Selecteer een pagina

Inzendingen

longlist

CASPAR NOYONS

Maquette voor een nieuwe aarde

Materiaal en afmetingen

mixed media

50 x 700 x 80 cm

Korte beschrijving

In mijn werk verbeeld ik mijn visioen van een wetenschappelijke mythologie. Ik toon de maquettes van 6 grootschalige projecten, 6 podia, waar theatervoorstellingen, wetenschappelijke lezingen, dans en muziek elkaar afwisselen en zo rituelen vormgeven voor de “nieuwe aarde”. Het doel is om te trachten de kloof te overbruggen die sinds de Verlichting is ontstaan tussen onze spirituele binnenwereld gemaakt van visioenen, gevoel en intuïtie, en de praktische wetenschappelijke en technologische buitenwereld. Hier vinden ze een plek om elkaar te ontmoeten en zich in elkaar te spiegelen. Ze laten zich hiervoor inspireren door de rijkheid aan wijsheden en tradities uit het verleden.

De eerste maquette is de kosmografie van Dante’s Goddelijke Komedie die zelf ook weer een combinatie is van de kosmografie van Johannes in de Openbaringen en het Griekse wereldbeeld. Dante’s wereldbeeld spreekt nog een volledig mythologische taal, vol van poëtische kracht en vormt zo ook de inspiratie van alle overige projecten. Geleid door een audiotour, zoals Vergilius Dante leidde, reist de bezoeker via Einstein’s relativiteitstheorie (maquette twee), naar de DNA-molecuul en de virussen (maquette 6). “We are talking to ourselves. (…) We have broken the great conversation and (…) we have shattered the universe”, schreef Thomas Berry. Laten we opnieuw het grote gesprek aangaan.

Over de kunstenaar

Caspar Noyons (1988) is een Nederlands / Franse kunstenaar gevestigd in Amsterdam. Na het afronden van zijn bachelor architectuur aan de TU Delft vestigde hij zijn eigen kunstpraktijk op het gebied van tekenen, beeldhouwen, installatie, performance en video.

 

Artist statement:

Mijn kunstwerken hebben één gemeenschappelijk doel: “Mythologizing Science”. Als kunstenaar kijk ik naar de wetenschap met de ogen van een dichter, en ik wil deze grote wetenschappelijke feiten metaforisch tot ons laten spreken. Ik wil dat ze levend worden en ons meer vertellen over wie we zijn en waar we vandaan komen . Dit is een werk van het vertalen van feiten naar verhalen en het betekenis geven. Het is geen wetenschap meer, maar een soort bijproduct van deze grote ontdekkingen die iets zullen worden waarmee we ons emotioneel kunnen verbinden en waarmee we ons psychologisch kunnen identificeren, zowel als individu als als samenleving. In deze gedeelde ervaringen worden de geboorte en dood van sterren, de evolutie van het leven en de vorming van bergen en oceanen onderdeel van ons collectieve verhaal, onze collectieve identiteit. 

 

Niet-westerse kunst inspireert mij daarbij bijzonder. Kunstenaars zijn voor mij de myth makers, verhalenvertellers, sjamanen: door middel van kunstwerken zijn we in staat om op afstand naar onze wereld en ons leven te kijken en te zien hoe het allemaal in een groter geheel past. We nemen deel aan wat Tomas Berry noemde “Het geweldige gesprek”: het gesprek tussen de mensheid en al het andere. Het probleem met onze huidige samenleving is dat we gestopt zijn met dit ‘geweldige gesprek’. Ik zie het als mijn taak om een moderne taal te vinden om er weer mee bezig te zijn. 

 

Terwijl ik probeer dit geweldige tijdloze verhaal over mythologie na te vertellen, raak ik ook enorm geïnspireerd door het werk van Joseph Campbell en zijn uitgebreide studie van vergelijkende mythologie en religie. Hoe meer ik mythologieën bestudeer, hoe meer ik verbaasd ben te zien hoe poëzie, muziek, architectuur, schilderkunst en beeldhouwkunst niet omwille van zichzelf werken, maar samen om een transformatieve ervaring te creëren . Ik denk dat onze samenleving zulke ervaringen enorm mist en het is de taak van kunstenaars om ze in een taal van vandaag te bieden.

 

www.casparnoyons.com

Marian Bijlenga

Universum

Materiaal en afmetingen

Mixed Media, 2020

193 x 210 cm

Korte beschrijving

Op het oog hebben haar tekeningen in textiel een vrij zwevend aanzien voor de wand. Door de stof in draden, strepen, stippen en vlekken te verstevigen maakt ze composities die voor de wand een tweedimensionale verschijning aannemen. Alle los ogende elementen brengt ze met onzichtbare draden in een zonderling onderling verband. Door het werk op afstand van de wand te plaatsen ontstaat een schaduw die deel uitmaakt van het totale werk. Licht is daarom van wezenlijk belang.

Het uiteindelijke resultaat is een samenhang van verschuivende en interfererende structuren die los voor de achtergrond bewegen. Je blik schiet in die dynamische texturen heen en weer tussen lijnen, stippen en de leegte ertussen. Voortdurend volg je een onderling verband tussen de onderdelen van een compositie, in feite zoals je naar de nachtelijke hemel kijkt door met denkbeeldige lijnen tussen de hemellichamen de figuren van oplichtende sterrenbeelden te tekenen. Haar ruimtelijke tekeningen vormen een door haarzelf ontdekte en tot stand gebrachte zodiak.

(Tekst: Alex de Vries)

Over de kunstenaar

Marian Bijlenga ( Loenersloot, 1954) woont in Landsmeer en werkt in Amsterdam.

Ze volgde haar opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam 1977-1982.

 

Caroline Waltman

Traan

Materiaal en afmetingen

Digitale foto, geprint, 2019

Verhouding 2:3, grootte is flexibel

Korte beschrijving

De nieuwe aarde die ik voor me zie. Bij Openbaring 21 denk ik aan de symboliek van het huidige transformatiemoment.

Dit is een foto van een boom met smeltende sneeuw. Het lijkt zo net een traan. Een eenzame traan op zo’n groot oppervlak. De traan van God misschien?

Ik heb wel eens horen zeggen dat die ook huilt. Om hoe wij omgaan met elkaar en onze grondstoffen, soms als onuitputtelijke inwisselbare bronnen.

Vroeger zou Corona gezien worden als een straf van God. Nu wordt dit virus in de Westelijke wereld wellicht eerder gelezen als het verdriet van de Onnoembare. Of als kans om naar aanleiding van dit vreselijke virus de toekomst ten goede te wenden. Richting een groen visioen waarin welvaart eerlijk verdeeld is. Waarin de bodem van de bodem gezien en gerespecteerd wordt. En er voldoende is van alles.

God hier en nu heeft tenslotte een steeds meer menselijke gedaante aangenomen in de hoofden van veel (jonge) mensen. Openbaring 21 vraagt erom het visioen hoog te houden. En tegelijk vraagt het om menselijke proportie. Ik zie woorden als God en Nieuwe aarde als werkwoorden.

Beide vragen om actieve transformatie naar een betere wereld. Ik heb een foto ingestuurd van een vrij alledaags (winter)tafereel. Juist om het menselijke karakter van God te benadrukken. En de Goddelijkheid van de aarde waarop wij wonen.

Over de kunstenaar

Kunstenaar Caroline Waltman beweegt zich tussen fotografie, sculptuur, tekst, film en grafiek. Haar werk is meerdere malen geëxposeerd, in binnen- en buitenland. In haar werk onderzoekt Waltman verschillende aspecten van genezing, in grote en kleine verbanden.

“Ik ben aangetrokken tot grote verbanden maar wordt gedreven door mijn liefde voor het detail.”, aldus Waltman. Het Bijbels Museum werkte eerder met Waltman samen in de tentoonstelling Zie mij. De Bijbel in 609 foto’s.

www.carolinewaltman.nl

Henk heideveld

God’s First Name is Art

Materiaal en afmetingen

Scheerzeep, poeder, 2020

18 tekstwerken van 30 x 30 cm

Korte beschrijving

De nieuwe mens die straks door ‘Het Nieuwe Jeruzalem’ wandelt zal geen uniforme mens zijn. Onderlinge verschillen in voorkeuren, smaak, talent, maar ook levensbeschouwing en levensfilosofie zullen de liefdevolle omgang met elkaar verrijken en veraangenamen.

‘GOD’S FIRST NAME IS ART’ bestaat uit 18 ‘tekstenwerken’, teksten die goed op de stoepen van de hemelse stad kunnen worden aangebracht. Ze nodigen uit tot beschouwing, reflectie en interpretatie. De nieuwe stedelingen zullen immers naast een blakend fysiek bestaan ook graag een zinvol geestelijk leven willen leiden. Geplaatst in de Westerkerk verwijzen zij in een doorlopende volgorde op de vloer tevens naar de kloostergang waar monniken en monialen een rondgang maken van fysieke- of meditatieve aard.

De tekstwerken vormen inhoudelijke vertrekpunten die een BEELDENDE werking beogen bij de beschouwer.  Vertrekpunten die verwijzen naar een veld van zin en zodoende met name een in hedendaagse kunst geïnteresseerd publiek tot interpretatie uitnodigen.

Het woord GOD in dit werk refereert aan de gehele monotheïstische traditie. De teksten staan in de internationale taal van het nieuwe Jeruzalem, het Engels.

Over de kunstenaar

Henk Heideveld, woont en werkt in Zwolle. Hij volgde tekenlessen bij Cees Graswinckel in Zwolle en bezocht kunstacademie Minerva in Groningen. Ook volgde hij privélessen van Arie Stronks, Maarten Binnendijk en Henk Schuring, docenten Aki Enschede. Heideveld is sinds 1977 fulltime beeldend kunstenaar. Hij tekent, schildert, fotografeert en maakt performances. Heideveld exposeert veel, publiceert regelmatig en geeft lezingen en workshops. 

www.henkheideveld.nl

Harry knopperts

Bron

Materiaal en afmetingen

olieverf op doek, 2013

200 x 280  cm

Korte beschrijving

De verhouding van de mens tot de natuur is een leidend thema voor Knopperts omdat hij bezorgd is over de toekomst van de aarde. Bron is een visionair schilderij uit een serie over de gelijktijdige verantwoordelijkheid van de mens voor de vernietiging en het in standhouden van flora en fauna. Zoveel is duidelijk: Corona is mede een gevolg van de destructie want daardoor komen te veel dieren te dicht bij de mens.

