in Zuid Limburg. Daar leerde ze haar belangrijkste levenslessen. Spelend met de vruchtbare leem aan de oevers van de Maas, omringd door het goudgele graan, het geluid van de dieren en de hamerslag van de smid: “De onverbrekelijke samenhang tussen het land, de dieren, de hemel, het water en de mens was zo indrukwekkend en overweldigend dat Kunst voor mij de enige manier was om deze grootheid te kunnen dragen. En haar te transformeren in een dienend verlangen te willen begeesteren en troosten tegelijk. Van het spelende licht in de glas-in-loodramen van de kleine kerk in Itteren leerde ik dat schoonheid niet vrijblijvend is maar een ethisch appél doet op onze verantwoordelijkheid. Mijn besef van nietig zijn maakt mij sterk als het landschap van mijn jeugd.”

Paul Salet

Siloam

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 444 x 444 x 444 mm plus sokkel
Materiaal: Amsterdamse zilverlinde ( nr 381058 – massief), afgewerkt met walnootpigment olie


Korte beschrijving

Het water zal stromen en brengt nieuw leven. 

Om een aanstaande levensbedreigende crisis te kunnen overleven liet Koning Hizkia een watertunnel graven van Siloam naar Jeruzalem, met een lengte van 1200 el.  Een van de manieren om de lengte van de el te bepalen die in het Oud Testament wordt gebruikt, is de bestudering van de Siloam inscriptie. Nadat de tunnel was gevonden kon de lengte van de bijbelse el worden vastgesteld op 44,4 cm.    

Nieuw Jeruzalem wordt in de bijbel beschreven als een kubieke stad met twaalf poorten. Het is duidelijk dat in deze beschrijving de engelenmaat als de perfecte maat der dingen tot uiting komt. De stad was vierkant, net zo lang als breed: 1200 stadiën (220 km).  De dikte van de muur was 144 el  en had twaalf lagen stenen als fundament. Zij die dorst hebben zullen drinken uit de bron van het water dat leven geeft.

Dit werk is gehouwen uit een massieve kubus van lindenhout met ribben in een lengtemaat die de bijbelse el benadert. In vier zijden zijn drie ingangen zichtbaar die leiden naar het excentrisch gelegen centrum. De vorm is die van een tunnel, afgerond,gewelfd en met verwijzingen naar onderaardse koepels.  

Het stromend water brengt niet alleen nieuw leven, het zal de stenen breken, het is vormend in niet aflatende zachtheid. 

Een nieuwe aarde zal kunnen worden gebouwd op een fundament van deze bouwstenen. Velen zullen er nodig zijn om het water te kunnen laten stromen. 

Over de kunstenaar

Paul Salet ( 1956 ) bracht zijn jeugd door in de Brabantse bossen. De bomen en de vormen van de natuur werden de inspiratie voor een geometrisch organische taal in zijn beeldend werk. Als toegepaste vorm is zijn sculpture furniture te zien in designwinkels in Milaan en Amsterdam. 

www.paulsalet.nl

Instagram paulsaletsculpturefurniture

Oussama Diab

New Life

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 115 x 75 cm
Materiaal: gemengde techniek op linnen

Korte beschrijving

Het verlangen naar een radicaal andere werkelijkheid overvalt ons in zware tijden: is een nieuwe tijd denkbaar en ervaarbaar? Waar vinden we hoop?

Oussama Diab schaart zich in een lange reeks van kunstenaars die, door eeuwen en over culturen heen, een bron van inspiratie hebben gevonden in de liefde, de intimiteit en de innige verbondenheid tussen moeder en kind.

Hij schildert een vertrouwd maar steeds weer nieuw motief: een moeder die haar kind omarmt en koestert. Het is een ultiem en universeel beeld van hoop, belofte en verwachting van de toekomst. Het nieuwe leven boort een ongekende kracht aan, een nieuwe realiteit, die bergen verzet. De nieuwe hemel en de nieuwe aarde zijn misschien al bij ons – het is al begonnen, zie je het niet?

Over de kunstenaar

In het oeuvre van de Syrisch-Palestijns-Nederlandse schilder Oussama Diab (Damascus, 1977) staat het thema van de humaniteit centraal. De zoektocht naar menselijkheid en hoop, door ervaringen van lijden, verlies en oorlog heen, houdt hem blijvend bezig. Hij is sterk geboeid door de christelijke iconografie. Als Palestijn voelt hij zich verbonden met Jezus, met wie hij zijn geboortegrond in zijn getormenteerde land deelt; als moslim is hij gefascineerd door de verwantschap van verhalen uit de Koran en de Bijbel, en als wereldburger herkent hij er de universele levensthema’s in.

Tynke van Schaik

Blauwdruk (Katabolé)

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 150 x 160 cm

Materiaal: Acryl, krijt en inkt op papier

Korte beschrijving

‘Blauwdruk’ is een uitdrukking van een nieuwe werkelijkheid. Leidend zijn de teksten uit Spreuken 8:22, waarin Jezus als architect aan Gods zijde, al in de blauwdruk vermeld, vanuit de eeuwigheid is gevormd. Samen met de brief aan de Efeziërs 1:3-4, waarin de mens al in Jezus in de blauwdruk is vermeld, vormen zij een geheel.