 

Het landschap is desolaat; door een bom, verontreiniging? Is de figuur met de ladder een engel, afgedaald om te straffen? Hij kan ook gewoon een man zijn die gaat redden wat te redden valt of naar de hemel wil klimmen. Die opties bieden een toekomst, hier of hierna. Het hoopvolle roze van de bron contrasteert met de sombere context en wordt gespiegeld in een aureool tegen de donkere lucht. Een ander werk uit dezelfde serie verwijst naar de kruisiging toen de aarde duister werd. Christus’ kruisdood staat bij uitstek voor een nieuw begin. Zo is de dood een levensbron en duidt de titel Bron niet ook op nieuw leven? Welke rol hebben de vrouwen? Mogelijk zijn zij ontzet over wat zij zien, maar zij reiken naar elkaar met tederheid.

 

Knopperts laat de interpretatie aan de beschouwer. Een schilderij is voor hem pas geslaagd als het voor elke kijker anders kan zijn.

Over de kunstenaar

Henk van Os noemde de serie schilderijen waarvan Bron er een is: ‘verbluffend’. Knopperts (Zutphen 1955) werd toegelaten tot de Academie voor Beeldende Kunsten in Arnhem toen hij vijftien was, wegens uitzonderlijk talent. Direct na zijn afstuderen won hij in Frankrijk de eerste prijs van de Salon International Jeune Peinture, Jeune Photo. Werk is opgenomen in de collecties van musea en de Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed en in particuliere verzamelingen in Nederland en het buitenland. De Deventer Musea voorzien een retrospectieve tentoonstelling, gepland voor zomer 2020. Die is door Corona afgelast. Naar een alternatief wordt gezocht. Bij die expositie verschijnt een monografie.  

Foto: Marcel Hoes

 

Rob schrama

Holy Land (2004)

Materiaal en afmetingen

olieverf op polyester

230 x 270 x 20 cm

Korte beschrijving

“Holy Land” is een feminien landschap en verbeeldt de Nieuwe Aarde. Het land is in harmonie, vol groen en koperen kleuren. Het midden heeft de contouren van de Dode Zee. Maar de zee is niet meer. Hij is leeg; een vrouwelijke leegte. Pas als de laatste druppel van de Dode Zee is verdampt, zal er vrede zijn. Dan kan een Nieuwe Aarde ook in het echt ontstaan: een heilig en veilig land voor 2 volkeren, verenigd in één land zonder grenzen. Een land waar het vrouwelijke regeert en waar geluk en voorspoed zal heersen.

Na mijn terugkeer uit Jeruzalem
Pak ik klei en begin te kneden
De tafel is groot maar mijn armen zijn kort
Waar ik klei, ontstaat een landschap
Erachter blijft een leegte
Zo maak ik een mal
Voor een kunstwerk
Een paradijselijke kleurenpracht

Ik hang het op in een galerie
Een vriend uit Jeruzalem zegt bij de opening:
“Dat gat heeft de contouren van de Dode Zee”
Ik zie dat ook en weet ineens de titel voor dit kunstwerk:
“Holy Land” En een stemmetje in mijzelf zegt:
“Pas als de laatste druppel zee is verdampt, zal er vrede zijn”

Dit kunstwerk is daarna niet meer in het openbaar verschenen
En nooit onder deze titel tentoongesteld.

Over de kunstenaar

Rob Schrama (1951) zet zijn kunst in als motor voor veranderingsprocessen. Meer dan 40 jaar lang organiseert hij in binnen- en buitenland acties, performances, happenings en festivals. Hij ontwikkelt concepten voor een hoopvolle toekomst en betrekt bij de uitvoering daarvan zo veel mogelijk mensen. Hij richt zich daarbij ook op Jeruzalem. Van 2007 t/m 2015 organiseert hij rondom het oude stadscentrum jaarlijks de vredesmanifestatie “Jerusalem Hug”, waar Palestijnen en Israëliërs zich verbinden in hun liefde voor Jeruzalem en hun wens naar vrede. Naast al deze activiteiten maakt Rob Schrama ook beeldend werk:  wandplastieken van polyester en olieverf.

 

Josefien Alkema

Tuin (2019) 

Materiaal en afmetingen

inkt op papier

142 x 125 cm

Korte beschrijving

Voor Nieuwe Aarde is door kunstenaars inspiratie geput uit zeer diverse bronnen en teksten. Josefien Alkema deed haar inzending, ‘geschilderd’ met natuurlijke materialen – gras, planten en takjes zijn als kwast gebruikt om structuren te maken – vergezeld gaan van een tekst, vrij naar de Perzische soefi-mysticus Jalal ad-Din Rumi:

Afscheid van het paradijs
Reis door de wildernis
Daarachter ligt een tuin
Ik zie je daar

 

Over de kunstenaar

Voor Josefien Alkema is de ervaring met de natuur is een mystieke ervaring; het gevoel opgenomen te zijn in iets groters en dat dit iets te zeggen heeft.

Een diepere laag van de zichtbare werkelijkheid; alledaagse dingen kun je met andere ogen bekijken. Een beeld kan het onzichtbare met zichtbare verbinden, het moment met de oneindigheid.

In haar werk laat zij iets zien van deze manier van leven en kijken. Dit maakt dat het werk verstild is, of juist de dynamiek laat zien die je in de natuur ziet in groei, wind en licht. Alkema werkt van waarneming naar abstractie, er blijft een associatie met de landschappelijke ruimte, de figuratie verdwijnt en de nadruk komt op structuren, ritme en compositie.

Josefien Alkema gebruik verschillende tekentechnieken en -materialen; houtskool, krijt, inkt en potlood. Daarnaast maakt zij collages en papiersculpturen van haar eigen oude tekeningen.

www.josefienalkema.nl

Ron van de Ven

Minderwinst

Materiaal en afmetingen

Hout

185 X 800 X 80mm

Korte beschrijving

Plotsklaps

zetten we een stap

terug

en dan ontstaat er

ruimte …

Winst

als gevolg van

minder.

 

Over de kunstenaar

Ron van de Ven, beeldend kunstenaar uit Tilburg, maakt (monumentale) sculpturen en twee dimensionaal werk. Hij tracht vooral een samenspel uit te drukken tussen ‘kracht’ en ‘kwetsbaarheid’, elementaire begrippen die hij terugziet in de architectuur, de natuur en het leven van de mens.

Zo vormen de romaanse kerken in het begin van zijn carrière de belangrijkste bron van inspiratie: de aanwezigheid van één lichtbundel die de gesloten ruimte doet ontluiken. Zijn toenmalige werk is veelal geometrisch, enigszins massief, maar kent ook altijd een opening.

Vanaf het nieuwe millennium begint Van de Ven in de natuur een soortgelijk samenspel te herkennen. Zo tracht het fragiele sneeuwklokje zich een weg te banen uit de harde wintergrond naar het licht. Zijn toenmalige organische en lineaire werk bestaat grotendeels uit rijzende groeivormen. Achter hun trotse façade onthullen deze figuren vaak een zekere melancholie of neergang.

De afgelopen jaren richt Van de Ven zich op het weergeven van de mens. Het archaïsch afgebeelde individu dient ons te herinneren aan zijn elementaire behoeften, zoals liefde, vrijheid en vriendschap. Deze wenselijke aspecten van de menselijke conditie bieden betekenis en hoop, maar zijn nooit een vanzelfsprekendheid.

www.ronvandeven.nl

Boukje Janssen

Nt. (I don’t need to see your face to know who you are) 

Materiaal en afmetingen

aquarel, kleurpotlood, grafiet en pastel op aquarelpapier

50 x 65

Korte beschrijving

I don’t need to see your face to know who you are is de titel van een serie portretten waar ik al geruime tijd aan werk. Ik gebruik hiervoor diverse media op papier: grafiet, kleurpotlood, pastel, aquarel en gouache.

Deze serie vond zijn oorsprong rond mijn twaalfde toen ik een documentaire zag over een man die door een ongeluk zijn gezicht was verloren. Ik was onder de indruk van de beelden toen de man het masker, zijn gezicht afdeed. De donkere holte die zichtbaar werd maakte me duidelijk dat de mens dus een ‘zijn’ moest zijn dat in een lichaam huist, …veel meer dan een gelaat of een buitenkant. Deze ervaring veranderde mijn kijken naar een mens. Naar een gezicht.

In de loop der tijd heb ik mijzelf geoefend in het waarnemen van een realiteit achter het zichtbare. Ik noem dit ‘energie lezen’. Door dit vaak te hebben gedaan (nog steeds) denk ik de wereld als eenheid te begrijpen. Als een geheel waar iedereen deel van is en zorg voor draagt. Naar mijn idee hoort het van nature bij de mens om zich met dit bewustzijn tot de wereld te verhouden en ik verwacht dan ook dat het in de toekomst steeds meer geaccepteerd zal zijn deze kwaliteit toe te passen.

Gaandeweg zal er een onvoorwaardelijk empathische en zorgzame samenleving ontstaan. Het hart van het individu wordt het hart van de samenleving.

I don’t need to see your face to know who you are – zijn notities van de lagen die ik achter het gezicht waarneem wanneer ik iemands energie lees.

Over de kunstenaar

Boukje Janssen (1971, Eindhoven) is kunstenaar – energy reader/healer. Ze woont en werkt in Amsterdam, waar ze haar opleiding volgde aan de Rietveld Academie en de Rijksakademie in Amsterdam. Voor meer beeldend werk zie haar Instagram-account: boukjebjanssen

Susan delsing

Nu  te zien (2020)

Materiaal en afmetingen

Foto

Korte beschrijving

 De foto is gemaakt naar aanleiding van een beeld dat ik kreeg toen ik aan het mediteren was en is het middenstuk van een drieluik. Ook de ontwerpen van de twee andere delen van het drieluik zijn gemaakt naar aanleiding van meditaties. 

De stukken kunnen aanzetten zijn tot vergroting van bewustzijn. Op energetisch niveau zijn we verbonden met elkaar of we er ons van bewust zijn of niet. Als we ons hiervan van bewust worden zullen we andere keuzes kunnen maken en kunnen we stoppen met elkaar te beconcurreren en ons juist richten op het ontwikkelen van nieuwe vormen van samenwerken.

 

Over de kunstenaar

Susan Delsing: creatief met leven. Ik ben opgegroeid in een kunstenaarsgezin en kunstenaar zijn was toch echt wel een doel. Gaandeweg leerde ik dat veel vormen van leven kunst zijn. Het gaat er niet om wat je doet maar hoe je vorm geeft aan alles wat je doet. Zo ben ik moeder, docent Afrikaanse dans en docent Nt2. Ik fotografeer en mediteer al lang. Dit is het eerste werk waarmee ik naar buiten kom. Als er een rode draad is in mijn leven dan is dat intense nieuwsgierigheid naar het grote geheel en de blijdschap en verwondering wanneer hier iets van, even zichtbaar wordt. 

 

HARRIE NIJHOF

Nieuwe Aarde

Materiaal en afmetingen

glasverf en spuitbus op gelamineerde plaat, 2020

70 x 60 cm

Korte beschrijving

Een engel liet mij een rivier zien van water dat levend maakt.

Het water was zo helder als kristal.

Aan beide kanten van de rivier stonden levensbomen.

Daar groeien twaalf keer per jaar vruchten aan.

De bladeren genezen de volken.

Niemand zal nog verdrietig zijn, treuren of pijn hebben.

Er zal geen nacht meer zijn.

En ze hebben geen lamp of zon meer nodig,

want God zal hun licht zijn.

 

Over de kunstenaar

Harrie Nijhof studeerde kunst aan de AKI in Enschede en theater aan de HKU in Utrecht. Hij noemt zijn schilderijen, tekeningen en objecten verbeeldingskaders. Ze duiden zelden, maar geven de kijker de mogelijkheid om binnen het gegeven kader, via de verbeelding, een eigen invulling te geven. De werken krijgen daardoor een eigen dynamiek die blijft boeien. Ze zijn dan ook nooit “gezien”.

Esli Tapilatu

Openbaring 19:11-16

Materiaal en afmetingen

Gerondbreid / geborduurd, 2019

195 x 330 cm

Korte beschrijving

Eind 2018 droomde ik over Openbaring 19:11. In mijn droom zag ik heel helder het beeld dat Jezus terug komt op zijn paard. In het beeld zag ik als het ware een illustratie. Ik ervoer heel sterk dat ik deze afbeelding mocht realiseren in een wandkleed.

 

Mijn ontwerp werd geselecteerd om uitgevoerd te worden in het TextielLab van het TextielMuseum in Tilburg. ‘Openbaring 19:11-16’ is de eerste van een reeks van 12 uit de serie ‘Revelation-project’. In deze serie verbeeld ik 12 Bijbelboeken in de vorm van kleurrijke wandkleden die uiteindelijk samen geëxposeerd worden. Het is mijn verlangen dat elk van de wandkleden daarna terecht zal komen in een andere provincie van Nederland.

 

Over de kunstenaar

Esli Tapilatu studeerde Grafisch ontwerpen aan de Kunstacademie in Groningen. Op dit moment werkt Esli aan het realiseren van De Bloeiplaats, een veilige plek van creatieve aanbidding. Esli is ook initiator van Capital of Happiness ( creatieve projecten). Onder deze noemers werkt Esli als projectmaker en samen met zijn vrouw als pionier.

www.capitalofhappiness.com

 

Hannah van doornum

De Engel en de Kunst van de Natuur

Materiaal en afmetingen

spuitverf, acrylverf, O.I inkt, oliepastel, kleurpotlood en grijs potlood, 2018

32 x 32 cm

Korte beschrijving

Op de tekening ‘De Engel en de Kunst van de Natuur’ is een Renaissance figuur zichtbaar op en tussen verschillende vormen. De vormen zijn organisch en hebben hun oorsprong in de natuur (jaarringen van een boom, golven, rotsen, (nerven van) bladeren, wolken).

 

Een utopie zal voor mij een wedergeboorte van een wereld zijn waarin de natuur het terug wint van de mens en met de mens samenleeft op een manier die wij nu niet kennen. De mensen kunnen klimmen, zweven (hebben we daar vleugels voor nodig en zijn we een soort engel-mensen?), meevliegen met de gevleugelde insecten en de vogels. Onderdelen uit de natuur pakken en ordenen, plakken, neerzetten in de lucht en daar zijn. Zee en water in de lucht en open stukken in de zee. Gangen, slierten en kronkels, alles mengt en is terug te vinden op plekken waar je het niet verwacht. Het verrast, groeit en gaat altijd door, waardoor de verrassing elke keer een verrassing is.

 

Mijn oma had vroeger een tekst in haar kamer hangen: ‘Natuur gaat boven alle kunst’. Tijdens het maken van dit werk moest ik regelmatig aan die tekst denken.

 

Over de kunstenaar

Hanna van Doornum (Borger, 1983) woont en werkt in IJsselmuiden. In 2004 is ze afgestudeerd aan de eerste graads docentenopleiding tekenen aan de Hogeschool voor de Kunsten Constantijn Huygens in Kampen (het huidige Artez in Zwolle). In haar tekeningen en schilderijen ligt de nadruk op relaties tussen kleuren en vormen van elementen uit een reële wereld, (zoals (delen van) planten, (water)dieren, grassen, knoppen, schelpen, etc. ) ondergebracht in een gecreëerde wereld.

Naast haar werk als kunstenaar is Van Doornum werkzaam als docent tekenen en kunstgeschiedenis in het voortgezet onderwijs en geeft ze teken- en schilderlessen vanuit haar atelier.

www.hannavandoornum.nl

Karin van der Molen

Een wereldwijd web

Materiaal en afmetingen

mixed media, 2020

ca. 200 cm x 200 cm x 200 cm

Korte beschrijving

Een nieuwe hemel, een nieuwe aarde, het zijn visioenen in een toekomst waar we op mogen hopen. Een glanzende kubus, van zuiverheid en eenvoud. Mijn schets voor een nieuw te realiseren werk in de Westerkerk is geïnspireerd op een verbeelding van de wereld als weefsel van verbindingen. Het visioen van een nieuwe aarde wil ik vormgeven in een zwevende grote vierkante vorm, die bestaat uit vele lagen geknoopt (vis)net, verbindingen die tot in het oneindige door lijken te lopen. Van dichtbij beschouwd vangen touwtjes van andere kleuren in het binnenste van het beeld de aandacht. Het is een beeld van verbinding, relaties, resonantie. In deze (nieuwe) wereld staat niets of niemand op zichzelf en zijn alle deelnemers zich daarvan bewust.

 

De metafoor van de wereld als weefsel komt uit het mythische verhaal van ‘Het web van Indra’. Daar wordt de kosmos verbeeld als een soort multidimensionaal spinnenweb, geweven door Indra. Het web bestaat uit draden, met op ieder knooppunt een glanzende parel. Alle parels op hun beurt weerspiegelen elkaar. Zo is alles in het universum in elkaar gespiegeld en met elkaar verbonden. Elke individuele schakel bevat de hele werkelijkheid en is tegelijkertijd onlosmakelijk verbonden met alle andere schakels.

 

www.karinvandermolen.nl

Over de kunstenaar

Karin van der Molen studeerde aan de Vrije Academie voor Beeldende Kunst in Den Haag (1992-1994). Sinds 1995 werkt zij als onafhankelijk kunstenaar. Karin is professioneel lid van Arti et Amicitiae, Nederlandse Kring van Beeldhouwers, Yatoo-i en AININ.

Recent exposeerde Karin van der Molen in (2018 in) Green Body, Sonahmo Gallery, South-Korea / Pulchri Studio, Den Haag / Cultural Capital of Europe, Leeuwarden / Sense of Place, Leeuwarden / L’Art par la Nature, Grande Synthe, France / Echigo Tsumari Triennial, Niigata, Japan / Art in Bosco, Capriasca, Switzerland / Huis als Museum, Amersfoort / Arti et Amicitiae, Amsterdam.

 

In 2017 was haar werk te zien in X-Sites, Gothenburg, Sweden / Gallery Dat Bolwerck, Zutphen / Artroute IJhorst (Grensloos Kunst Verkennen), Nederland / Artborne, Oosterbeek / Tsukuba Art Center, Tsukuba, Japan / The Story of Space, Panjim, India / MOG Museum of Contemporary Art, Goa, India

 

www.karinvandermolen.nl

Winfred Evers

‘Angles / Angels’

Materiaal en afmetingen

fotoprint (geconstrueerde fotografie), 2020

82 x 112 cm

Korte beschrijving

In Openbaring 21:1 wordt onder meer gesproken over een zuiverheid als van kristallen. ‘Het kubieke element’ staat voor mij symbool voor ‘zuiverheid / bewustzijn van handelen’. De zuiverheid waarover gesproken wordt, overstijgt mijns inziens de egocentrische stem in de mens.

 

Trekt de omnipotente intelligentie in deze crisis plotseling aan de rem? Om de mens zijn eigen handelen voor te spiegelen, iets dat wij hiervoor, in onze maatschappelijke hectiek, nooit zouden zien? Staan wij in onze menselijke / maatschappelijke evolutie niet voor een ontwakend besef van een alternatieve intentie? Een nieuwe ‘intentie van handelen’, een bewustzijn van wel overwogen collectief belang, voorbij een overwegend persoonlijk belang.

Misschien volgt er een toekomst van ingehouden handelen en onthaasting die ruimte biedt aan een alternatieve voldoening. Een intelligente krimp tegenover almaar woekerende groei, waarbij we als alternatief de blik naar binnen richten in een meer tevreden Nu.

 

Het fotowerk toont ‘verheffing’ richting éénpuntige focus; de kubus, die met een kwetsbaar punt verbonden is. Een punt verbonden met een vleugelachtig element, dat zich in de breedte ontvouwt. De centrale éénpuntigheid in het beeld is een punt van verstilling en contemplatie; de meest innerlijke kern verbonden met het Al.