 

Bij de plotselinge bekering uit het niets op 40-jarige leeftijd van Tynke van Schaik werd ook een nieuwe wereld voor haar geopend. Een nieuwe realiteit die onder de bestaande zichtbare realiteit aanwezig is. In het werk is de gelaagdheid te zien die gepaard gaat met haar speurtocht naar wie God voor haar is. Het vormde de route naar haar doop c.q. opname in het Lichaam in 2020. Op het grensvlak in het mystieke landschap waar het tijdelijke, het eeuwige raakt, staat de kerk. Dit door mensen ontworpen gebouw en tevens het mystieke Lichaam, is aangesloten op het kloppende hart en de longen van een uitvergroot lichaam. De bollen als Drie-eenheid verbinden de oude met de nieuwe vruchtbare aarde.

De architectonische werktekeningen vormen de blauwdruk voor de nu alziende mens in zijn/haar nieuwe lichte gedaante.

Over de kunstenaar

Tynke van Schaik (1969) studeerde (technisch) tekenen en tentoonstellingsbouw aan de AHK te Amsterdam en tekenen aan de Kunstacademie in Haarlem. Ze is autonoom tekenaar en illustrator bij o.a. Kerknet, de katholieke site in België, bij de PKN en illustreert voor een

kunstmagazine.

Eigenzinnigheid en verrassende onderwerpen zijn een leidend thema voor haar werk.

In frisse kleuren verbindt zij verschillende werelden met elkaar en combineert techniek met

organische vormen. Haar werken zijn een venster op een wereld waarin we steeds opnieuw

blijven ontdekken.

Gera van der Leun Kasjesparade

Gera van der Leun

Kasjesparade

Materiaal en afmetingen

Afmeting: variërend van 0.4 x 0.4 x 1.60 m hoog tot 0.6 x 1.0 x 1.80 m hoog

Materiaal: metaal, gelaagd glas en geglazuurde keramiek

Korte beschrijving

De Kasjesparade is gerealiseerd door:

  • 14 kinderen die de special features hebben ontworpen.
  • 12 jongens en meiden van de entree-opleiding van het ROC in Tiel en hun docenten, die de kasjes gelast hebben.
  • 15 jongens en meiden van de Schildersvakopleiding in Geldermalsen en hun docent, die de kasjes geschilderd hebben.
  • 4 gepensioneerde lassers van de Fruitcorso-club in Tiel die het restant laswerk op zichgenomen hebben.
  • 10 vrijwilligers die de ruitjes in de kasjes gekit hebben.
  • 1 techneut die de zonne-energie & de verlichting van de kasjes voor ’s nachts verzorgde.
  • 1 winkel-medewerker die mij uitlegde hoe ik de raampjes kon openkrijgen d.m.v. een

fietspomp.

  • 1 initiatiefneemster & beeldend kunstenaar: ik, Gera van der Leun, die het project verzon, fondsen heeft geworven en het project heeft georganiseerd, begeleid en voor hele delen ook zelf heeft uitgevoerd.

Mijn ideaal is dat mensen samen hun directe leefomgeving groener, vrolijker, kleurrijker, socialer en duurzamer maken. De plantenkasjes staan deels al op de stoepen in Tiel. Ik zoek adoptie-ouders voor ze: mensen, die er in willen zaaien en voor de plantjes willen zorgen en die ook weer willen uitdelen voor in de geveltuintjes in onze buurt.

Ik houd ervan om kinderen, jongeren en volwassenen bij mijn kunst-projecten te betrekken.

Over de kunstenaar

Door de jaren heen ben ik van het maken van ruimtelijke beelden in mijn atelier langzamerhand toegegroeid naar het uitvoeren van opdrachten in de openbare ruimte. Nu wacht ik niet meer tot er een mooie opdracht voorbijkomt, maar ontwikkel ik zelf plannen voor groene, sociale kunstprojecten en zoek er financiering bij.

Het bijzondere is dat er altijd mensen op mijn pad komen die samen willen werken (en mijn oorspronkelijke plan steevast verrijken) en bijvoorbeeld groepen leerlingen of vrijwilligers die willen helpen. Ik vind het een te gekke manier van werken.

Cor simon

Een nieuwe aarde, een nieuwe kerk

Materiaal en afmetingen

Kalkpapier, Fineliner 0.3, markers

A3 (297 mm x 420 mm – kan uitvergroot worden)

Korte beschrijving

Als landschapsarchitect denk ik na over nieuwe, natuurlijke en duurzame manieren van wonen. Hoe kan dat er uit zien? Op straat spreek ik enkele mensen aan om te vragen naar hun ideale wereld. Ze vertellen me basale dingen; een gezamenlijke tuin, meer natuur, eigen lokale munt, zelf voedsel verbouwen, natuurlijke materialen, hemelwater gebruiken, gemeenschapsgevoel, nieuwe technologieën. Het klinkt als een zelfvoorzienende gemeenschap in een toekomstige wereld; een antidote voor de globalisering en destructie van de aarde.

Mijn keuze is op de Westerkerk te Amsterdam gevallen, hier is veel ruimte en als deze prent in de kerk mag hangen, dan kan je je meteen inbeelden hoe de nieuwe kerk er uit ziet. De kerk is geen plek meer waar je in een grote kale ruimte moet luisteren naar een toekomstige hemel of een hel. Nee, een plek waar de droom in de kerk zelf ervaren wordt, een paradijs voor mens, dier en plant. Een nieuwe kerk. Een gemeenschappelijke moestuin, waar je woont in de hangende hutten naast de boomtoppen, waar water uit de hemel direct wordt gebruikt, waar energie uit dakpannen komt, waar je kunt dansen, lezen, studeren en jezelf kan zijn. Wat is jouw perspectief van de nieuwe kerk en de nieuwe aarde?

Over de kunstenaar

Cor Simon is landschapsarchitect met een affiniteit voor het tekenen met de hand. Hij studeerde landschapsarchitectuur aan de Wageningen Universiteit na een opleiding in tuin- en landschapsontwerp en een hoveniersopleiding.

Simon werkt bij BoschSlabbers landschapsarchitecten, v.o.f. Hemelse Natuur en vertegenwoordigt de werkgroep DSO en Young NVTL van de Nederlandse Vereniging voor Tuin- en Landschapsarchitecten.  

‘Het leukste aan ontwerpen is het verbinden van verschillende disciplines, wensen en ideeën. Het ontwerp kan je laten samensmelten in een taal die universeel is: de getekende verbeelding.

Mijn doel is om aan de hand van tekeningen te inspireren, om vastgeroeste gewoontes te doorbreken en om toekomstdromen realistisch te maken.’

 

ton baan c.s.

ME-YOU-WE-DO Tour

Materiaal en afmetingen

200 bamboestokken 1.20 m (10/12 mm ø) 500 postelastieken


Korte beschrijving

De ME-YOU-WE-DO Tour is een theatrale wandeldialoog. Per brancard torsen drie mannen in kleurrijke tuinbroeken een intrigerende vracht. Waar genoeg reuring is, bouwen ze met veel tamtam een mega wereldbol met bamboestokken. Door de wereldbol komen ze in gesprek met omstanders over een wereld met minder ik en meer wij. Geïnspireerd op Antonio Machado’s woorden ‘travelers, there is no path, you lay a path in walking’, bedachten zij een kunstzinnige zoektocht en theatrale act die mensen aanmoedigt samen toekomstdromen te delen. De Tour is een ludiek burgerinitiatief van Joep van der Peet, Erik Boot en Ton Baan. Een ambtenaar, een docent en een ondernemer die geloven dat de wereld verbeteren begint bij jezelf. 

Over de kunstenaar

Ton Baan, Erik Boot en Joep van der Peet denken, net als vele anderen, dat hun oude vertrouwde wereldje aan een update toe is. Hoe hun wereld er na Covid 19 uit zal zien is vooralsnog gissen. Zij voelen zich nu meer dan ooit uitgedaagd zelf actie te ondernemen, want “there is no planet B”. Ze willen graag ‘goed’ doen, maar wat is dat? Hun enige houvast onderweg is het kortste manifest ooit, bestaande uit drie vragen. Is het goed voor mij (ME)? Is het goed voor een ander (YOU)? Is het goed voor ons allemaal (WE)? Bij drie keer ja, doen (Do)!
Het doel van de ME-YOU-WE-DO Tour is het bewustzijn aanwakkeren om zelf in actie te komen in plaats van enkel te morren over alles wat anders moet. De wandeldialoog is ook een ontdekkingsreis van drie mannen die zich vrijwillig onderwerpen aan een activistisch zelfonderzoek. Hiervoor kozen zij doelbewust de kwetsbaarste kant van Nederland: de Hollandse kustlijn. 

Facebook

 

Noortje haegens

Quarantine View

Materiaal en afmetingen

Fotografie

Afmetingen: ca 250 x 250 cm

Korte beschrijving

Noortje Haegens begon op de eerste dag van de quarantaine het uitzicht te fotograferen uit haar raam in Breda. Normaal gesproken is het uitgangspunt van haar werk de wandeling. De functie daarvan, de vertraging van de waarneming, waarbij ze teruggaat naar de kracht van de stilte, is waar het dan om gaat. Het werk ‘Quarantine view’ is voortgekomen uit stilstand. Een totaal nieuwe manier van werken. Wat begon als een eerste beeld is uitgegroeid tot een prachtige verzameling van de Bredase heldere lucht die elke dag te zien is. De heldere lucht die niet eerder op deze manier was vast te leggen: Of het aan het gebrek aan uitlaatgassen ligt, aan de vermindering van uitstoot van de fabrieken, het nagenoeg ontbreken van vliegtuigen: het feit is dat de lucht helderder, lichter lijkt dan gewoonlijk. “Een schoonheid:, Die troost biedt.” Het raam staat ook als metafoor voor de tijd waar we ons nu in begeven, het isolement van deze tijd.

Over de kunstenaar

Noortje Haegens is de kunstenaar die een rustpunt in de ongeschreven partituur van onze natuurlijke zoektocht aangeeft. Haar videowerken ontkennen de snelheid van de dagelijkse tredmolen, ze staan stil in hun beweging. Een beweging die je pas kan zien als je zelf stil staat.

Ze is geen ateliermens, daar komt de inspiratie niet. Het wandelen is een essentieel onderdeel van de werkmethode van Noortje, en een belangrijk uitgangspunt om grip te krijgen op haar omgeving. Wat de grondering is voor een schilderij is voor haar het wandelen: de basis voor het kunstwerk.