 

www.winfredevers.nl

Over de kunstenaar

Winfred Evers (1954, Haarlem) schikte in de vroege jaren ‘80 objecten tot kleine stillevens en maakte installaties. Hij experimenteerde daarbij net zo lang met vormen, texturen en schaduwen tot een sterke compositie ontstond, die hij met zijn

technische camera registreerde en na de sessie vernietigde. Nadat Evers – van meet af aan veeleer scheppend kunstenaar dan volbloed fotograaf – in 1992 digitaal ging werken, namen niet alleen zijn mogelijkheden om beelden te monteren en te manipuleren exponentieel toe, ook inhoudelijk deed zich een verschuiving voor: van spannende objets trouvés naar eigenzinnige stadsbeelden en collages met een soms nadrukkelijk symbolische lading.

Het werk van Winfred Evers kreeg een prominente plaats in vooraanstaande tijdschriften zoals European Photography, Perspektief, Camera Austria en American Photographer en is opgenomen in belangrijke collecties in binnen- en buitenland.
Eric Min kenschetste het werk van Evers: ’een parallel universum in het grensgebied tussen herkenbaarheid en

abstractie – hoogst individueel en universeel tegelijk’.
(Bron: Utopia of Light, 2019)

Helene Min

Wat in de lucht hangt

Materiaal en afmetingen

installatie, vissenhuiden, 2020

230 cm x ca. 120 cm

Korte beschrijving

De stormen in dit voorjaar gingen voorbij, gevolgd door de invallende stilte. Verlangend te begrijpen wat er in de lucht hing dat zo voelbaar werd, ontstonden wolkenvormen van vissenhuid als lichte en transparante ‘stemmen’, hoorbaar wanneer we luisteren naar wat de natuur ons zeggen wil. Aankondigers van een tijd waarin de aarde vraagt om hersteld te worden en wij de samenhang weer kunnen verstaan.

Dit werk is een verzameling ruimtelijke vormen die een geheel zijn. Als materiaal gebruik ik vissenhuiden, tongen, die in het vroege voorjaar gevangen worden. Deze worden nat tot een vorm gedroogd. Het geschubde oppervlak herinnert aan het water en de zee. Net als de wolken water dragen verbinden de wolken-huiden in mijn installatie beide elementen. 

 

Fotografie: Cees Hin

https://www.mediamatic.net/en/page/157208/helene-min

 

Over de kunstenaar

Helene Min, Bergen, 1948

 

Opgegroeid aan de kust werk ik sinds de Academie in Gent, in havengebieden;

IJmuiden, en de NDSM in Amsterdam Noord, waar de grenzen diffuus zijn en het licht inspireert.

Hier ontstaan projecten die vaak tijdelijk van aard zijn en die ik in tekeningen en filmpjes vastleg.

Ninette Koning

Grondgedachte

Materiaal en afmetingen

Boterbloemgeel-geverfde wilgentenen en gele tie rips

250 x 250 x 90 cm

Korte beschrijving

Ninette Koning stuurde een ontwerp in, zoals zij zelf omschreef “Een brug tussen hemel en aarde. Stevig geworteld in de grond, met een ontvankelijke, open kelk die zich richt naar het universum.” Ze reflecteert daarmee op de relatie tussen mens, medemens, aarde en hemel. De mensheid maakt deel uit van de natuur. Het lot van de individuele mens is verbonden met het lot van de gehele mensheid. De mens kan verandering op gang brengen door zichzelf te helen. Een levensstijl die zijn menselijkheid niet aantast noch die van de natuur. ‘Aangespoord door de verontwaardiging over de rücksichtslose wijze waarop wereldwijd bossen worden gekapt en dierensoorten worden uitgeroeid uit louter winstbejag, komt de bezinning op de relatie mens en aarde veel meer op scherp te staan. Deze verhouding is niet los te zien van de relatie mens-medemens. Daarbij kan dan ook de vraag op tafel komen hoe de universele levensenergie betrokken is bij de wereldwijde worsteling om een nieuwe verhouding tussen mens, medemens, natuur en kosmos te leven en te denken.’ (vrij naar: Bas van den Berg)

Over de kunstenaar

De kracht van de eenvoud binnen een chaos aan mogelijkheden.

De natuur heeft mijn interesse vanwege de talloze contrasten die zich hierin bevinden en die in directe verbinding staan met de mens. Contrasten als integratie en scheiding, chaos en orde. Deze zijn aan constante veranderingen onderhevig. De natuur is altijd in beweging. Om mijn kunstwerken te intensiveren onderzoek ik deze contrasten. Achter de chaos van contrasten schuilt sereniteit in eenheid.

Er is vaak een charisma van natuurlijke sereniteit en soberheid in mijn werken, een evenwicht verkregen door de contrasten.

Margriet van Breevoort

Totem

Materiaal en afmetingen

per los mensfiguur ca. 70 x 40 x 40 cm, per toren van drie 210 x 40 x 40 cm
Materiaal: siliconen, kunststof/hout

Korte beschrijving

De mens heeft zich in de toekomst in zoverre geëvolueerd dat hij door alle regels en organisatie structuren daadwerkelijk vierkant is geworden. Efficiënter kan niet. Hij is zelf het product geworden van zijn moderne maatschappij, ingekapseld door de technologische samenleving. We zijn onderdeel geworden van een groter organisme. Bijna als een soort Huxley-achtige dystopie, waar elk mens als product een eigen functie krijgt en niet meer leeft om te leven maar om deze functie te vervullen voor het grotere geheel. Tegelijkertijd verafgoden we onszelf. Wij zijn de climax van de evolutie. We kunnen alles. Wij zijn god. De losse rechthoekige mensfiguren staan als totempalen opgestapeld om zo deze futuristische mens te kunnen aanbidden.

Over de kunstenaar

Margriet van Breevoort werd geboren in Amsterdam in het jaar 1990. Ze studeerde aan de Hogeschool voor de kunsten Utrecht en behaalde in 2013 haar diploma.
Haar werk betreedt een dunne scheidslijn tussen het uitzonderlijke en het onmogelijke en laat de kijker een buitengewone wereld ervaren door het gebruik van hyperrealistische beeldhouwtechnieken.
Met haar werk probeert ze een netwerk van tegenstellingen te benadrukken, waaronder de dialectiek tussen mens en natuur, het organische versus het technische, en de schuld en onschuld.

Ze verwondert zich over een natuur die enkel onder voorwaarde van de mens kan bestaan en probeert deze twijfel over wat men de natuur in het Antropoceen noemt weer te geven in haar werk. Vragen over authenticiteit drijven daarom de totstandkoming van veel van de werken die ze maakt. Kunnen we nog wel spreken van het ‘natuurlijke’ als alles wat de mens als natuur beschouwt, is beïnvloed door en bestaat bij de gratie van de mens zelf?

 

 

 

cissy van der Wel

Where the light is

Materiaal en afmetingen

Albast en Esdoorn

50 x 30 x 15 cm

Korte beschrijving

Dit werk is gemaakt in de eerste weken van de corona crisis. Het vloeide als het ware uit mijn handen. De kolommen van albast had ik liggen in het atelier en ook het stuk esdoorn. Dus de materialen waren voorhanden. 

Het werk vloeit voort uit een thema waar ik al een tijdje door gefascineerd ben: “wortelen” en het “ontworteld” zijn in een land, een cultuur, een maatschappij, op een plek.

Wat betekent het voor een mens om geworteld te zijn? En het ontworteld zijn dan? Hoe ervaren mensen dit?

Where the light is.

De wortels steken met hun kopjes boven de aarde uit.

Albast heeft de eigenschap dat het transparant is. De kopjes geven daardoor als het ware licht.

In deze tijd van verwarring en onzekerheid is het belangrijk om geworteld te zijn. Om terug te kunnen vallen op bepaalde zekerheden als een plek, werk en jouw specifieke sociale omgeving. 

De twee kolommen van albast zijn verbonden met esdoornhout dat op dezelfde manier bewerkt is als de steen.

Om dit beeld een corona – beeld te noemen gaat me te ver. Maar zou ik het ook zo uitgevoerd hebben in een andere, meer normale, tijd? 

Het beeld mondt uit in transparante toppen en daar heb ik helemaal naar toe gewerkt, zodat het als het ware “licht” geeft.

Naar het licht is mijn visioen.

 

Over de kunstenaar

Het materiaal dat Cissy van der Wel gebruikt is voornamelijk natuursteen. 
De processen in de natuur zijn een belangrijke inspiratiebron. Denk bijvoorbeeld aan de vorm van een spiraal in een groei- en transformatieproces.
In deze tijd waarin men de termen snel en vluchtigheid maar al te goed kent, is het werken in steen net als de natuur van een andere orde. Het gaat bij beiden langzaam. Beelden in steen stralen rust uit en nodigen uit tot bezinning. Beeldhouwen is voor Van der Wel spelen met licht en donker, ruimte en massa, om zo al ordenend tot een evenwichtig en helder beeld te komen.

  

www.cissyvanderwel.nl

 

Hans Stapel

Nieuwe hemel en aarde

Materiaal en afmetingen

Gemengde technieken op doek

100 x 70 cm

Korte beschrijving

Het schilderij verbeeldt de huidige wereld op de voorgrond die zucht in de barensweeën. Ondanks de verbrokenheid gaat God met zijn wereld door en zijn en ontstaan er telkens weer nieuwe openbaringen van Gods werk en aanwezigheid (het goud op de voorgrond). Echter de nieuwe wereld waar we zo naar verlangen, komt er aan. Thans nog verhuld maar de contouren tekenen zich al af (de tweede wereld op de achtergrond). Witte plekken maskeren die nieuwe aarde nog maar die wereld zal vol zijn van zijn heerlijkheid. Die nieuwe hemel en aarde zijn alleen mogelijk gemaakt door het lijden en sterven van Jezus aan het kruishout (de donkere, horizontale dwarsbalk). Het kruis dat verbinding gemaakt heeft met de wereld waarin we nu leven en straks wat we in volheid zullen ervaren: de nieuwe hemel en de nieuwe aarde.

www.hansstapel.nl

Over de kunstenaar

Na een vijfjarige kunstschildersopleiding op De Werkschuit te De Bilt is Hans in 1996 zelfstandig bij het schilderscollectief Austerlitz gaan schilderen.