Het werk van Noortje heeft een zekere openheid, die appelleert aan een universele herkenbaarheid die zij aantreft in de natuur. Al wandelend treft zij de puurheid aan van de omgeving en wordt de impact van de plaats en locatie pas later duidelijk. Het werk is er altijd al, maar heeft nog niet zijn betekenis onthuld. Door steeds terug te keren naar de plaats dient het nog niet gemaakte kunstwerk zich aan. Het is een relatie die langzaam opgebouwd wordt.

 

Noortjehaegens.com

Stichting vrienden van job

Early dawn of the new world

Materiaal en afmetingen

Installatie

244 x 244 x 244

Korte beschrijving

Uitgangspunt voor de installatie is het moment tussen de ondergang van de oude wereld en het ontstaan van een nieuwe aarde . Heel even is er helemaal niets …  Dit moment doet De Vrienden van Job denken aan de theorie van de oerknal en de verhalen van mensen die een ‘Bijna Dood Ervaring’ hebben meegemaakt.

‘Early Dawn of The New World’ is een kubus, een ‘zwarte doos’ van 244 x 244 x 244 cm. In deze zwart geschilderde kijkdoos draait een op zijn zijkant liggende boom met wortel en tak rond in een verduisterde ruimte. Deze levensboom heeft nog geen bladeren, maar is zeker niet dood. Op zijn hoogst schijndood. De boom verwijst naar de boom uit de Apocalyps die zelf een spiegeling is van de ‘de boom des levens’ uit Genesis. De boom symboliseert het leven dat de dood niet kent. Vanachter de boom schijnt een klein helder tegenlicht, waardoor de door het ronddraaien steeds wisselende vorm van het wortel- en takkenstelsel prachtig zichtbaar wordt.

Over de kunstenaar

De Vrienden van Job is een stichting die in 2000 werd opgericht door drie bevriende beeldend kunstenaars: Wout Herfkens, Jan Meijering en Rinke Nijburg. Doelstelling van DVVJ is het organiseren van tentoonstellingen en projecten van hedendaagse moderne beelddende kunst met een religieuze of filosofische inhoud.

Eens in de 3 tot 5 jaar initieert DVVJ een groot project; daarnaast maakt DVVJ met regelmaat grote installaties. Voor uitvoeriger documentatie over DVVJ/HFF kun je terecht op de website: http://www.devriendenvanjob.blogspot.nl/

DVVJ concept-tentoonstellingen
In de ontreddering de kalmte bewaren, 37 antwoorden op van Gogh laatste nooit verstuurde brief (2015, Circa…dit, Arnhem),  Verspijkerd en verzaagd (2017, Het Noordbrabants Museum, Den Bosch, i.s.m. dr. Joost de Wal), Het is mooier als er mensen in zitten (2019, Oosterbeek, i.s.m. B53 en Scarabee),  In Cirkels (2021, Jan Cunen Museum, Oss, i.s.m.  Esmee Seebregts)

DVVJ installaties
De heilige met de grote mond (2016, Nepomuk-kapel Boxmeer, Oog om oog (2017, Kunstenlab Deventer), Feeding the Birds 1 (2018, Grote Kerk, Leeuwarden), Feeding the Birds 2 (2021, Odapark, Venray).

Sylvia van opstall

Hope (Japanese Heaven)

Materiaal en afmetingen

Mixed media

72 cm doorsnee

Korte beschrijving

Hope is ontworpen vanuit de gedachte dat een oriëntatie op nieuwe vormen en nieuwe werelden niet aan de horizon ligt, maar dichtbij. Dichtbij ligt de mogelijkheid om het nieuwe in het oude te herkennen. Niet als een vervanging of verwerping, maar als transformatie.

Stille aandacht, positieve rust en het aanwenden van oude kennis dienen als katalysator van het nieuwe. Dit is het spanningsveld waarin ik werk: de ontmoeting van ‘oud’ ambachtelijk kunstenaarschap en ‘nieuwe’ conceptuele intensiteit.

In deze zin bouw ik mijn werk op uit talloze ‘traditionele’ miniatuurelementen die ik tot in de kleinste details ontwerp en produceer, om uiteindelijk de grotere visie als natuurlijke ruimtelijkheid te laten ontstaan; zichzelf te laten formuleren. De objecten en panelen maken door hun heldere, organische structuren een monumentale indruk, maar nodigen tegelijkertijd uit tot intieme nabijheid door de kracht van het uitgewerkte detail.

Deze reliëftaal weerkaatst tegelijk ritmes en patronen uit de natuur, particle physics en menselijke energie en activiteit. De schaal van de perceptie is uiteindelijk aan de kijker.

Hoop, het onvervulde vertrouwen, is stil. Zoals blad metalen en pigmenten het daglicht volgen, van nieuw moment tot nieuw moment.

 

Over de kunstenaar

Sylvia van Opstall  verweeft vanuit haar multidisciplinaire achtergrond in decor-en kostuumontwerp, model-making, textiele werkvormen en klassieke schildertechnieken een rijkdom aan tradities tot een nieuwe kunstvorm:“Loominance”.

Talloze miniatuur-elementen die zij tot in de kleinste details ontwerpt en produceert, voegt zij zodanig samen op paneel, dat er beweeglijke energievelden ontstaan.  De objecten en panelen maken een krachtige, haast monumentale indruk door hun heldere lijnen, vormen en structuren. Tegelijkertijd nodigen ze uit tot nabijheid door de bekoring van dat uitgewerkte detail. Dit spanningsveld is bijzonder en ontstaat alleen waar ambachtelijk kunstenaarschap samengaat met conceptuele intensiteit.

www.loominance.nl

Arie de Ruiter

De Bruidegom

Materiaal en afmetingen

Papierkunst

Afmetingen: 29 x 39 cm

Korte beschrijving

In het evangelie noemt de Heer Jezus zich de bruidegom. Zolang Hij er is behoeven de bruiloftsgasten niet te vasten (Lucas 5, 34). Hij gaat op weg naar Jeruzalem naar het moment dat Hij van de aarde zal worden weggenomen (Lucas 9, 51). Dit is dag van zijn Hemelvaart. Na de hemelvaart keren de leerlingen vol vreugde terug naar Jeruzalem. (Lucas 24, 50-52). En ook belooft Hij dat Hij pas weer wijn zal drinken bij de komst van zijn Koninkrijk. (Lucas 22,18). In het boek Openbaringen wordt Zijn bruiloft aangekondigd: “Want de bruiloft van het lam is gekomen en zijn bruid staat klaar.” Ook moet Johannes deze woorden schrijven: “Gelukkig zijn zij die voor het bruiloftsmaal van het Lam zijn uitgenodigd”. (Openbaring 19, 7-9). De nieuwe en de nieuwe aarde begint dus met de bruiloft van de Bruidegom Jezus! De gemeente is zijn bruid. Wij verwachten in het geloof één groot feest! Zo zal de nieuwe hemel en de nieuwe aarde mogen beginnen!

Over de kunstenaar

Arie is geboren in 1950 in Giessendam. Na een opleiding tot leraar basisonderwijs en een studie theologie in Bazel en Amsterdam werd hij pastoraal medewerker in Tholen en Poortvliet. Hij was vervolgens Predikant Geref. Kerken en PKN in Oostkapelle, Boornbergum en Genderen. Sinds zijn emeritaat in 2015, verzorgt hij hulpdiensten in de Hervormde Gemeente te Baardwijk (Waalwijk).
Arie is sinds november 2016 bezig met papiersnijkunst. Hij neemt regelmatig deel aan kunstroutes en tentoonstellingen.

Guus Verzellenberg

Hope

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 140 x 50 cm
Materiaal: materiedruk, recycled papier

Korte beschrijving

Hoop is meer dan verlangen, maar nog geen vertrouwen.
In de trias hoop, geloof en liefde staat hoop niet zomaar op de eerste plaats. Het is de ervaring, de drijvende emotie als er verder weinig anders is om je aan vast te houden. Hoop is de bezieling waarop misschien wel de magie van het geloven berust. Volgens sommigen is hoop zelfs de  innerlijke drijfveer die de liefde vervult. 

Spiraal
De spiraal is een universeel patroon in de natuur: de astronomische, spiralende sterrenstelsels, de logaritmische bouw van de nautilusschelp, de rangschikking van de zaden in een het hart van een zonnebloem, de draaiing van de moleculen in de fameuze dubbele helix van ons DNA. 

Spiralen inspireren mij als beeld. Ze dragen zowel een doorgaande beweging als verstilling. Twee kwaliteiten die ik ook in hoop voel. In het bekijken van een spiraal worden je ogen verleid tot centripetaal of centrifugaal volgen. Op een zeker moment ervaar je een derde dimensie: je wordt erin getrokken of eruit geduwd.

De spiraal als haast archetypische vorm komt voor in talloze culturen. Er worden zelfs spirituele eigenschappen aan toegeschreven als ze worden aangetroffen op de muren van prehistorische tempels.

Werk
Dit werk toont verbrokkeling, alsof het dreigt uiteen te vallen, en de ervaring dat zich daar iets uit los maakt. In deze compacte spiraal beleef ik tegelijkertijd beweging en rust. Een focus. Hoop.

Over de kunstenaar

‘Kijken was altijd mijn eerste inspiratie.
Kijken naar mensen, landschappen, lichtval, kleurencombinaties en natuurlijk andere kunst.
Een kijker heeft veel te zien…’

De drijfveren van Guus Verzellenberg zijn zowel het plezier in experimenteren en spelen met vorm en materiaal, als onderzoek naar de essentie van het beeld. Hoe kunnen vereenvoudiging en verstilling de zeggingskracht van het werk versterken?
In de laatste jaren betrekt hij de ambachtelijke beperkingen van het grafisch werk in dat onderzoek. Materie-drukken waarbij reliëf, gebruik van carborundum en andere toevoegingen in de inkten en de keuze van papier subtiel bijdragen aan het uiteindelijke resultaat

Guus leeft, sinds hij zijn werk als huisarts en docent beëindigde, zijn levenslange passie voor kunst helemaal uit. In zijn studententijd was hij tekenaar op het instituut voor Anatomie en Embryologie te Utrecht. Daarnaast volgde hij cursussen beeldend vormen en schilderen (Artibus in Utrecht, Spinhuis in Den Bosch) 

Sinds 1980 maakt hij deel uit van de kunstenaarsgroep “de Nullen” te Ledeacker.
In 2006 was Guus mede oprichter van ‘De Kunstkolk’. Dit kunstenaarscollectief beijvert zich om een platform te creëren voor beeldende kunst in de gemeente Boxmeer. 