Hans werkt met acrylverf. Hij richt zich met zijn schilderijen (panelen en doeken) hoofdzakelijk op abstracte kunst, vanwege de vrijheid die deze kunstvorm biedt. Het gaat er bij hem niet om wat er is afgebeeld maar hoe dit is gebeurd. Hans gebruikt aardetinten, organische lijnen en -vormen, en combinaties van materialen. Een deel van zijn werken over het ontstaan van het leven en de toekomst van de wereld komen tot stand door Bijbelse inspiratie.

 

hansstapel.nl

 

Margreet Sweerts en Saskia van Drimmelen

Tabledress/

Tablespeech Aruba

Materiaal en afmetingen

Video / mixed media, 2011

Korte beschrijving

 

Het werk verbeeldt een vrouwelijk alternatief voor de vele tafels waaraan voorheen formele en informele zaken werden gedaan, waar vaak machtige mannen een tafelspeech hielden. Het gaat over generositeit en wederkerigheid, over de cyclus van voeden en gevoed worden. Uitgangspunt voor Tabledress is altijd de overvloedige rijkdom van wat aanwezig is, aan talent en technieken, en wat de natuur ter plaatse biedt. Het roept op tot een toekomstig handelen gebaseerd op vertrouwen, overvloed en zorg.

Tabledress/Tablespeech Aruba kwam tot stand op Aruba op uitnodiging van UNOCA en SALON; een kunstwerk van Margreet Sweerts en Saskia van Drimmelen i.s.m. een bonte verzameling lokale ontwerpers en borduurliefhebbers vanuit collectief Painted Series.

Over de kunstenaar

Eva Boonstra Nieboer

 

Nieuw jerusalem (2019)

Materiaal en afmetingen

Mixed media op doek

100 x 140 

Korte beschrijving

Het nieuw Jeruzalem wordt ons gegeven. Het komt vanuit de hemel naar ons toe, als een bruid mooi gemaakt voor haar bruidegom. Met paarlen poorten en straten van goud.

 

Over de kunstenaar

Eveline Boonstra-Nieboer (1967, Groningen) woont en werkt in Huizen (Noord Holland). Ze schildert zowel landschap- en met name zeegezichten als ook portretten. Naast deze onderwerpen maakt ze ook schilderijen met een voorstelling geïnspireerd op de bijbel. Als echtgenoot van een predikant, is ze goed thuis in de bijbel. Ze werkt met verschillende materialen, meestal op doek. Eveline heeft lessen gevolgd aan de Gooise Academie voor beeldende kunsten, met name bij Lex Goes. Voor het maken van (semi)abstract werk heeft ze lessen genomen bij Ivan Mijatovic. Eveline exposeert regelmatig. Haar portret van Willem-Alexander is aangekocht door de gemeente Huizen.

www.evelinenieboer.exto.nl

 

Iris Box 

Fragments of life

Materiaal en afmetingen

mixed media: glas, hout, mos, haar, lava steen, vissengraatjes, bot, klei, bladeren en nog veel meer

6 x 2,5 x 3,10

Korte beschrijving

 Fragments of life is een ruimtelijke installatie die multidisciplinair kunstenaar Iris Box in eerste instantie ontworpen heeft voor de oude Engelmunduskerk in Velsen december 2019.

Box begon het ontwerp op basis van de contrastwerking tussen architectuur van een kerk en die van een ‘zwerm’ van zo’n tweeduizend kleine voorwerpen die aan bijna onzichtbare draden geknoopt zijn. Van de strenge lijnen is alleen het ‘dakwerk’ overgebleven waaraan hangende draden van aflopende lengte bevestigd zijn.

De vorm van het werk is geïnspireerd op een spreeuwenzwerm en zweeft los in de ruimte. Aan elke draad zijn vele en veelsoortige voorwerpen geknoopt die allemaal met de natuur te maken hebben.

Het werk is persoonlijk omdat elk onderdeel verzameld is tijdens zwerftochten of betrokken is uit de directe omgeving van de kunstenaar. De voorwerpen variëren dan ook van stukjes lavasteen tot rozenbottels en van hertenbot tot visgraat. Het geheel is een -letterlijk en figuurlijk- licht geheel waarin op een elegante manier het leven net zo goed gevierd wordt als de vergankelijkheid ervan.

De nieuwe wereld van kunstenaar Box is een wereld waarin alle onderdelen van de wereld, mens, natuur en dier op een evenwichtige manier samenleven.

https://vimeo.com/373932456

 

Over de kunstenaar

Iris Box is een multidisciplinaire kunstenaar die is geboren in Amsterdam, Nederland (1987).  Van 2006 tot 2010 studeerde ze fotografie aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag. Na het starten van een eigen fotostudio besloot ze van 2015 tot 2017 haar master te gaan doen aan het Sandberg Instituut (Materialisatie in kunst en Design). 

Box onderzoekt in haar werk de relatie tussen de mens en zijn natuurlijke omgeving. Door natuurlijke objecten te herschikken en opnieuw te construeren, probeert ze de kijker een idee te geven over de tijdelijke en kwetsbare toestand van de aarde.  Onderliggende thema’s in haar werk zijn chaos versus orde en natuur versus cultuur.

Haar werk is gepubliceerd in Hollands Diep en Volkskrant Magazine. Ze heeft opdrachtwerk gedaan voor reclamebureaus en organisaties als Nederlands Dans Theater, Pakhuis de Zwijger, Kessels Kramer, Cloudfactory, Rituals en kleinere gezelschappen. 

Haar werk is tentoongesteld in kunstruimtes zoals Looiersgracht 60, EYE Amsterdam, Burgerweeshuis, Vishal, Projectspace Lauriergracht 160, Zoete-Broodjes, Tijdelijk Kunstcentrum, Antiekbeurs ’s Hertogenbosch en & Foam.

www.iribox.org

Claudia De Vos

Atmos Spheres

Materiaal en afmetingen

Keramiek met wit bladgoud (13,6 kr), vijf natuurlijke geuren, perspex, sokkels, tafel, stof, 2019

Korte beschrijving

Geur roept associaties op, generale en super persoonlijke. Het huis waar je woonde, de partner die je liefhebt, de oma op wie je zo dol was. De geurkunst installatie ‘Atmos Spheres’ bevat geuren en symbolen die precies dat doen: je uitnodigen om in gesprek te gaan, om verhalen te delen en op zoek te gaan naar verbinding en samen ‘nieuwe rituelen’ te introduceren. Een inzending die wel echt de Westerkerk nodig heeft om tot zijn recht te komen….. Half juli weten we meer!

Video

 www.geurambassadeur.nl

Over de kunstenaar

Claudia de Vos, geurambassadeur: “Na het voltooien van de kunstacademie (HKU) ben ik met name bezig geweest met beeldende kunst en de commerciële toepassingen daarvan in de media. Door de jaren heen heb ik een steeds grotere interesse gekregen in de werking van zintuigen, waarbij de reukzin, natuurlijke geuren en geurbeleving mijn grootste fascinatie had. Inmiddels is dit het hart geworden van de beeldende kunst die ik maak. Installaties en objecten met geur waarin de psychologische werking en symboliek van geur steeds een prominente plaats inneemt.


Master of Arts (MAP-D) | HKU  Hoge school voor de kunsten Utrecht ‘89”/ Natuurgeneeskundige Aromatherapie | SBA Cum laude ’06 / Jungiaanse psychologie | Odrerir  ’07 / Lid van kunstenaarsvereniging  ‘De Onafhankelijken’  te Amsterdam

 

www.geurambassadeur.nl

Moniek Westerman

Bladgoud

Materiaal en afmetingen

Duizenden bladeren, goudverf

Doorsnee ca 250 cm

Korte beschrijving

In de veel te droge zomer van 2018 zag ik de bladeren voortijdig droog en verschrompeld op de grond vallen. ‘Het klimaat is aan het veranderen: what the hell?’ De blaadjes, eerst pakte ik een paar, waren bijzonder gekruld, aangevreten, vervormd. Om hun tijdelijke vorm, tussen groen blad en compost, te behouden, bewerkte ik ze met metaalverf, in alle varianten goud, maar ook staalgrijs, zilver en koper. Het goud overheerst – het goud is wat glans geeft, glimmer, vuur, licht en hoop. Goud hoort vanouds in de hemel en in een kerk, zij het niet in de bedompte, protestantse kerk van mijn jeugd. Goud verbijzondert. Elk blad is stuk voor stuk met de hand geschilderd of gespoten. Door mijn handen gegaan, allemaal even mooi. De veelvormigheid van de natuur verbeeld.

Over de kunstenaar

Moniek Westerman is een beeldend kunstenaar uit Groningen. Ze is afgestudeerd aan de Academie Minerva Groningen en lid van de Nederlandse Kring van Beeldhouwers: “Materie, door de mens aangeroerd, fascineert mij. Hoe verhouden wij ons met de dingen? In de grofstoffelijke wereld zoek ik – tussen de veelheid – naar beelden. Van bouwwerken tot onooglijke dingen, ‘spulletjes” en voorwerpen: materie kent een enorme dynamiek, vandaag de dag. Het één is nuttig, het ander totaal zonder bestaansrecht. Alles is altijd onderhevig aan de sterke menselijke drang naar verandering en vernieuwing. Er is een continue ‘kringloop’ van materie, waarbij alleen uitverkoren (veelal oude) dingen, de dans ontspringen. Maar niet alleen die ‘antiquiteiten’ vertellen een verhaal. Ik ben gek op ‘alles’ dat afgedankt is. Een favoriet rijtje: ‘zolder, rommelwinkel, e-bay, vrijmarkt en vuilstort’. Verontwaardiging over de zinloosheid van iets, kan raken aan ontroering over hetzelfde ding. Dit ‘kijken en beleven’ èn het verzamelen is een belangrijk deel van mijn beeldende kunst. Vanuit deze belangstelling voor ‘materie’ is het maar een kleine, logische stap naar ‘materialisme’ en hebzucht. Daardoor ontstaat er veelal een maatschappij-kritische ondertoon in het werk. “Wat wordt nog gekoesterd?” is mijn vraag. Containerschepen meren dagelijks aan. Vuilcontainers vullen zich net zo frequent met overcomplete spullen. Oude dingen werd de tijd gegund om een plek te veroveren, om ‘sporen’ te krijgen als markeringen van gebeurtenissen. Maar heeft een ‘oude’ I-Pod (type ‘vorig jaar’) dat ook, als het afgeschreven naast de nieuwste versie ligt? Misschien. Als een rode draad in mijn werk loopt de vraag: “Does it matter?” Méér, en eindeloos alles.

moniekwesterman.nl

Pat van Boeckel

En de zee was niet meer

Materiaal en afmetingen

Video

Korte beschrijving

‘Mijn’ nieuwe aarde is somber, donker en het regent. We zien bijna niets en horen in de verte de zee en het tikken van de regen op het dak van de auto. Veel somberder kan een nieuw Jeruzalem er bijna niet uitzien. De waarschuwing van Johannes lijkt mij niet om ons te laten weg zweven naar een stralende toekomst die er sowieso wel gaat komen. Maar in plaats van passief te worden de hoop levend te houden dat we ‘de aarde trouw’ kunnen blijven. De zee met andere ogen en oren zullen ontvangen.