www.guusverzellenberg.nl

Tom van Campenhout 

Maagdelijke Bouwwerken

Materiaal en afmetingen

Hout, plastic, karton, metaal

Afmetingen: 150 x 190 x 190 cm

Korte beschrijving

Tom van Campenhout maakt zijn “maagdelijke bouwwerken” van afvalmateriaal dat hij kreeg of vond in containers. Het is in elkaar gezet als een breiwerk met alles wat maar voorhanden was, met een minimaal gebruik van gereedschap. Geen prachtige verbindingen, gladgeschuurde randen of gepolijste stukken. Ruw, wat voorhanden is, is gebruikt, alle materialen – duur of nutteloos – zijn even belangrijk. Vandaar alles ook wit geschilderd is.

Het is een opeenstapeling, zoals de toren van Babel. Misschien zijn het fabrieken waarbij alles even belangrijk is, wit zodat de voetafdruk zo maagdelijk mogelijk blijft. Met respect voor alles en iedereen. Geen individuele belangen maar gemeenschappelijke. Geen individuele rijkdom, zingeving, bestaansrecht maar gemeenschappelijke

Kyra Cramer en Bert saal

 

Oneindig

Materiaal en afmetingen

3Dprint Woodfill, krijtgrond, goudpigment, eitempera

452 x 212 x 102 mm (opschaalbaar)

Korte beschrijving

Dit werk is een abstract icoon. De kaders en regels staan hier los van de traditionele iconen. Het is geïnspireerd door het thema: “Nieuwe Aarde” en het symbool “8”. Het werk verbeeldt de oneindigheid tussen schepping en kosmos. De acht staat voor de spirituele kracht en de energie die continu blijft stromen zonder begin of einde. Het hout staat hier symbool als natuurlijke drager van het bouwen. Door de vensters schijnt het licht van de eeuwigheid. Bij zien van het werk ontstaat het gevoel dat je door het kunstwerk heen loopt en zo deel uitmaakt van een eindeloze wandelgang. De kijker ervaart onderdeel te zijn van een groter geheel.

De kleur “wit” staat voor de oorsprong en nieuwe schepping. Het “oranje” is de kleur van de kosmos, het hemels vuur. Het “goud” staat voor het spirituele wat beide verbindt.

Bij de Kelten stond de acht voor oneindige spirituele liefde. Bij de Arabieren staat dit symbool als kracht die de schepping zelf is. In de bijbel staat de acht voor het begin van een nieuw tijdperk. De acht staat voor balans en evenwicht en zorgt voor harmonie tussen mens, dier, plant en aarde. Het is energie die stroomt en los staat van één individuele vorm van zijn.

 

Over de kunstenaar

Kyra Cramer, beeldend kunstenaar (HKA), en Bert Saal, industrieel ontwerper  (TU Delft), inspireren elkaar ieder vanuit hun eigen discipline bij het maken van nieuwe werken. Beide delen ze hun liefde en fascinatie ten aanzien van natuur en mens. Actuele thema’s als menselijkheid, dierenwelzijn en behoud van onze aarde staan hierbij centraal. Hun werken ontstaan uit een samenspel tussen fijne kunstambacht en moderne techniek zoals de oude schildertechniek en de 3Dprinter.

https://kyracramer.com/
https://www.facebook.com/3D-Amsterdam-1557495801134275/?ref=bookmarks

Bastiaan van den Berg

Tranentent

Materiaal en afmetingen

katoen, frame

3 x 3 m

Korte beschrijving

De tent bestaat uit zo’n 60-80 gebruikte zakdoeken. Als fysieke plek refereert het aan de woonplaats van God, maar ook aan kinderherinneringen van een tent maken met de doeken die voorhanden waren. Een plek waar je veilig was, je fantasie de ruimte kreeg. Zakdoeken voor tranen die in nieuwe aarde er niet meer zijn en dus een andere functie kunnen krijgen (Opb. 21:3-4). Een kunstwerk staat nooit op zichzelf, de expositieruimte geeft ook kleur. Zeker in een kerk. Een kerk is een plek waar de bouwers een stukje hemel op aarde wilde brengen. Een godshuis. Daar deze  tent neerzetten wat in de Bijbel ook een bekende plek is waar God huist, gaat meteen een relatie aan met de expositieruimte die allerlei interessante vragen oproept.

Over de kunstenaar

Bastiaan van den Berg (1987) is werkzaam als programmamaker en kunstenaar. Opgeleid als theoloog en social worker, maakt hij kunst om uiting te geven aan dat wat niet in woorden te vangen lijkt. In zijn programma’s en in zijn kunst zoekt hij naar contrastervaringen. Ervaringen van vervreemding en verwondering die dwingen tot vertragen en bezinnen. Bastiaan maakt het liefst kunstinstallaties die een ruimte of plek op een nieuwe manier laat spreken of juist bewust maakt van het verhaal van de plek. De materialen die hij gebruikt zijn het liefst gevonden op de plekken waar hij zijn kunst maakt. Of het is materiaal die hij op één van zijn kringloopavonturen of avondjes op Marktplaats opgescharreld heeft. Spullen die al een leven en functie gehad hebben en om een ander gebruik vragen. ‘Ik maak geen kunst, ik orden opnieuw wat er altijd al was.’ Grote dank gaat uit naar zijn schoonmoeder die de zakdoeken voor de tranentent aan elkaar naaide.

www.injehemd.nl

 

Helena Arturaleza & Vondove

One

Materiaal en afmetingen

Schilderkunst

Afmetingen: 60 x 60 cm

Korte beschrijving

Met ‘One’ schilderde Helena Arturaleza en Vondove een gebed voor de mensheid, voor de genezing van onze planeet. In dit kunstwerk worden inheemse mensen afgebeeld kijkend naar de aarde. Hun boodschap? Als mensheid zijn wij een, vanuit samenwerking en geloof in de liefde kunnen wij samen een betere aarde creëren.