Over de kunstenaar

Als filmmaker had Pat van Boeckel zich al in het documentaire filmgenre gespecialiseerd, toen hij zijn eigen pad in videokunst ontwikkelde. Het merendeel van zijn documentaires is uitgezonden op de Nederlandse  televisie en vertoond op internationale festivals. Zijn onderwerpen hebben vaak een social geëngageerde,  filosofische achtergrond, en lopen uiteen tussen kunst, ecologie, inheemse volkeren en spiritualiteit.

Zijn video-installaties onderzoeken de relatie tussen mensen en hun (natuurlijke) omgeving. Hij spiegelt in zijn werk aspecten van het hedendaagse leven met waarden die verloren zijn gegaan door een voortrazende ontwikkeling. Over het algemeen wordt zijn werk gekenmerkt door een schijnbare eenvoud, terwijl hij bewust speelt met symbolen en de verwachtingen van de kijker. Het trage tempo contrasteert het met de snelheid en de vluchtigheid van de moderne visuele cultuur.

In plaats van zijn werk op een scherm te projecteren, prefereert Pat van Boeckel projectie op objecten of delen van een gebouw, waardoor nieuwe lagen aan het bewegende beeld worden toegevoegd. In zijn laatste videowerken zoekt hij combinaties en samenwerking met hedendaagse gedichten en dichters.

Patvanboeckel.nl

rieteke hoogendoorn

Mijn Visioen

Materiaal en afmetingen

Katoen

155 x 155 cm

Korte beschrijving

Rieteke Hoogendoorn maakte met de hand een quilt van 155 x 155 cm, uit katoenen stoffen. ‘Mijn visioen’ heet het werk, duidelijk geïnspireerd door Openbaring 21. Haar visioen is opgebouwd uit een gouden kubus, met een fundament van edelstenen: het nieuwe Jeruzalem. De hemel omringt de aarde en heeft een open verbinding met haar. Cirkels zijn het symbool van eeuwigheid en geborgenheid, de gouden cirkel een uitbeelding van Gods aanwezigheid onder de mensen. De groene cirkel symboliseert de levensboom bij de rivier, de blauwe baan de rivier waaraan de boom staat geplant. Het paars in het visioen verwijst naar ons leven van nu, dat beschenen wordt door lichtstralen vanuit de hemel. We zijn op weg naar het grootste feest, met de hemel in ons hart.

Over de kunstenaar

Rieteke Hoogendoorn (1955) maakt al bijna 30 jaar quilts, waarin niet alleen de kleuren- en patronenpracht voorop staat, maar ze ook graag iets van Gods liefde doorgeeft. Met de symbolen van geloof, hoop en liefde maakte ze haar eerste ‘Bijbelquilt’. In de loop van de jaren werd ze door zelfstudie expert in de symboliek van kleuren, bloemen, getallen en vormen. In elke Bijbelquilt is er iets van deze symboliek terug te vinden. Het quilten is ondertussen uitgegroeid tot haar dagelijks werk. Ze krijgt opdrachten van particulieren, kerken en instellingen. Ook geeft Rieteke lezingen, workshops en exposeert ze regelmatig. De quilts worden allemaal met de hand gemaakt, met gebruik van zoveel mogelijk traditionele technieken. Ze werkt zowel abstract als figuratief, maar een combinatie van deze twee spreekt haar het meeste aan.  

www.quiltkapel.nl

Carla Emmink

Roze Sterren

Materiaal en afmetingen

Afmeting: 70 x 90 cm
Materiaal: Acryl op doek

Korte beschrijving

“Verwondering voelde ik op het moment dat ik me er van bewust werd dat ik als kunstenaar alles mag uitbeelden wat in mijn gedachten komt en mag uitbeelden hoe ik mijn ontwikkeling beleef en mijn eigen wereld kan creëren. Vanuit mijn streng protestants-christelijke opvoeding was er geen plaats voor mijn seksuele geaardheid. Dit gegeven heeft mij jarenlang bepaald en geblokkeerd tot het moment dat ik inzag dat het niet verkeerd is om als vrouw van vrouwen te houden en dat ik van mijn God wel homoseksuele gevoelens mag hebben. Over deze ontdekking van vrijheid voor mezelf wil ik tekenen en schilderen.

Over de kunstenaar

“Verwondering voelde ik op het moment dat ik me er van bewust werd dat ik als kunstenaar alles mag uitbeelden wat in mijn gedachten komt en mag uitbeelden hoe ik mijn ontwikkeling beleef en mijn eígen wereld kan creëren.

Vanuit mijn streng protestants-christelijke opvoeding was er geen plaats voor mijn seksuele geaardheid. Dit gegeven heeft mij jarenlang bepaald en geblokkeerd tot het moment dat ik inzag dat het niet verkeerd is om als vrouw van vrouwen te houden en dat ik van mijn God wel homoseksuele gevoelens mag hebben. Over deze ontdekking van vrijheid voor mezelf wil ik tekenen en schilderen.”

 

bert van santen

Mirantibus

Materiaal en afmetingen

Foto op aluminium, oplage 4, nr 1

60 x 80 cm

Korte beschrijving

Het beeld Mirantibus bestaat ​​in een gebied tussen immaterialiteit, object, optische verschijnselen, schoonheid en ongemak.  Het zichtbare maakproces omvat een uitgebreid onderzoek naar de aard en mogelijkheden van zien en waarnemen, waardoor we de omstandigheden van deze wereld leren kennen.  Even belangrijk is de creatieve exploitatie van digitale artefacten en glitches, die natuurlijke elementen worden in de creatie.  In het werk zijn toegepaste reacties op observatie, maar ook een streven naar duur, herhaling, variatie en hun effecten op de perceptie.

Werken met licht is als bouwen en beeldhouwen in de tijd, en het transformeren van de ervaring van licht in de fysieke ruimte; terwijl het ook de nuances van zowel licht als ruimte activeert. Om licht te benaderen ontstaan ​​lijnen, vlakken, kleuren die voortkomen uit empirisch onderzoek naar analoog handelen en digitale wetmatigheid (als een  gebied van visuele puin) en denkbeeldige opbouw van technologische voorzieningen. Deze worden dan instrumenteel om processen te informeren die beeldemissie produceren.

Mirantibus, creatie van illusie van bewegend beeld, zowel conceptueel van oorsprong als experimenteel, belichaamt het nieuwe leven als een gefilterd proces van liefde. Het benadrukken en verkennen van oneindig leven, als een fenomenale gebeurtenis en als een futuristisch ‘er zijn’, die vervolgens de materiële bron transformeert in een abstracte belichaming van licht dat beweegt en verandert in de tijd.

 

Over de kunstenaar

Na een studie aan de Hoge School voor de Kunsten in Arnhem (ArtEZ) vestigde Bert van Santen (Ermelo, 1966) zich als beeldend kunstenaar in Zwolle in 1991. Sinds juli 2017 woont en werkt van Santen in Krommenie. Bij zijn expositie in De Koornmarktspoort, Kampen, 2017 werd geschreven: “Van Santen speelt een visueel spel, waarbij het proces van kijken en zien onderzocht wordt. De stapeling van lijnen en vlakken die Van Santen toont is niet zomaar een ruimtelijke illusie. Hij construeert zijn werken zo dat onze geest het niet helemaal kan vatten en verschillende pogingen moet doen om het werk te doorgronden. De toeschouwer wordt onderworpen aan het langzame bewustwordingsproces van het zien. Zijn ‘Ruimtelijke Ongerijmdheden’ laten zich steeds opnieuw bevragen en interpreteren van wat we eigenlijk zien. Het oog zoekt al dan niet naar houvast in de gezichtseinder en zoekt naar betekenissen om het wezen der dingen te doorgronden. (…)

www.bertvansanten.com

 

Saskia van Kampen

Confessions

Materiaal en afmetingen

Afhankelijk van de beschikbare ruimte

Mixed media experience

Korte beschrijving

Mother earth welcomes her children to her womb to confess. Confess her what you have done wrong and let her know what behaviors, thoughts and patterns you want to let go off and want forgiveness for. Share with her the actions you are going to take to birth a new earth. Together we can let go of the old and welcome the new. Are you ready to let go? Are you ready to look in the mirror and confess your own sins? Are you ready to step into the new world? Come and visit mother earth now, you are invited.

Over de kunstenaar

Saskia Liselotte van Kampen (1989) is maker van intuïtieve authentieke processen en creaties. 

Ze gebruikt voor haar werk wat er om haar heen beweegt. Van de ruimte waar ze in staat, tot wat er onder de grond leeft. Ze graaft tunnels onder de olifanten in de kamers en gaat met ze wandelen. Met haar werk als maker geeft ze de toegang tot een diepere werkelijkheid, voorbij het voorspelbare, onder het zichtbare. Ze nodigt haar publiek graag uit tot interactie met zichzelf en het werk. Het doel is altijd het ontmoeten van jezelf en de wereld waar je in leeft.

 

Maria Es

De verwondering

Materiaal en afmetingen

glas in lood

Toepassing: glas-in-loodraam / glas-in-beton / lichtobject.

 267 cm x 60 c

Korte beschrijving

“Het lijden biedt ons een nieuwe kans, het schudt ons wakker uit onze droom van onschendbaarheid waarin wij enkel voor onszelf bestaan. Mijn kwetsbaarheid doet mij verlangen naar de zorg om anderen.” Het zijn deze woorden van de filosoof Levinas die Maria Es dierbaar zijn en ons kunnen helpen om aan het lijden van de mens tijdens deze mondiale coronacrisis, betekenis en richting te geven. 

Met haar glas-in-loodontwerp ‘De Verwondering’ wil Maria een nieuw licht scheppen in de hoop dat de schoonheid van het licht ons de weg wijst naar dankbaarheid en zorg om alles wat ons omringt. De lucht, het water, de dieren, de bomen, de vruchtbare aarde; een lijdende schoonheid die zal sterven aan onze onzorgvuldigheid als wij niet bereid zijn te veranderen:  “Ik wil een nieuw licht laten schijnen over het begrip samenleven – door de mens volledig voor zichzelf opgeëist –. Samenleven betekent immers samen LEVEN! De dieren, de bomen, het water, de lucht, onze onbaatzuchtige vruchtbare aarde en de mens. Waarom dan een ontwerp zonder mensen? De mens verdient een tweede kans.

Mijn verwondering en grote passie voor het leven was de inspiratiebron voor mijn glas-in-loodontwerp ‘De Verwondering’. Jarenlang bewaarde ik het ontwerp als een kostbaar document voor mijzelf. Niet eerder was er een dringender noodzaak dan nu om het te willen tonen en ‘De Verwondering’ een definitieve plek te geven onder de mensen. Met het verlangen te willen troosten en te zeggen: ‘Het is niet te laat! Wees niet bang’.”

 

Over de kunstenaar

Maria Es groeide op in Itteren, een kleine zelfvoorzienende boerengemeenschap in Zuid Limburg. Daar leerde ze haar belangrijkste levenslessen. Spelend met de vruchtbare leem aan de oevers van de Maas, omringd door het goudgele graan, het geluid van de dieren en de hamerslag van de smid: “De onverbrekelijke samenhang tussen het land, de dieren, de hemel, het water en de mens was zo indrukwekkend en overweldigend dat Kunst voor mij de enige manier was om deze grootheid te kunnen dragen. En haar te transformeren in een dienend verlangen te willen begeesteren en troosten tegelijk. Van het spelende licht in de glas-in-loodramen van de kleine kerk in Itteren leerde ik dat schoonheid niet vrijblijvend is maar een ethisch appél doet op onze verantwoordelijkheid. Mijn besef van nietig zijn maakt mij sterk als het landschap van mijn jeugd.”

Masaru +O

Yuragi

Materiaal en afmetingen

Polymer / caulking

45 × 45 x 75 cm

Korte beschrijving

I created this art piece YURAGI with image of a chaotic world with asymmetry.

YURAGI is an existence of emotions and soul spring up from the chaotic world.

Over de kunstenaar

Masaru+O is a Japanese artist, Amsterdam-based. He has been active as make-up artist in Paris, London and Tokyo especially for fashion industry  and art performance. He has made Art pieces for art performance as well. Currently he creates art by polymer, caulking, latex.

Masau+O gets inspiration from nature, artificial, and my favorite author / Kenji Miyazawa.

Noortje haegens

Quarantine View

Materiaal en afmetingen

Fotografie

Afmetingen: ca 250 x 250 cm

Korte beschrijving

Noortje Haegens begon op de eerste dag van de quarantaine het uitzicht te fotograferen uit haar raam in Breda. Normaal gesproken is het uitgangspunt van haar werk de wandeling. De functie daarvan, de vertraging van de waarneming, waarbij ze teruggaat naar de kracht van de stilte, is waar het dan om gaat. Het werk ‘Quarantine view’ is voortgekomen uit stilstand. Een totaal nieuwe manier van werken. Wat begon als een eerste beeld is uitgegroeid tot een prachtige verzameling van de Bredase heldere lucht die elke dag te zien is. De heldere lucht die niet eerder op deze manier was vast te leggen: Of het aan het gebrek aan uitlaatgassen ligt, aan de vermindering van uitstoot van de fabrieken, het nagenoeg ontbreken van vliegtuigen: het feit is dat de lucht helderder, lichter lijkt dan gewoonlijk. “Een schoonheid:, Die troost biedt.” Het raam staat ook als metafoor voor de tijd waar we ons nu in begeven, het isolement van deze tijd.

Over de kunstenaar

Noortje Haegens is de kunstenaar die een rustpunt in de ongeschreven partituur van onze natuurlijke zoektocht aangeeft. Haar videowerken ontkennen de snelheid van de dagelijkse tredmolen, ze staan stil in hun beweging. Een beweging die je pas kan zien als je zelf stil staat.

Ze is geen ateliermens, daar komt de inspiratie niet. Het wandelen is een essentieel onderdeel van de werkmethode van Noortje, en een belangrijk uitgangspunt om grip te krijgen op haar omgeving. Wat de grondering is voor een schilderij is voor haar het wandelen: de basis voor het kunstwerk.

Het werk van Noortje heeft een zekere openheid, die appelleert aan een universele herkenbaarheid die zij aantreft in de natuur. Al wandelend treft zij de puurheid aan van de omgeving en wordt de impact van de plaats en locatie pas later duidelijk. Het werk is er altijd al, maar heeft nog niet zijn betekenis onthuld. Door steeds terug te keren naar de plaats dient het nog niet gemaakte kunstwerk zich aan. Het is een relatie die langzaam opgebouwd wordt.

 

Noortjehaegens.com

Stichting vrienden van job

Early dawn of the new world

Materiaal en afmetingen

244 x 244 x 244

Korte beschrijving

Uitgangspunt voor de installatie is het moment tussen de ondergang van de oude wereld en het ontstaan van een nieuwe aarde . Heel even is er helemaal niets …  Dit moment doet De Vrienden van Job denken aan de theorie van de oerknal en de verhalen van mensen die een ‘Bijna Dood Ervaring’ hebben meegemaakt.

‘Early Dawn of The New World’ is een kubus, een ‘zwarte doos’ van 244 x 244 x 244 cm. In deze zwart geschilderde kijkdoos draait een op zijn zijkant liggende boom met wortel en tak rond in een verduisterde ruimte. Deze levensboom heeft nog geen bladeren, maar is zeker niet dood. Op zijn hoogst schijndood. De boom verwijst naar de boom uit de Apocalyps die zelf een spiegeling is van de ‘de boom des levens’ uit Genesis. De boom symboliseert het leven dat de dood niet kent. Vanachter de boom schijnt een klein helder tegenlicht, waardoor de door het ronddraaien steeds wisselende vorm van het wortel- en takkenstelsel prachtig zichtbaar wordt.

Over de kunstenaar

De Vrienden van Job is een stichting die in 2000 werd opgericht door drie bevriende beeldend kunstenaars: Wout Herfkens, Jan Meijering en Rinke Nijburg. Doelstelling van DVVJ is het organiseren van tentoonstellingen en projecten van hedendaagse moderne beelddende kunst met een religieuze of filosofische inhoud.

Eens in de 3 tot 5 jaar initieert DVVJ een groot project; daarnaast maakt DVVJ met regelmaat grote installaties. Voor uitvoeriger documentatie over DVVJ/HFF kun je terecht op de website: http://www.devriendenvanjob.blogspot.nl/

DVVJ concept-tentoonstellingen
In de ontreddering de kalmte bewaren, 37 antwoorden op van Gogh laatste nooit verstuurde brief (2015, Circa…dit, Arnhem),  Verspijkerd en verzaagd (2017, Het Noordbrabants Museum, Den Bosch, i.s.m. dr. Joost de Wal), Het is mooier als er mensen in zitten (2019, Oosterbeek, i.s.m. B53 en Scarabee),  In Cirkels (2021, Jan Cunen Museum, Oss, i.s.m.  Esmee Seebregts)

DVVJ installaties
De heilige met de grote mond (2016, Nepomuk-kapel Boxmeer, Oog om oog (2017, Kunstenlab Deventer), Feeding the Birds 1 (2018, Grote Kerk, Leeuwarden), Feeding the Birds 2 (2021, Odapark, Venray).

Sylvia opstall

Hope (Japanese Heaven)

Materiaal en afmetingen

Mixed media

72 cm doorsnee

Korte beschrijving

Hope is ontworpen vanuit de gedachte dat een oriëntatie op nieuwe vormen en nieuwe werelden niet aan de horizon ligt, maar dichtbij. Dichtbij ligt de mogelijkheid om het nieuwe in het oude te herkennen. Niet als een vervanging of verwerping, maar als transformatie.

Stille aandacht, positieve rust en het aanwenden van oude kennis dienen als katalysator van het nieuwe. Dit is het spanningsveld waarin ik werk: de ontmoeting van ‘oud’ ambachtelijk kunstenaarschap en ‘nieuwe’ conceptuele intensiteit.

In deze zin bouw ik mijn werk op uit talloze ‘traditionele’ miniatuurelementen die ik tot in de kleinste details ontwerp en produceer, om uiteindelijk de grotere visie als natuurlijke ruimtelijkheid te laten ontstaan; zichzelf te laten formuleren. De objecten en panelen maken door hun heldere, organische structuren een monumentale indruk, maar nodigen tegelijkertijd uit tot intieme nabijheid door de kracht van het uitgewerkte detail.

Deze reliëftaal weerkaatst tegelijk ritmes en patronen uit de natuur, particle physics en menselijke energie en activiteit. De schaal van de perceptie is uiteindelijk aan de kijker.

Hoop, het onvervulde vertrouwen, is stil. Zoals blad metalen en pigmenten het daglicht volgen, van nieuw moment tot nieuw moment.

 

Over de kunstenaar

Sylvia van Opstall  verweeft vanuit haar multidisciplinaire achtergrond in decor-en kostuumontwerp, model-making, textiele werkvormen en klassieke schildertechnieken een rijkdom aan tradities tot een nieuwe kunstvorm:“Loominance”.

Talloze miniatuur-elementen die zij tot in de kleinste details ontwerpt en produceert, voegt zij zodanig samen op paneel, dat er beweeglijke energievelden ontstaan.  De objecten en panelen maken een krachtige, haast monumentale indruk door hun heldere lijnen, vormen en structuren. Tegelijkertijd nodigen ze uit tot nabijheid door de bekoring van dat uitgewerkte detail. Dit spanningsveld is bijzonder en ontstaat alleen waar ambachtelijk kunstenaarschap samengaat met conceptuele intensiteit.