Mogen we ons herinneren dat we uit dezelfde bron komen, allemaal op dezelfde planeet Aarde. We moeten samen betere manieren vinden om de aarde te eren en deze werkelijk prachtige schepping voort te zetten.

De kunstenaressen, de een in Amsterdam, de ander in Australië, deden er 4 jaar over om het samen te voltooien, waarbij One door 8 landen over de hele wereld heeft  gereisd. 

Over de kunstenaar

“Mijn hart gaat overal waar de kunst stroomt. Verenigde kunst vanuit het hart.”

Helena is in 1992 geboren in een klein dorpje net ten noorden van Amsterdam. Ze is altijd een creatieve geest geweest; Van kinds af aan vond ze haar manieren om uit te drukken door middel van dans, muziek en schilderen. Haar artistieke reis begon op 19-jarige leeftijd toen ze werd gevraagd om kunst te geven aan haar leeftijdsgenoten tijdens haar Media & Design-opleiding. Daarnaast kreeg ze haar eerste opdrachten. Als gevolg hiervan sloeg ze de kunstacademie over en begon ze haar leven als professioneel kunstenaar. Met de wereld als haar leraar omarmde ze het leven als reiziger, ontwikkelde ze haar eigen stijl en leerde ze zichzelf schilderen. Na enkele jaren levenservaring studeerde ze bij verschillende kunstenaars aan de Weense Academie voor Visionaire kunst.

Leven, kleur, natuur en mensen inspireren Helena’s werk. Haar werk kenmerkt zich door spiritualiteit ook wel bekend als visionaire kunst. Visionaire kunst inspireert een wereldwijde beweging, die een dieper inzicht geeft in het leven dat via beelden wordt gecommuniceerd.

www.arturaleza.art

Henk Kapitein

Openbaringen 21

Materiaal en afmetingen

Zwart wit papier. Gereedschap is schaar, mes en holpijp

Korte beschrijving

Kapiteins papierkunstwerk is onderdeel van zijn collectie knipwerk rond Bijbelse gegevens.

Dit jaar maakte hij naar aanleiding van de Open Call een werk over Openbaringen 21: “In het kunstwerk heb ik weergegeven dat op de jongste dag God de schare die niemand tellen kan tot zich zal nemen, opheft uit de zee van onrust, ziekte en geweld. Ons draagt naar het nieuwe Jeruzalem, de stad met 12 poorten waar de boom des levens bloeit. De stad die neerdaalt uit de wolken. De gouden stad die blinkend straalt omdat HIJ zelf het licht zal zijn. En dan zal die zee vol met al onze ongerechtigheden achter ons gelaten worden, deze zal er niet meer zijn.”

Over de kunstenaar

Henk Kapitein is sinds 1992 actief als Psaliegrafist (papierknipkunstenaar) en is daarnaast docent Beeldende Vorming aan het VMBO.

Kapitein is voorzitter van de Nederlandse Vereniging Voor Papierknipkunst. Deze kunstvorm kent een rijk historisch verleden. Johanna Koerten was een tijdgenote van Rembrandt van Rijn en genoot grote bekendheid met haar knipwerken.

Als beeldend kunstenaar is Kapitein steeds op zoek naar vernieuwingen binnen de papierknipkunst. Naast veel andere knipwerken, maakt hij ieder jaar als uitbreiding van zijn collectie een nieuw knipwerk rondom een Bijbels gegeven. 

Francine Steegs

The Hereafter

Materiaal en afmetingen

Acryl op doek, 2019

100 x 120 cm

Korte beschrijving

Dit recente werk verbeeldt een verlaten wereld, een onbekend en mysterieus continent.

Een wereld die er misschien vóór ons bestaan al was of die er na ons resteert of die alleen in ons onderbewustzijn bestaat?

Een beeld dat vragen oproept bij de kijker zonder eenduidige antwoorden te geven.

Over de kunstenaar

Francine Steegs is schilder en zeefdrukker en heeft haar atelier in de Willem-twee fabriek  in ’s-Hertogenbosch. Impressies van landschappen en variaties op melancholische portretten domineren haar schilderijen en zeefdrukken. Haar werk gaat over de verbeelding van het tijdloze, datgene wat onveranderd blijft. Vaak verwijst het naar het verleden: Landschappen en luchten die al eeuwenlang onveranderd zijn en portretten van oude meesters van eeuwen her. 