 

Arie de Ruiter

De Bruidegom

Materiaal en afmetingen

Papierkunst

Afmetingen: 29 x 39 cm

Korte beschrijving

In het evangelie noemt de Heer Jezus zich de bruidegom. Zolang Hij er is behoeven de bruiloftsgasten niet te vasten (Lucas 5, 34). Hij gaat op weg naar Jeruzalem naar het moment dat Hij van de aarde zal worden weggenomen (Lucas 9, 51). Dit is dag van zijn Hemelvaart. Na de hemelvaart keren de leerlingen vol vreugde terug naar Jeruzalem. (Lucas 24, 50-52). En ook belooft Hij dat Hij pas weer wijn zal drinken bij de komst van zijn Koninkrijk. (Lucas 22,18). In het boek Openbaringen wordt Zijn bruiloft aangekondigd: “Want de bruiloft van het lam is gekomen en zijn bruid staat klaar.” Ook moet Johannes deze woorden schrijven: “Gelukkig zijn zij die voor het bruiloftsmaal van het Lam zijn uitgenodigd”. (Openbaring 19, 7-9). De nieuwe en de nieuwe aarde begint dus met de bruiloft van de Bruidegom Jezus! De gemeente is zijn bruid. Wij verwachten in het geloof één groot feest! Zo zal de nieuwe hemel en de nieuwe aarde mogen beginnen!

Over de kunstenaar

Arie is geboren in 1950 in Giessendam. Na een opleiding tot leraar basisonderwijs en een studie theologie in Bazel en Amsterdam werd hij pastoraal medewerker in Tholen en Poortvliet. Hij was vervolgens Predikant Geref. Kerken en PKN in Oostkapelle, Boornbergum en Genderen. Sinds zijn emeritaat in 2015, verzorgt hij hulpdiensten in de Hervormde Gemeente te Baardwijk (Waalwijk).
Arie is sinds november 2016 bezig met papiersnijkunst. Hij neemt regelmatig deel aan kunstroutes en tentoonstellingen.

Helena Arturaleza & Vondove

One

Materiaal en afmetingen

Schilderkunst

Afmetingen: 60 x 60 cm

Korte beschrijving

Met ‘One’ schilderde Helena Arturaleza en Vondove een gebed voor de mensheid, voor de genezing van onze planeet. In dit kunstwerk worden inheemse mensen afgebeeld kijkend naar de aarde. Hun boodschap? Als mensheid zijn wij een, vanuit samenwerking en geloof in de liefde kunnen wij samen een betere aarde creëren.

Mogen we ons herinneren dat we uit dezelfde bron komen, allemaal op dezelfde planeet Aarde. We moeten samen betere manieren vinden om de aarde te eren en deze werkelijk prachtige schepping voort te zetten.

De kunstenaressen, de een in Amsterdam, de ander in Australië, deden er 4 jaar over om het samen te voltooien, waarbij One door 8 landen over de hele wereld heeft  gereisd. 

Over de kunstenaar

“Mijn hart gaat overal waar de kunst stroomt. Verenigde kunst vanuit het hart.”

Helena is in 1992 geboren in een klein dorpje net ten noorden van Amsterdam. Ze is altijd een creatieve geest geweest; Van kinds af aan vond ze haar manieren om uit te drukken door middel van dans, muziek en schilderen. Haar artistieke reis begon op 19-jarige leeftijd toen ze werd gevraagd om kunst te geven aan haar leeftijdsgenoten tijdens haar Media & Design-opleiding. Daarnaast kreeg ze haar eerste opdrachten. Als gevolg hiervan sloeg ze de kunstacademie over en begon ze haar leven als professioneel kunstenaar. Met de wereld als haar leraar omarmde ze het leven als reiziger, ontwikkelde ze haar eigen stijl en leerde ze zichzelf schilderen. Na enkele jaren levenservaring studeerde ze bij verschillende kunstenaars aan de Weense Academie voor Visionaire kunst.

Leven, kleur, natuur en mensen inspireren Helena’s werk. Haar werk kenmerkt zich door spiritualiteit ook wel bekend als visionaire kunst. Visionaire kunst inspireert een wereldwijde beweging, die een dieper inzicht geeft in het leven dat via beelden wordt gecommuniceerd.

www.arturaleza.art

Tom van Campenhout 

Maagdelijke Bouwwerken

Materiaal en afmetingen

Hout, plastic, karton, metaal

Afmetingen: 150 x 190 x 190 cm

Korte beschrijving

Tom van Campenhout maakt zijn “maagdelijke bouwwerken” van afvalmateriaal dat hij kreeg of vond in containers. Het is in elkaar gezet als een breiwerk met alles wat maar voorhanden was, met een minimaal gebruik van gereedschap. Geen prachtige verbindingen, gladgeschuurde randen of gepolijste stukken. Ruw, wat voorhanden is, is gebruikt, alle materialen – duur of nutteloos – zijn even belangrijk. Vandaar alles ook wit geschilderd is.

Het is een opeenstapeling, zoals de toren van Babel. Misschien zijn het fabrieken waarbij alles even belangrijk is, wit zodat de voetafdruk zo maagdelijk mogelijk blijft. Met respect voor alles en iedereen. Geen individuele belangen maar gemeenschappelijke. Geen individuele rijkdom, zingeving, bestaansrecht maar gemeenschappelijke

Francine Steegs

The Hereafter

Materiaal en afmetingen

Acryl op doek, 2019

100 x 120 cm

Korte beschrijving

Dit recente werk verbeeldt een verlaten wereld, een onbekend en mysterieus continent.

Een wereld die er misschien vóór ons bestaan al was of die er na ons resteert of die alleen in ons onderbewustzijn bestaat?

Een beeld dat vragen oproept bij de kijker zonder eenduidige antwoorden te geven.

Over de kunstenaar

Francine Steegs is schilder en zeefdrukker en heeft haar atelier in de Willem-twee fabriek  in ’s-Hertogenbosch. Impressies van landschappen en variaties op melancholische portretten domineren haar schilderijen en zeefdrukken. Haar werk gaat over de verbeelding van het tijdloze, datgene wat onveranderd blijft. Vaak verwijst het naar het verleden: Landschappen en luchten die al eeuwenlang onveranderd zijn en portretten van oude meesters van eeuwen her. 

Steegs laat zich al jaren inspireren door het landschap op de Waddeneilanden. In 2017 werkte zij een tijd als artist in residency aan de ruige westkust van Ierland, wat resulteerde in een serie geschilderde en gedrukte landschapsimpressies.  in 2019 werkte ze in Alicante in Spanje aan portretten die geïnspireerd zijn op werken van Velasquez.

www.francinesteegs.nl

Henk Kapitein

Openbaringen 21

Materiaal en afmetingen

Zwart wit papier. Gereedschap is schaar, mes en holpijp

Korte beschrijving

Kapiteins papierkunstwerk is onderdeel van zijn collectie knipwerk rond Bijbelse gegevens.

Dit jaar maakte hij naar aanleiding van de Open Call een werk over Openbaringen 21: “In het kunstwerk heb ik weergegeven dat op de jongste dag God de schare die niemand tellen kan tot zich zal nemen, opheft uit de zee van onrust, ziekte en geweld. Ons draagt naar het nieuwe Jeruzalem, de stad met 12 poorten waar de boom des levens bloeit. De stad die neerdaalt uit de wolken. De gouden stad die blinkend straalt omdat HIJ zelf het licht zal zijn. En dan zal die zee vol met al onze ongerechtigheden achter ons gelaten worden, deze zal er niet meer zijn.”

Over de kunstenaar

Henk Kapitein is sinds 1992 actief als Psaliegrafist (papierknipkunstenaar) en is daarnaast docent Beeldende Vorming aan het VMBO.

Kapitein is voorzitter van de Nederlandse Vereniging Voor Papierknipkunst. Deze kunstvorm kent een rijk historisch verleden. Johanna Koerten was een tijdgenote van Rembrandt van Rijn en genoot grote bekendheid met haar knipwerken.

Als beeldend kunstenaar is Kapitein steeds op zoek naar vernieuwingen binnen de papierknipkunst. Naast veel andere knipwerken, maakt hij ieder jaar als uitbreiding van zijn collectie een nieuw knipwerk rondom een Bijbels gegeven. 

Adelheid en Huub Kortekaas

De Metafysische Tuin

Materiaal en afmetingen

Ontwerp

Korte beschrijving

In het werk van kunstenaarsduo Adelheid en Huub Kortekaas werden de Plant en in een later stadium de Bloem, de metaforen voor het intrinsieke verlangen van de mens om te groeien van het donker naar het Licht en de mens te worden die we in diepste wezen graag willen zijn. In 1987 – geïnspireerd op het scheppingsverhaal van Johannus N.T. 1:1-1:14 – ontwerpen zij een paradijselijke plek: “De Metafysische Tuin” –  een hortus conclusus als verbeelding van de geboorte van een nieuw mens en wereldbeeld, waar Plant – Mens en Bloem in de loop der jaren metaforisch samengroeien.

Metafysische Tuin

Over de kunstenaar

Als kunstenaars willen wij als inspirators en bruggenbouwers middenin de samenleving staan. Een groeiproces van Ik naar Wij in de bewustwording dat wij deel zijn van het grote geheel en dat we medescheppers zijn op deze aarde en de gezamenlijke verantwoordelijkheid die dit nieuwe levensgevoel met zich meebrengt. Ons bewustzijn wordt een creatief deelnemend bewustzijn, een overgang van individueel denken naar universeel denken. Deze Quantum-sprong genereert een totaal nieuw betekenisvol mens en wereldbeeld, een harmonische symbiose tussen het mannelijke en vrouwelijke, tussen natuur en cultuur, economie en spiritualiteit, tussen Oosters en Westers denken, tussen individu en maatschappij. Wij noemen dit Quantum-Art. Uit onze meer dan 50 jarige samenwerking is wereldwijd een omvangrijke symbolische universele verbindende beeldtaal ontstaan.

Home

Geïnspireerd geraakt?