Steegs laat zich al jaren inspireren door het landschap op de Waddeneilanden. In 2017 werkte zij een tijd als artist in residency aan de ruige westkust van Ierland, wat resulteerde in een serie geschilderde en gedrukte landschapsimpressies.  in 2019 werkte ze in Alicante in Spanje aan portretten die geïnspireerd zijn op werken van Velasquez.

www.francinesteegs.nl

Sophia Bustin

Growth

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 100 x 70 cm
Materiaal: Olieverf op doek

Korte beschrijving

Sinds 2014 werk ik aan het project ‘The Prototypes waarbij ik de psychologische ontwikkeling van de mens ten opzichte van de maatschappelijke druk onderzoek. Nu, in 2020, ben ik op het laatste niveau van de Prototypes aangekomen. Vandaar dat ik mij geroepen voel om een werk uit deze serie juist nu te laten zien. Om mijn visie op deze Nieuwe Aarde in verbinding te brengen met ‘de ander’.

De prototypes staan voor de emotionele niveaus bij de mens. Het Prototype van dit schilderij laat zien dat wij onszelf gaan heruitvinden en dat we openstaan voor meer compassie en rust. Om onze eigenwaarde niet meer af laten hangen van productiviteit en materiële status. Iedereen heeft de wereld in zich en iedereen maakt deze wereld tot wat het is. Stuk voor stuk hebben wij  betekenis en waarde. Op het schilderij groeit uit het groen, de nieuwe aarde, een kristalheldere bewustwording.

Een mensfiguur die de wereld in zich draagt als een energie. De mens staat niet meer los van alles op eigen benen maar wordt opgenomen in het geheel der dingen. Verschillende vormen herenigen zich in het mensfiguur. Mensen gaan weer de verbinding aan met zichzelf, met elkaar en met de wereld. Klaar voor een nieuwe aarde.

Over de kunstenaar

Sophia Bustin (Den Haag, 1995) studeerde cultuurwetenschappen en autonome beeldende kunst. Haar werk gaat over de ontwikkeling en het aanpassingsvermogen van de mensen om haar heen en de maatschappij waar ze zelf in leeft. Hierdoor heeft haar werk filosofische en psychologische aspecten. Naast schilderen schrijft ze gedichten en fotografeert ze regelmatig. 

www.sophiabustin.com

Adelheid en Huub Kortekaas

De Metafysische Tuin

Materiaal en afmetingen

Ontwerp

Korte beschrijving

In het werk van kunstenaarsduo Adelheid en Huub Kortekaas werden de Plant en in een later stadium de Bloem, de metaforen voor het intrinsieke verlangen van de mens om te groeien van het donker naar het Licht en de mens te worden die we in diepste wezen graag willen zijn. In 1987 – geïnspireerd op het scheppingsverhaal van Johannus N.T. 1:1-1:14 – ontwerpen zij een paradijselijke plek: “De Metafysische Tuin” –  een hortus conclusus als verbeelding van de geboorte van een nieuw mens en wereldbeeld, waar Plant – Mens en Bloem in de loop der jaren metaforisch samengroeien.

Metafysische Tuin

Over de kunstenaar

Als kunstenaars willen wij als inspirators en bruggenbouwers middenin de samenleving staan. Een groeiproces van Ik naar Wij in de bewustwording dat wij deel zijn van het grote geheel en dat we medescheppers zijn op deze aarde en de gezamenlijke verantwoordelijkheid die dit nieuwe levensgevoel met zich meebrengt. Ons bewustzijn wordt een creatief deelnemend bewustzijn, een overgang van individueel denken naar universeel denken. Deze Quantum-sprong genereert een totaal nieuw betekenisvol mens en wereldbeeld, een harmonische symbiose tussen het mannelijke en vrouwelijke, tussen natuur en cultuur, economie en spiritualiteit, tussen Oosters en Westers denken, tussen individu en maatschappij. Wij noemen dit Quantum-Art. Uit onze meer dan 50 jarige samenwerking is wereldwijd een omvangrijke symbolische universele verbindende beeldtaal ontstaan.

Home

Maartje van Gorp – Projections of Peace

Marriage of all religions

Materiaal en afmetingen

Live event


Korte beschrijving

Het kunstenaarskoppel Niels & Maartje wil de wereldvrede bevorderen met een even simpel als revolutionair idee: The Marriage of All Religions. 

“In ons beeld van ‘een Nieuwe Aarde’ zetten de wereldreligies samen aan tot vrede in plaats van verdeeldheid. Wij willen daarom, in het kader van ‘de Nieuwe Aarde’, trouwen in de Westerkerk en ons huwelijk laten inzegenen door vertegenwoordigers van de vier grote religies die in Nederland vertegenwoordigd zijn: Islam, Christendom, Jodendom, Hindoeïsme.

Met dit idee willen we een boodschap van verzoening de wereld insturen en symbool staan voor wereldwijde vriendschap tussen alle volkeren. Zo kan een ‘Nieuwe Aarde’ eruitzien.”

Uiteraard wordt de trouwerij/het kunstproject door middel van een foto- en videocollage getoond tijdens de verdere tentoonstelling.  

Over de kunstenaars

Maartje (1988) en Niels (1987) zijn een kunstenaarskoppel dat onder de naam ‘Projections of Peace’ al enkele jaren vrede uitdraagt via beeldende kunst en muziek. Met het project ‘The Marriage of All Religions’ willen zij dit nu ook gaan doen via grotere projecten met een zo breed mogelijk bereik. Met al hun projecten willen zij mensen op creatieve manieren verbinden en verenigen.

Geïnspireerd geraakt?